Desde que Studio Ghibli se estableció en 1985, ha sido reconocido por producir algunas de las películas animadas más altamente elogiadas y universalmente adoradas de los últimos cuarenta años.
Las aclamadas películas como “Spirited Away”, que ganaron un Premio de la Academia, y títulos queridos como “Ponyo” de Studio Ghibli son reconocidos a nivel mundial por su animación distintiva y entrañable y temas consistentes y resonantes que atraen a múltiples grupos de edad. Como resultado, sirven como una opción reconfortante para los espectadores que abarcan varias generaciones en todo el mundo.
Las películas de Studio Ghibli frecuentemente profundizan en temas como la conservación y el mundo natural, los mitos y las leyendas; vinculación dentro de familias y comunidades; no violencia versus conflicto; madurez y responsabilidad; y la fusión de la vida ordinaria con magia extraordinaria.
Las películas de Studio Ghibli a menudo se centran en temas como la ecología, la naturaleza, las leyendas y el folklore; dinámica familiar y espíritu comunitario; Resoluciones pacíficas sobre conflicto; historias de la mayoría de edad; y elementos mágicos establecidos en situaciones cotidianas.
Las películas del estudio japonés con frecuencia cambian entre temas tradicionales del pasado y las visiones de futuro del futuro, creando mundos cautivadores y duraderos que trascienden el tiempo y las anticipaciones. Por ejemplo, aunque Nausicaa del valle del viento fue distribuida por Toei antes de que el estudio Ghibli surgiera, todavía ejemplifica este estilo. Además, las protagonistas femeninas intrépidas, como la heroína del servicio de entrega de Kiki, y los niños determinados y resistentes a menudo asumen roles prominentes en sus historias que empoderan e inspiran al público.
Como admirador devoto, describiría el mundo de Studio Ghibli como un reino encantador que llena de detalles intrincados, cautivando el maximalismo, los paisajes extensos de la naturaleza, las comodas cómodas y las pintorescas aldeas. Es un universo mágico que agita los sentidos, llenos de fantasía, asombro y conmovedor. Este dominio artístico emplea hábilmente una animación predominantemente dibujada a mano para tejer narraciones vívidas y provocar emociones poderosas.
En las últimas décadas, los cineastas y animadores que admiran el estilo único del estudio Ghibli, particularmente el de Hayao Miyazaki, han comenzado a crear sus propias películas, a menudo inspiradas en el distinguido estudio de animación japonés.
Aquí encontrará una lista de diez películas animadas cautivadoras que seguramente resonará con los fanáticos de Studio Ghibli. Estas películas se destacan por su impresionante estética visual, temas tocados y narrativas encantadoras. ¡Disfrutar!
A los fanáticos de las películas animadas al estudio de Ghibli les encantaría
El imaginario (2023)
En esta versión reformulada, el ex alumno de Studio Ghibli Yoshiyuki Momose dirige la película “The Imaginary”. Esta película se centra en Rudger, una amiga imaginaria de una joven llamada Amanda, que se entera de que dejará de existir si Amanda lo olvida después de un triste incidente. La historia, llena de dulzura y angustia, profundiza en temas de crecimiento, amistad y el encanto transitorio de la imaginación infantil. Estos temas están bellamente ilustrados a través de una animación encantadora, viajes fantásticos y un núcleo emocional conmovedor que mantiene la historia basada.
Esta versión mantiene la esencia del original mientras es más accesible para los lectores.
Flujo (2024)
En el mundo del estudio Ghibli, los animales y la naturaleza a menudo han tenido roles significativos, lo que hace que el “flujo” sea una opción ideal para admiradores del estudio desde hace mucho tiempo. Lanzada en 2024 y ganando un Oscar, esta película de Letonia es única ya que no tiene diálogo ni humanos. En cambio, cuenta una historia cautivadora y contemplativa de un gato solitario y otros animales que se unen para soportar una inundación post-apocalíptica. La belleza de la película se encuentra en su ambiente de ensueño, fondos imaginativos y animación de personajes emotivos, lo que lo convierte en una experiencia verdaderamente fascinante y estimulante.
Luca (2021)
La película de 2021 Disney/Pixar, “Luca”, parece haber sido fuertemente influenciada por Studio Ghibli, particularmente en su narrativa. Ubicada en la Riviera italiana durante la década de 1950, esta película de fantasía cuenta la historia de un niño que se embarca en un encantador viaje de verano con su amigo recién encontrado mientras oculta un secreto notable. Similar a muchas producciones de Ghibli, es una historia encantadora de crecer, llena de pintorescos paisajes y conflictos de infancia alegres. La película se centra principalmente en la amistad y el viaje de la maduración.
Long Way North (2015)
La película animada titulada “Long Way North”, ambientada en la Rusia del siglo XIX, gira en torno a una niña noble que se embarca en un viaje para encontrar a su abuelo explorador desaparecido que se había aventurado en el Ártico. La película fue lanzada en 2015 y es conocida por su hermosa y elegante animación. Su historia de aventura, coraje y empoderamiento, así como su persistente joven protagonista femenina, se hace eco de los numerosos viajes heroicos que se encuentran en las películas de Studio Gibli.
¡Catillera! (1995)
Lanzado en 1995, “¡Catnapped!” Cuenta la historia de un dúo hermano-hermana que se embarca en un emocionante viaje a un mundo enigmático habitado por los gatos parlantes. Este reino misterioso sirve como su destino cuando buscan salvar a su amado perro mascota, que ha sido secuestrado por una princesa malvada. Esta historia imaginativa y deliciosamente peculiar se caracteriza por una vibrante animación japonesa y un elenco de personajes excéntricos. Aunque algunos lo comparan con “The Cat Returns”, esta película menos conocida posee un ritmo más rápido y un tono más enérgico en comparación con la producción con temática de gatos más tranquila de Studio Ghibli.
Song of the Sea (2014)
Similar a Studio Ghibli, que deriva gran parte de sus imágenes y narrativas de las tradiciones japonesas, el salón de dibujos animados de Irlanda es apreciado por sus historias conmovedoras basadas en el antiguo folklore irlandés. En 2014, se lanzó la película Song of the Sea, reflejando este patrón. Con imágenes impresionantes y momentos profundamente emotivos, la película gira en torno a un niño desencantado de 10 años que aprende que su hermana menor, a quien responsabiliza por la muerte de su madre, es de hecho una criatura marina mítica conocida como Selkie. La animación encantadora que recuerda a un libro de cuentos teje una historia llena de deidades celtas, hadas y brujería, pero en esencia, cuenta una historia conmovedora sobre los lazos familiares y el poder del perdón.
Kubo y las dos cuerdas (2016)
Similar a numerosas películas de Studio Ghibli, la producción de stop-motion-motion de Laika Studios “Kubo and the Two Strings” ofrece al público un viaje complejo y encantador hacia un reino de fantasía. Esta narración de la mayoría de edad sigue a un joven japonés en una búsqueda heroica para vencer al Rey de la Luna y rescatar a sus parientes. Repleto de resonancia emocional y narración que se inspira en el folklore, “Kubo and the Two Strings” combina sin problemas la aventura con historias de juventud y optimismo, temas frecuentemente presentes en las películas de Hayao Miyazaki.
Un bigote de distancia (2020)
En 2020, Netflix estrenó la película de anime “A Whisker Away”. Esta historia conmovedora gira en torno a un adolescente que se transforma mágicamente en un gato para estar cerca de su enamoramiento. Sin embargo, cuando ya no puede regresar a la forma humana, se embarcan en un viaje a un mundo felino oculto para encontrar una solución. La animación de la película es encantadora y reconfortante, que tiene lugar en una pintoresca ciudad costera, mientras que los gatos parlantes son adorables y similares a los que se encuentran en la película de 2002 de Studio Ghibli “The Cat regresa.
Abril y el mundo extraordinario (2015)
En la película animada “April and the Extraordinary World”, que se desarrolla en un steampunk, distópico París de la década de 1940, una chica brillante llamada April, su gato parlante y un niño inteligente de la calle en una aventura para localizar a los padres desaparecidos de April. Esta producción francesa comparte temas comunes con los clásicos de Studio Ghibli como “Kiki’s Delivery Service” y “Nausicaa of the Valley of the Wind”, como el desafío juvenil, los valores familiares y las emocionantes escapadas, todas con un telón de fondo del período caprichoso.
El rey de los ciervos (2021)
Bajo la dirección de Masashi Ando y Masayuki Miyaji, que anteriormente colaboró con Hayao Miyazaki en “Spirited Away”, viene la película titulada “The Deer King“. Esta película se centra en un ex guerrero que está esclavizado, junto con una niña. Se las arreglaron para escapar de una mina de sal después de un asalto inexplicable por los caninos enfermos. A pesar de su exitoso vuelo, ambos sostienen las picaduras, y el guerrero se embarca en una búsqueda para descubrir un remedio para la plaga que de otro modo podría eliminar todo su dominio. Mostrando similitudes con “Princess Mononoke“, la película se une bellamente temas de valentía, naturaleza, jerarquía social, guerra y vínculos familiares que se han descubierto.
Cada película de Pixar, clasificada de peor a mejor
29. The Good Dinosaur (2015)
Múltiples películas de Pixar han experimentado revisiones significativas durante la producción, pero ninguna como The Good Dinosaur, que parece más como varias películas distintas reconstruidas. En particular, Pixar invirtió años en una versión de la película, solo para descartar la mayor parte y comenzar de nuevo con un elenco casi completamente diferente. El producto final fusiona algunas de las animaciones de la naturaleza más impresionantes y realistas jamás creadas con dinosaurios increíblemente caricaturescos, una unión tan peculiar como no adecuada. Los fondos casi fotográficos son apropiados para una historia sobre los peligros y el esplendor del desierto, pero se sienten incómodos en una narración occidental con un dinosaurio de dique y su compañero humano de lujoso y canino. Además, esta película inesperadamente sombría sobre la muerte, el duelo y la rabia es un ajuste inusual con su dúo poco probable. El buen dinosaurio, a pesar de ser la peor producción de Pixar, es también la más peculiar. Y en un universo donde existe autos 2, eso realmente dice algo.
28. Cars 2 (2011)
En términos más simples, “Cars 2” es una película infantil típica con autos sensibles que viven en un planeta que se asemeja a la Tierra sin humanos. Estos autos participan en el espionaje, interactúan con las versiones de automóviles de baños, bidets, comida y gas para dormir (lo que, como se preguntará, implica que los autos pueden respirar de alguna manera). La peculiar historia de espías que involucra al camión no tan brillante (interpretado por Larry the Cable Guy) puede parecer extraña, pero provoca algunas preguntas interesantes sobre la naturaleza del universo de “autos”. Por ejemplo, si estos autos pueden comer alimentos, plantea preguntas no solo sobre su proceso de digestión sino también de dónde adquieren este alimento.
27. Elemental
Como entusiasta del cine, debo admitir que Pixar ha creado constantemente mundos cautivadores, desde juguetes sensibles hasta emociones y monstruos. Sin embargo, en su última película, Elemental, algo se sentía mal. La Ciudad de Element City, aunque es única con sus habitantes compuestos por elementos como fuego, agua, tierra y aire, no se unió como se esperaba. En lugar de sumergirnos sin problemas en un mundo vibrante, gran parte de la película se siente como una exploración de este ecosistema extraño y subdesarrollado.
En esencia, Elemental es esencialmente una comedia romántica para niños, que gira en torno a un personaje ardiente y un anhelo de interacciones humeantes. A pesar del concepto encantador, esta producción de Pixar desafortunadamente no alcanza su excelencia habitual. Parece que desde cero, ciertos aspectos de la película fueron juzgados mal, lo que resultó en una rara decepción de Pixar.
26. Brave (2012)
En una desviación de sus altos estándares habituales, la primera película de Pixar princesa carece del brillo que generalmente se encuentra en sus producciones; Incluso su diseño y animación de personajes excepcionales parecen algo aburridos esta vez. Kelly MacDonald expresa la espíritu princesa Mérida, que desafía los esfuerzos de sus padres para organizar un matrimonio para ella transformando a su madre (Emma Thompson) en un oso. La resolución del conflicto madre-hija es tan encantadora como la transformación del oso; Un montaje que captura de peces parece curar una vida de animosidad y malestar, y en general, el tercer acto parece demasiado simplista, un marcado contraste con los clímax típicamente complejos de Pixar. En resumen, Brave es entrañable pero insustancial, y no particularmente valiente.
25. Finding Dory (2016)
Pixar se ha aventurado en secuelas arriesgadas a lo largo de su carrera, pero “Finding Dory” es una excepción. En lugar de ser una desviación creativa del original “Finding Nemo”, revisa la misma historia con Dory, interpretada por Ellen DeGeneres, asumiendo el papel del hijo neurótico de Marlin (Albert Brooks) que desaparece en la primera película. La película ofrece momentos agradables característicos de Pixar Productions, y el malhumoroso pulpo de siete brazos de Ed O’Neill, Hank, roba el espectáculo con sus inteligentes disfraces y agilidad. Sin embargo, es difícil negar que “encontrar a Dory” se queda corto en comparación con otras películas de Pixar. La verdadera disminución del estudio será evidente cuando anuncien “Encuentra a Marlin.
24. Monsters University (2013)
En la precuela de la clásica película de Pixar, Monsters Inc., titulada Monsters University, nos encontramos profundizando en los días universitarios de Mike y Sulley. Inicialmente eran rivales, pertenecientes a un grupo de marginados que recuerdan a la venganza de los nerds. A pesar de la animación de primer nivel y la actuación de voz de Pixar, esta película se queda corta en comparación con su predecesor, siendo bastante olvidable entre sus obras. El monstruoso diseño de producción de la película es intrincado, con bordes de dientes que adornan todo, desde marcos de imágenes hasta pórticos, pero podría haberse beneficiado de un poco más de nitidez y borde.
23. Luca (2021)
Como entusiasta del cine, debo decir que el debut como director de Enrico Casarosa con “Luca” fue una inmersión encantadora en una encantadora ciudad italiana, llena de vida debajo de la superficie del mar. Como el personaje principal, con la voz de Jacob Tremblay, me encontré anhelando explorar el mundo humano, y sorprendentemente, no se necesitaba una bruja de pulpo para esa transformación, solo pisar la tierra transformó mis escamas vibrantes en la piel y el cabello humanos.
Mi aventura submarina dio un giro emocionante cuando conocí a Alberto (Jack Dylan Grazer), un carismático monstruo marino con una inclinación por la aventura que me inspiró a perseguir mis sueños y aventurarse sobre las olas. A pesar de la narrativa algo directa de la película, “Luca” ofrece un mensaje conmovedor, una animación estilizada exquisita y una experiencia agradable en general.
22. Cars (2006)
Como entusiasta del cine, solía apreciar el encanto subestimado de los ‘autos’ de Pixar, un homenaje conmovedor a la Ruta 66 y América de pueblos pequeños, envuelto en una historia atractiva para los niños. Contaba la historia de un carro de carreras arrogante que aprendía la importancia de tomarlo con calma, apreciando el paisaje, incluso si no hubiera rosas en la tierra de los automóviles, ya que se trata de autos, ¡se podría encontrar diversión en el aroma del aceite de motor de rosa blanco! Los ‘autos’ originales contaban con un elenco de voz estelar que incluye a Owen Wilson, Bonnie Hunt, Tony Shalhoub, George Carlin, Cheech Marin, Michael Keaton y el difunto, el gran Paul Newman como Doc Hudson. ¡Aprovéngase para mi audaz opinión: el Mater del chico del cable es bastante divertido!
21. Cars 3 (2017)
En mi opinión, “Cars 3” se destaca entre las series de autos como la más convincente. Inicialmente, la franquicia se consideraba menos atractiva para los adultos debido a sus personajes de automóviles vibrantes y narraciones directas que atraían más a los niños que a sus padres. Sin embargo, “Cars 3” introdujo una sensación de melancolía y madurez, con su protagonista, Lightning McQueen (Owen Wilson), lidiando con el inminente final de su carrera de carreras. Los temas del director Brian Fee sobre la autoaceptación y la tolerancia pueden parecer un poco fuera de lugar en un mundo donde los automóviles se han vuelto sensibles y reemplazados a los humanos. Sin embargo, como muchas producciones de Pixar de primer nivel, “Cars 3” es un viaje emocional en la carretera, que ilustra la fuerza de la amistad.
20. Toy Story 4 (2019)
En la cuarta entrega de la querida serie “Toy Story”, las ominosas sombras que se han quedado en los bordes se acercan al corazón de la historia. Esta película comienza con un juguete que contempla el suicidio y procede a profundizar en la desesperación. Aunque “Toy Story 3” ya proporcionó una conclusión conmovedora para estos personajes, es agradable volver a conectarse con Woody (Tom Hanks), Buzz (Tim Allen) y el Valiant Bo Peep (Annie Potts) una vez más. Sin embargo, el flujo narrativo en esta película parece algo desigual en comparación con sus predecesores, hasta que el clímax desencadena los inevitables momentos de sombra de lágrimas.
19. Onward (2020)
Las impresionantes innovaciones de
18. Lightyear (2022)
Una película que provocó un poco de debate, en gran parte debido a la decisión de Pixar de lanzar a alguien que no sea Tim Allen como Buzz Lightyear, Chris Evans asume el papel. En esta película, que supuestamente inspiró el juguete Buzz Lightyear en Toy Story dentro del complejo universo de Pixar, vemos a un piloto seguro de sí mismo que le gusta resolver cualquier problema solo. Sin embargo, termina causando un problema que no puede solucionar, lo que lleva a una aventura que desafía su ego y expone sus vulnerabilidades, además de profundizar en el concepto de tiempo mismo. Hacia el final, la narración se vuelve algo predecible, pero las secciones intermedias donde el zumbido está en una carrera contra el tiempo para perfeccionar un nuevo motor de cohetes se encuentran entre las secuencias más encantadoras de Pixar en la memoria reciente.
17. Inside Out 2 (2024)
Inside Out 2, aunque no tan sobresaliente como su predecesor, mantiene su esencia innovadora y reflexiva. En lugar de alegría y tristeza, esta secuela enfrenta a la alegría contra la ansiedad, una nueva emoción que busca dominar al ahora adolescente Riley, priorizando su futura alegría potencialmente a costa de su salud emocional actual. Esencialmente, ofrece una representación perspicaz de crecer con ansiedad envuelta en otro delicioso viaje de Pixar lleno de colores vibrantes, lecciones de vida esclarecedoras y montones de humor inteligente y poco convencional.
16. Elio (2025)
15. Incredibles 2 (2018)
En 14 años después del lanzamiento inicial de “The Incredibles”, cuando los superhéroes se han convertido en un lugar común en los cines, Brad Bird continuó el tema de la película original de que cuando todos tienen habilidades extraordinarias, nadie se destaca. A diferencia de su predecesor, “Incredibles 2” se centra más en las luchas familiares comunes de los Parrs que en sus aventuras de superhéroes. En esta secuela, Elastigirl (Holly Hunter) toma un nuevo trabajo, dejando al Sr. Incredible (Craig T. Nelson) para manejar las tareas de crianza. Se entera de que sus poderes son inútiles contra los desafíos de la vida real de ser un padre que se queda en casa, particularmente cuando se trata de un bebé enérgico. Ambos padres pueden relacionarse con el mensaje de que la paternidad es una batalla continua y esencial que vale la pena luchar, por lo que es el verdadero desafío interminable.
14. A Life de un error (1998)
En términos más simples, Pixar no experimentó una caída del segundo álbum después de la “historia de juguete” original. En cambio, presentaron una adaptación divertida e imaginativa de “Seven Samurai” de Akira Kurosawa, pero esta vez con los insectos de circo como samurai. Dave Foley, conocido por su voz y humor distintos, interpretó al inventor de hormigas que los recluta. Aunque las imágenes pueden parecer crudas en comparación con los estándares actuales, especialmente en las escenas de ‘Island Ant’ que carecen de detalles, Pixar ya estaba dominando su estilo único de comedia combinado con emociones sinceras. Por último, la banda sonora de Randy Newman es bastante impresionante.
13. Coco (2017)
En un sentido más cotidiano, “Coco” es una película para niños que profundiza en temas complejos como la muerte, el luto, la demencia y los padres ausentes. A pesar de la reputación de Pixar por crear películas con matices para adultos envueltos en el entretenimiento de los niños, esta película se destaca por su enfoque maduro de temas como la mortalidad y la pérdida. También muestra algunas de las escenas de diseño más creativamente del estudio, especialmente la terriblemente vibrante tierra de los muertos. Una crítica menor: la canción clave, “Remember Me”, podría haber sido un poco repetitiva. Aquellos que lloraron durante todo el final emocional de la película ciertamente no lo olvidarán sin ayuda.
12. Toy Story 3 (2010)
En ese final emocional que drena, nadie logra mantener sus ojos secos. Pixar siempre no ha tenido miedo de enfrentar la realidad que establecieron en la película inicial de Toy Story: la vida para un juguete es principalmente triste con ráfagas ocasionales de felicidad. Es interesante notar que esto también refleja la vida humana. Sin embargo, Toy Story 3 no alcanza los picos de las dos primeras películas y reutiliza algunos elementos emocionales del segundo. Al igual que un juguete desgastado que se les da baterías nuevas, todavía funciona, pero carece de la emoción que alguna vez tuvo.
11. Ratatouille (2007)
En el pasado, solía reflexionar sobre cómo Remy The Rat (Patton Oswalt) controló Linguini (Lou Romano) en la película “Ratatouille”. ¿Era Linguini un mutante? ¿Podría uno controlar a alguien tirando de los mechones correctos del cabello? Esta pregunta me molestó durante años. Sin embargo, al volver a ver la película con mi hija, llegué a entender que es irrelevante; Si acepta que una rata no solo puede preparar comida sino que también comprende el lenguaje humano, entonces no es un salto tan grande creer en el control de un camarero despistado manipulando su cabello. Después de dejar ir esa curiosidad, “Ratatouille” emerge como uno de los homenajes más sinceros de Pixar a artistas no tradicionales y el arte extraordinario que producen cuando se les da la libertad de perseguir sus pasiones.
10. Alma (2020)
2020 fue un año desafiante para Pixar, pero proporcionaron un remedio estimulante. En la imaginativa historia de Pete Docter, seguimos a un ambicioso pianista de jazz (Jamie Foxx) que involuntariamente cae a una cubierta de registro y se aventura en “The Great Beyond”. Esta película transmite un mensaje directo: apreciar las cosas buenas de la vida, incluso durante las dificultades, ya que nunca deben darse por sentado. Si bien Soul mantiene muchos de los elementos narrativos tradicionales de Pixar, con otra comedia sobre compañeros poco probables que se embarcan en viajes de crecimiento personal, también presenta algunos giros de trama inesperados y muestra actuaciones vocales excepcionales, particularmente de los actores que retratan los personajes que gobiernan la versión de la película después de la película, incluida la casa de Rachel Racheche Feimster, Richard Ayoade, Wes Studi, y Alice Breaga.
9. Toy Story (1995)
En 1995, la innovadora película de Pixar que inició su éxito ya no muestra la brillantez visual que alguna vez hizo. Comparativamente, verlo junto con Toy Story 4 revela cuán lejos ha avanzado la animación digital. Sin embargo, la nostalgia de los primeros días con Woody y Buzz sigue sin igual, al igual que la música atemporal de Randy Newman y las escenas inquietantes y inquietantes con inventos de juguete tipo Frankenstein de Sid.
La película que lanzó la carrera de Pixar en 1995, aunque ya no es la potencia visual que alguna vez fue, todavía vale la pena ver por sus personajes icónicos y la partitura memorable de Randy Newman. En comparación con Toy Story 4, destaca el increíble progreso que la animación digital ha hecho a lo largo de los años. Las secuencias escalofriantes que involucran las creaciones de juguetes al estilo Frankenstein de SID siguen siendo particularmente inquietantes.
8. Monsters Inc. (2001)
La película animada, “Monsters Inc.”, a menudo se ve eclipsada entre la colección de Pixar, pero merece más reconocimiento como una de sus mejores producciones. Con diseños de personajes cautivadores y un mundo alternativo único y bien pensado, ofrece una experiencia emocionante y emocionalmente satisfactoria (con las escenas de puertas y el momento conmovedor con Kitty). Quizás su secuela no estuvo a la altura de las expectativas, lo que podría haber disminuido ligeramente su reputación. Sin embargo, el original “Monsters Inc.” se encuentra entre las películas de primer nivel de Pixar.
7. The Incredibles (2004)
Después de 16 años, la primera película de Pixar de Brad Bird sigue siendo igual de convincente. La película gira en torno a una familia de superhéroes que oculta sus poderes, y provocó controversia debido a su exploración de los riesgos inherentes a una sociedad donde todos son “super”, lo que finalmente lleva a que nadie sea especial. Algunos espectadores pueden haber pasado por alto esto, pero el personaje que defiende por dicho mundo es en realidad el antagonista. Mientras tanto, cuando el protagonista de la película llora la supresión y la negación de sus hijos de sus habilidades, expresa involuntariamente sus propias inseguridades e insatisfacción durante un período de auto-reflexión que retrata, esencialmente, un superhéroe que atraviesa una crisis de la vida media de una manera inesperadamente honesta.
6. Wall-E (2008)
Cuando la gente recuerda sobre la era dorada de Pixar o discute su reputación por tomar riesgos atrevidos, a menudo se refieren a Wall-e . Esta película se destaca debido a su segmento inicial de 30 minutos con un diálogo mínimo, combinando la sombría ciencia ficción con una comedia silenciosa similar a Charlie Chaplin, y sin personajes humanos. El director Andrew Stanton, en cambio, elige centrarse en un robot inusual llamado Wall-E que vive solo en los restos desolados de la Tierra, su único propósito es ser basura compacta según su programación de siglos pasados. La narración gana más común cuando Wall-E termina a bordo de una nave espacial habita por los últimos restos de la humanidad, pero es esencial tener en cuenta que incluso en su forma más predecible, esta película es una crítica despiadada de nuestra adicción a la pantalla excesiva y dañina, simbolizada por el mismo dispositivo del que está leyendo estas palabras.
5. Toy Story 2 (1999)
En los últimos tiempos, Pixar ha estado produciendo bastantes secuelas promedio, lo que hace que sea fácil pasar por alto el hecho de que una vez crearon una de las secuelas más notables en la historia cinematográfica. Si bien muchos se ven conmovidos por la desgarradora introducción de “Up”, la escena que revela el triste pasado de Jessie en “Toy Story 2” podría ser aún más intenso emocionalmente. De todos modos, este fue un momento significativo para la compañía durante sus primeros días. Originalmente pretendía como una secuela directa al video, la transformaron en un seguimiento de pantalla grande de alta calidad que también marcó el primer paso importante de Pixar en una narración emocional tan profunda.
4. UP (2009)
Todos adoran el desgarrador montaje de apertura en la película “Up”, que representa de manera concisa varios momentos alegres y desgarradores en el matrimonio de una pareja amorosa durante muchos años. Sin embargo, a menudo pasan por alto el resto de la película que se desarrolla después. En esta continuación, nos encontramos con el amable viudo Carl Fredricksen (retratado por Ed Asner), quien honra el deseo de su esposa fallecida Ellie de viajar a Sudamérica flotando su casa allí. En el camino, se hace amigo de un pájaro peculiar, un canino hablador llamado Dug y un explorador enérgico llamado Russell (Jordan Nagai) que los acompañó en secreto en su viaje. Esta película está llena de humor delicioso, momentos tiernos y encanto caprichoso. Además, es bastante divertido tratar de contener las lágrimas cuando la música de Michael Giacchino comienza a tocar durante los créditos iniciales.
3. Girando rojo (2022)
Si bien el éxito de Pixar puede parecer haber disminuido últimamente, ya que sus últimos proyectos se estrenan directamente en Disney+ en lugar de en los cines, se podría argumentar que su trabajo nunca ha sido más impresionante. “Girling Red”, por ejemplo, se destaca como uno de los logros más significativos de Pixar: una historia conmovedora y destrozada sobre el autodescubrimiento y abraza su verdadera identidad, independientemente de las expectativas sociales o de los padres. Las actuaciones de voz son excepcionales, el estilo visual, que recuerda al anime, es cautivador, y la conclusión sin duda traerá lágrimas a sus ojos. En esencia, “girar rojo” representa otra obra maestra atemporal de Pixar.
2. Finding Nemo (2003)
Si bien “Finding Nemo” puede no ser la mejor película de Pixar, ciertamente encarna el espíritu que hace que Pixar sea único. Cuenta con un dúo poco probable que se embarca en un viaje (que parece inusual para un entorno submarino), cuenta con un rico elenco de compañeros memorables que podrían protagonizar su propia película (incluso los peces en el tanque del dentista son cautivadores, y son solo una pequeña parte de esta historia), se convierte en un clímax, y los tirones en nuestros desorbitadores con el viaje emocional de un patrón de un padre que ves.
1. Inside Out (2015)
Antes de convertirse en el principal oficial creativo de Pixar, Pete Docter fue ampliamente reconocido como una mente brillante dentro de la empresa. Contribuyó como escritor a películas como “Toy Story”, “Toy Story 2” y “Wall-E”, y dirigió algunas de las producciones más exitosas de Pixar: “Monsters, Inc.”, “Up” y “Inside Out”. Este último es una historia excepcionalmente creativa que profundiza en la vida interior de una niña de 11 años llamada Riley. Cuando Riley y su familia se mudan de Minnesota a San Francisco, su mundo se desorganiza, provocando una lucha entre sus emociones personificadas en su mente. El diseño visual del paisaje de cerebro de Riley es continuamente imaginativo; Cada escena ofrece algo intrigante de observar. Crucialmente, “Inside Out” se erige como una de las películas más perspicaces jamás creadas sobre la importancia de la tristeza y la pérdida en la vida de uno. Representa el pináculo de la impresionante carrera de Docter.
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2025-08-20 18:09