10 películas biográficas musicales que son realmente buenas

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Las películas históricas sobre músicos muchas veces no son muy buenas. A veces, una buena música es suficiente para respaldar una película débil (y la música fue definitivamente la mejor parte de Bohemian Rhapsody), pero estas películas biográficas se han convertido cada vez más en vehículos para actores que buscan premios. Tienden a simplemente repetir hechos bien conocidos de Wikipedia, ofreciendo poco más que un recuento básico de la vida del músico.

Incluso dentro de géneros predecibles, algunas películas realmente brillan. Muchas películas biográficas de músicos son excelentes y ofrecen buena música como atractivo principal. Pero las mejores van más allá de las canciones y aportan algo nuevo a la fórmula biográfica. Podrían resaltar una parte menos conocida de la vida del artista, contar la historia desde el punto de vista de alguien que se opuso a ellos o reimaginar creativamente eventos históricos para ofrecer una nueva perspectiva de una historia familiar.

Algunas de las películas de esta lista no son biografías tradicionales: se centran en un período o historia específica de la vida de una persona en lugar de su biografía completa. Sin embargo, todas son películas excelentes que han ayudado a mantener interesante el género biopic y han evitado que se vuelva predecible y demasiado centrado en los premios. No incluimos Walk Hard, que muchos consideran la película biográfica más grande de un músico, simplemente porque su personaje principal, Dewey Cox, es ficticio.

10 películas biográficas musicales que son realmente geniales

Amadeo (1984)

La película Amadeus adopta un enfoque único de su historia, centrándose no en el brillante compositor Wolfgang Amadeus Mozart, sino en Antonio Salieri, un talentoso músico profundamente envidioso de Mozart. Contada a través de los ojos de Salieri (interpretado por F. Murray Abraham), la película explora su frustración por el comportamiento inmaduro de Mozart y su incapacidad para comprender cómo una persona tan infantil podría poseer un talento tan extraordinario. Impulsado por los celos, Salieri intenta sabotear la carrera de Mozart, pero finalmente fracasa. El resultado es una descripción cautivadora y en gran medida precisa de la rivalidad profesional, contada desde la perspectiva de quien normalmente es visto como el villano.

Sid y Nancy (1986)

La película de Alex Cox Sid and Nancy no se centra en la vida de Sid Vicious, el bajista de los Sex Pistols, sino en su destructiva relación con Nancy Spungen. La película muestra cómo su conexión, alimentada por las drogas, comienza cuando Sid se apiada de Nancy, una groupie, y rápidamente se intensifica. En última instancia, esto conduce a la caída de la banda durante su gira y a un final trágico y violento (Nancy es apuñalada por Sid en un ataque de ira impulsado por las drogas). Es una historia sombría y desgarradora sobre dos figuras con problemas, que los retrata como crueles y sorprendentemente comprensivos.

¿Qué tiene que ver el amor con eso? (1993)

Cualquier película de Tina Turner tiene que abordar su difícil relación con Ike Turner, y su película biográfica, What’s Love Got to Do with It, hace precisamente eso. La película, basada en la autobiografía de Turner Yo, Tina, comienza cuando ella conoce a Ike en un club nocturno, donde él se ofrece a ayudarla en su carrera. Se casan y actúan juntos, volviéndose famosos rápidamente. Sin embargo, su éxito se ve ensombrecido por el comportamiento controlador y abusivo de Ike. Finalmente, Tina lo deja y construye una carrera en solitario de gran éxito. Laurence Fishburne ofrece una interpretación escalofriante como Ike, y Angela Bassett es cautivadora como Tina, aportando la profundidad emocional y la energía que esperarías de estos artistas legendarios.

Selena (1997)

La historia de la cantante tejana Selena Quintanilla-Pérez es increíblemente trágica, y Jennifer López capturó perfectamente su espíritu en la película de 1997 Selena. La película retrata la breve pero impactante carrera de Selena, comenzando con la banda de su familia en Texas, sus exitosas giras en México y su creciente popularidad en los Estados Unidos antes de su prematura muerte. La película evita mostrar el asesinato en sí, pero cuenta su historia de manera poderosa. A Selena se le atribuye haber presentado la música de Selena a una audiencia estadounidense más amplia y haber lanzado la carrera de Jennifer López como una estrella importante.

Gente fiestera las 24 horas (2002)

En lugar de contar las historias de los propios músicos, la película 24 Hour Party People se centra en las personas detrás de la música: los managers, productores y periodistas que ayudaron a crear la vibrante cultura punk, rave y DJ de Manchester. Protagonizada por Steve Coogan como Tony Wilson, propietario de un sello discográfico y reportero musical, la película explora con humor la escena punk rock de los años 1970 y el auge de la música rave y dance en los años 80 y principios de los 90, destacando a las bandas e individuos que dieron forma al sonido único de “Madchester”. Es una película muy divertida, presentada con el ingenio seco y británico característico de Coogan.

No estoy ahí (2007)

La película de Todd Haynes I’m Not There es una versión verdaderamente única de una película biográfica de Bob Dylan. En lugar de un solo actor, la película utiliza un elenco completo (incluidos Ben Whishaw, Richard Gere, Christian Bale e incluso Cate Blanchett) para retratar diferentes lados de la personalidad de Dylan a lo largo de su carrera. Cada actor encarna una personalidad diferente que Dylan adoptó, como un poeta, un rebelde o un intérprete carismático, creando una narrativa no tradicional y onírica. La película no sigue una línea de tiempo directa, sino que utiliza la vida y la música de Dylan como inspiración para explorar las múltiples facetas de este complejo artista.

Los fugitivos (2010)

Como gran fanático del cine, recientemente vi The Runaways de Floria Sigismondi, y si bien trata sobre los primeros días de Joan Jett, Cherie Currie y su banda, no parece una película biográfica musical típica. Es más bien una historia sobre la mayoría de edad que se centra en esas complicadas experiencias de la adolescencia: la emoción de convertirse en una estrella, pero también los inevitables celos y la angustia. Dakota Fanning realmente captura el sentimiento de Cherie Currie de sentirse abrumada por todo, y Kristen Stewart es fantástica como Joan Jett, encarnando totalmente esa férrea ambición con su aspecto característico. Definitivamente se toma libertades con la historia real, pero las actuaciones son tan fuertes que te dejas llevar por su historia y sientes que estás presenciando todo de primera mano.

Nacido para ser azul (2015)

La película de Robert Budreau, Born to Be Blue, no es una biografía típica. En cambio, es un drama de improvisación y de mal humor protagonizado por Ethan Hawke como el trompetista Chet Baker. La película se basa libremente en la vida de Baker, centrándose en un período en el que acepta interpretarse a sí mismo en una película, sólo para que las cosas salgan mal durante una cita. Al igual que la película I’m Not There, ofrece un retrato impresionista del hombre, en lugar de un recuento estricto de la historia de su vida. Hawke ofrece una interpretación cruda y llena de matices, exactamente lo que el público aprecia en películas de este tipo.

Millas por delante (2015)

A diferencia de muchas películas biográficas musicales típicas, Miles Ahead cuenta la historia de Miles Davis de una manera no tradicional. La película se centra en un período de finales de la década de 1970 en el que Davis se retiró de la vida pública para lidiar con dolores físicos y emocionales del pasado. Durante su exilio autoimpuesto, conoce a un reportero decidido (Ewan McGregor) que busca persistentemente una entrevista. Juntos, emprenden un viaje para recuperar una grabación robada de la música de Davis y, mientras lo hacen, Davis reflexiona sobre su vida y sus recuerdos.

Caballero (2022)

La película Chevalier ofrece una historia convincente, que comienza con un cameo de Mozart, pero se centra en la vida de Joseph Bologne, Chevalier de Saint-Georges. Bologne era un violinista negro de notable talento nacido como esclavo en Guadalupe. La película narra su trayectoria desde el reconocimiento de su padre, quien le brindó una educación musical, hasta la obtención del patrocinio de María Antonieta, quien le otorgó su título. Chevalier es una película realizada con habilidad, que presenta una interpretación sólida y matizada de Kelvin Harrison Jr., y arroja luz sobre un músico brillante que merece un reconocimiento más amplio junto a sus contemporáneos más famosos.

Las 40 mejores películas de los últimos 40 años (1985-2024)

40. El fugitivo (1993)

Es fácil pasar por alto una película realmente divertida cuando te concentras en películas con significados más profundos, pero El fugitivo hace que una película de persecución a gran escala parezca sencilla. En realidad, está notablemente bien hecho. La película combina de manera experta un misterio apasionante, acción emocionante y actuaciones sobresalientes, especialmente de Tommy Lee Jones como el implacable mariscal estadounidense Sam Gerard. Es tan fácil de volver a ver debido a la increíble habilidad y cuidado que se puso en su creación, algo que es incluso menos común en las películas de hoy que en 1993.

39. Santos motores (2012)

Holy Motors de Leos Carax parece el sueño más increíble que puedas tener estando despierto. Es un tributo tremendamente imaginativo y conmovedor al cine, la actuación y la vida misma, lo que sugiere que todos están profundamente conectados. Denis Lavant ofrece once actuaciones notables como Oscar, un hombre que viaja por París en una limusina, transformándose constantemente en diferentes personajes, desde un artista de captura de movimiento hasta un gángster e incluso un mendigo. Si bien la profesión exacta de Oscar sigue siendo un misterio, la película demuestra poderosamente la maravilla perdurable y las posibilidades no realizadas del cine, especialmente en un momento en que la forma en que vemos películas está cambiando rápidamente.

38. Duro (1992)

Hard Boiled de John Woo comienza con una escena simple: se prepara una bebida. Se vierte tequila y refresco en un vaso, luego se golpea el vaso contra la barra y se mezclan los ingredientes. Este momento aparentemente pequeño en realidad insinúa la idea central de toda la película. La película trata sobre lo que sucede cuando dos personas muy diferentes se juntan y chocan. Tanto Chow Yun-Fat como Tony Leung son actores fantásticos por sí solos, pero cuando trabajan juntos, el resultado es explosivo e inolvidable: pura magia cinematográfica.

37. Matiné (1993)

Matinee de Joe Dante no es sólo un viaje al pasado; Examina inteligentemente la diferencia entre el miedo genuino y las emociones baratas que ofrecen cineastas de bajo presupuesto como Lawrence Woolsey (interpretado por John Goodman). Es sorprendente lo reveladora que puede ser una película sobre un productor cursi.

La mirada afectuosa de la película a las películas B de los años 60 se equilibra con un reconocimiento de las duras realidades del mundo, tanto entonces como ahora. La historia se centra en Gene (Simon Fenton), un adolescente que vive con su madre y su hermano en una base militar mientras su padre está desplegado durante la Crisis de los Misiles en Cuba. Dado que su madre lucha a menudo, Gene actúa efectivamente como cuidador de su hermano menor, Dennis (Jesse Lee). Los constantes cambios de la familia debido al trabajo de su padre en la Marina hacen que los hermanos se sientan como forasteros dondequiera que vayan. El cine local se convierte en su refugio seguro y fuente de alegría en medio de la inestabilidad.

36. Regreso al futuro (1985)

La película Regreso al futuro comienza con una pregunta que se hacen muchos adolescentes: ¿cómo eran sus padres cuando ellos eran pequeños? Utiliza esta idea simple para crear una historia brillantemente elaborada. Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, es un adolescente despreocupado que viaja al año 1955 en un coche que viaja en el tiempo inventado por un científico peculiar. Una vez allí, accidentalmente interfiere con la primera reunión de sus padres y debe arreglar las cosas para asegurar su propio futuro. Con su humor, estilo único, bellas imágenes y edición trepidante, Regreso al futuro es un ejemplo casi perfecto del cine de gran éxito de los años 80.

35. Jackie Brown (1997)

Lo que realmente aprecio de Jackie Brown es lo imperfectos y realistas que son los personajes. Max Cherry no es el típico gángster genial; es simplemente un tipo normal y corriente al que se le está cayendo el pelo. Y Jackie Brown no es una mente criminal; incluso la vemos practicando para parecer dura ante una situación peligrosa. Incluso Louis Gara tiene un momento identificable: ¡olvidó dónde estacionó durante un robo! Se sienten como personas reales y creo que algunas de las películas posteriores de Tarantino podrían beneficiarse de ese mismo nivel de humanidad. Cuando salió Jackie Brown por primera vez, algunas personas se sintieron decepcionadas de que no fuera tan llamativo o complicado como Pulp Fiction, pero las elecciones más sutiles de Tarantino son en realidad las que lo hacen tan bueno. Los créditos iniciales, que recuerdan a El graduado, te dicen inmediatamente todo lo que necesitas saber sobre Jackie, y escenas como la de Ordell y Beaumont son fantásticas. Además, la película termina con un beso verdaderamente memorable, no porque sea demasiado sensual, sino porque se siente genuino e imperfecto.

34. Los Fabelman (2022)

Lo que realmente destaca en Los Fabelman es la duradera pasión de Steven Spielberg por el cine. Incluso décadas después de los acontecimientos descritos, todavía siente el mismo asombro y emoción que experimentó el joven Sammy Fabelman cuando vio por primera vez El espectáculo más grande del mundo y comenzó a hacer sus propias películas. Spielberg se ha convertido en un maestro cineasta y ha aprendido a utilizar imágenes y sonido para evocar una amplia gama de emociones. Pero nunca ha olvidado por qué hace películas en primer lugar.

Los Fabelman es la historia personal de Spielberg, una mirada a la belleza y los desafíos tanto del cine como de la vida. El cine ofrece al joven Sammy una forma de afrontar sus miedos y su soledad, aunque a veces lo distingue. Su creciente interés por la dirección lo conecta con su creativa madre, brillantemente interpretada por Michelle Williams, pero también corre el riesgo de revelar un doloroso secreto familiar. Ahora, después de todos estos años, Spielberg ha encontrado una manera de contar esta historia profundamente conmovedora, llena de vida, amor, alegría y tristeza: todo lo que hace que una gran película.

33. Barb y Star van a Vista Del Mar (2021)

Kristen Wiig y Annie Mumolo, la fuerza cómica detrás de Bridesmaids, se reunieron para otra divertida aventura en Barb and Star Go to Vista Del Mar. Interpretan a dos mejores amigos que pierden sus trabajos en una tienda de muebles en Nebraska y deciden gastar su indemnización en un viaje lleno de diversión a Florida. Mientras están allí, ambos se enamoran de un apuesto extraño (Jamie Dornan, burlándose juguetonamente de su propia imagen de rompecorazones) que está secretamente involucrado en un complot ridículo para desatar mosquitos asesinos genéticamente modificados en la ciudad. Wiig y Mumolo son fantásticos y bromean ingeniosamente sobre todo, desde la ropa hasta los nombres, y las líneas de la película seguramente serán citables al instante. En un mundo que a menudo parece oscuro, Barb and Star llegó como un escape brillante y chispeante: una bienvenida dosis de tontería alegre.

32. De adentro hacia afuera (2015)

Incluso antes de convertirse en el líder creativo de Pixar, Pete Docter era conocido como un brillante narrador. Contribuyó a la escritura de películas queridas como Toy Story, Toy Story 2 y WALL-E, y dirigió algunas de las películas más aclamadas de Pixar: Monsters, Inc., Up e Inside Out. Inside Out es una película notablemente creativa que explora el mundo interior de una niña de 11 años llamada Riley. Cuando Riley se muda de Minnesota a San Francisco, su vida se ve alterada, lo que genera un conflicto entre las emociones personificadas dentro de su cerebro. La descripción que hace la película de la mente de Riley es visualmente impresionante y está llena de detalles. En definitiva, Inside Out es una película profundamente reveladora sobre el papel vital de la tristeza y el dolor en nuestras vidas.

31. El rey de Kong: Un puñado de monedas de veinticinco centavos (2007)

El clásico videojuego Donkey Kong es un reflejo sorprendentemente preciso de la vida misma. Es increíblemente desafiante, a menudo injusto y el éxito a menudo se siente como una cuestión de suerte. Puede que triunfes, pero en última instancia, el fracaso es inevitable; ni siquiera lograr una puntuación alta cambia eso. Es una lucha constante en la que fácilmente puedes sentirte abrumado por obstáculos inesperados. Y a veces, la vida presenta complicaciones extrañas, como un dueño de negocio despiadado con elecciones de moda cuestionables.

Por eso, The King of Kong, un documental sobre dos hombres que compiten por el campeonato de Donkey Kong, es mucho más que un simple videojuego. Es una historia sobre la condición humana y los desafíos que todos enfrentamos.

30. Recuerdo (2000)

No descartes Memento como un simple truco inteligente. Si bien es cierto que la película tiene una estructura muy compleja, posiblemente una de las más complicadas jamás realizadas, la forma en que saltan sus líneas de tiempo no es solo para mostrar. Desorienta deliberadamente al espectador, colocándolo dentro de la mente de Leonard Shelby (Guy Pearce), el protagonista de la película, que sufre una rara forma de amnesia que le impide formar nuevos recuerdos.

Leonard se siente impulsado a encontrar al asesino de su esposa, y la película comienza aparentemente mostrándolo triunfar, antes de desentrañar los eventos que realmente sucedieron. Memento rápidamente estableció a Christopher Nolan como un director prometedor, pero el poder de la película reside en su trágico retrato de Leonard, un hombre que busca desesperadamente sentido a su vida. Si bien Nolan continuó experimentando con técnicas cinematográficas y explorando temas similares en su trabajo posterior, dejó atrás en gran medida el humor negro presente en Memento, desde la confusa escena de persecución donde no está claro quién persigue a quién, hasta el nombre irónico del hotel de Leonard, el “Discount Inn”, en referencia a su costumbre de descartar la historia de un hombre con una condición similar.

29. LA Confidencial (1997)

¿Cuántas capas de referencias retrospectivas tiene L.A. Confidencial tiene? La película está ambientada en la década de 1950, claramente inspirada en el clásico de la década de 1970 Chinatown, y se realizó a finales de la década de 1990, una época en la que todavía eran posibles dramas criminales costosos y a gran escala con actores en su mayoría desconocidos (solo Kevin Spacey y Kim Basinger ya eran estrellas establecidas). Como la novela de James Ellroy en la que se basa, L.A. Confidential revela que la década de 1950 no fue la época idílica que muchos creen que es. Como señala un personaje, se trata de una imagen cuidadosamente construida: la historia real estuvo en gran medida oculta hasta que Ellroy y el director Curtis Hanson la sacaron a la luz.

28. El prestigio (2006)

The Prestige de Christopher Nolan combina a la perfección su estilo característico (líneas de tiempo complejas, giros inesperados) con sus ideas recurrentes sobre héroes imperfectos y pérdidas. La película sigue a dos magos que compiten en el Londres victoriano, interpretados por Christian Bale y Hugh Jackman, cuya rivalidad los lleva a realizar hazañas increíbles y, en última instancia, al asesinato. The Prestige es una historia dentro de una historia, que explora los sacrificios que los artistas hacen por su trabajo y la dualidad inherente de la naturaleza humana. Es una película que recompensa la repetición de visionados, revelando nuevas capas de presagios y detalles si se presta mucha atención.

27. La red social (2010)

Está abierto a discusión si David Fincher y Aaron Sorkin acertaron con los detalles de los inicios de Facebook. Pero es innegable que dieron en el clavo con un tipo particular de personalidad, perfectamente encarnada en la interpretación de Jesse Eisenberg de Mark Zuckerberg: increíblemente inteligente, pero también frustrado, privilegiado y ansioso de aceptación. Muchos se sintieron confundidos por el hecho de que Fincher hiciera una película sobre Facebook en 2010, pero ahora parece claro que fue una continuación espiritual de Fight Club, otra historia sobre un hombre resentido y aislado cuya ira tiene resultados imprevistos. Un elemento crucial de la película es Justin Timberlake como el fundador de Napster y uno de los primeros ejecutivos de Facebook, Sean Parker; es esencialmente el alter ego rebelde de Zuckerberg. Timberlake y Eisenberg incluso comparten una apariencia similar: podrían ser hermanos si uno tuviera toda la suerte y el otro ninguna. Esa es la persona que Mark Zuckerberg quiere ser y está tentadoramente cerca de lograrlo.

26. Chicos de níquel (2024)

Como alguien que ve un montón de películas, ve algunas realmente buenas y, en ocasiones, una realmente excelente. Pero es raro encontrar algo que realmente resulte innovador: una película que realmente abra nuevos caminos. Luego, de vez en cuando, te topas con algo como Nickel Boys. Es verdaderamente original, increíblemente valiente y ofrece una perspectiva única; en realidad, dos perspectivas únicas.

Esto se debe a que el director, RaMell Ross, tomó la increíble decisión de filmar casi toda la película desde el punto de vista de los dos personajes principales. Es un trabajo asombroso de Ross y el director de fotografía Jomo Fray, y te sumerge por completo en las experiencias de estos dos jóvenes que intentan sobrevivir en un reformatorio de Florida en la década de 1960. Honestamente, ¡todavía estoy desconcertado porque Fray no fue nominado al Oscar! Es una técnica que fácilmente podría parecer efectista, pero en manos de Ross, se siente revolucionaria. Realmente es como ver el mundo con nuevos ojos y puede que te dé una idea de lo que podría llegar a ser el cine.

25. Vidas pasadas (2023)

Esta conmovedora y conmovedora película explora las conexiones invisibles que dan forma a nuestras vidas, ya sea que lo llames suerte, destino o simplemente cómo son las cosas. Ilustra maravillosamente cómo las personas pueden unirse y separarse, como si fueran imanes. La historia se centra en Nora (Greta Lee) y Hae Sung (Teo Yoo), quienes comparten una conexión poderosa pero luchan por encontrar el momento y el lugar adecuados para estar juntos. Se cruzan en diferentes etapas de la vida (como niños, en la universidad y como adultos) y cada vez sus vidas han cambiado, pero su vínculo permanece. Para complicar las cosas, Nora ahora está casada con Arthur (John Magaro). La película retrata con delicadeza este triángulo amoroso, y su final desgarrador te dejará contemplando los momentos y decisiones decisivos en tu propia vida, y cómo su significado puede que sólo se aclare con el tiempo.

24. Infancia (2014)

Durante doce años, el director Richard Linklater filmó en secreto escenas con el mismo reparto y equipo, documentando la vida de un niño (Ellar Coltrane), su madre (Patricia Arquette) y su hermana (Lorelei Linklater). Si bien algunos podrían ver esto como un proyecto personal de Linklater, la película en realidad ofrece una mirada fascinante a la vida estadounidense a principios de la década de 2000 y las experiencias universales de la familia: el amor, las luchas y los compromisos. Todas las películas tratan sobre el tiempo, pero Boyhood tiene una conexión verdaderamente especial con él. Ver a los actores envejecer genuinamente en la pantalla hace que ciertos momentos sean más conmovedores y otros más significativos. Cuando Patricia Arquette reflexiona al final sobre su vida, sus palabras llevan el peso de doce años de emociones reales. Como dijo una vez el fallecido crítico de cine Roger Ebert: “Las películas son ventanas a nuestro mundo”. Y Boyhood se siente como una película que abre esas ventanas de par en par.

23. Atrápame si puedes (2002)

A pesar de ser una película divertida y alegre, Atrápame si puedes también es una mirada sorprendentemente reflexiva sobre la soledad y la importancia de la familia. La película cuenta con un elenco fantástico, que incluye a Leonardo DiCaprio como el inteligente estafador Frank Abagnale Jr., Christopher Walken como su padre en apuros, Jennifer Garner y Amy Adams como sus intereses románticos, y Tom Hanks como el persistente y serio agente del FBI, Carl Hanratty.

22. Mad Max: Furia en la carretera (2015)

Con su acción implacable, Mad Max: Fury Road es fácilmente la mejor película de persecuciones de coches del siglo XXI. Pero más allá de la emoción, es una película sorprendentemente espiritual e incluso bíblica. Piense en ello como una historia de éxodo moderna, con Furiosa de Charlize Theron liderando a un grupo de mujeres en la búsqueda de una vida mejor. Max, interpretado por Tom Hardy, actúa como su guía a través del páramo, ayudándolos a encontrar seguridad pero siendo un extraño. La película de George Miller demuestra que las películas de acción pueden ser a la vez emocionantes e inteligentes, y quien diga lo contrario sólo intenta provocar una reacción.

21. Asesinos de la luna de flores (2023)

A sus más de 80 años, Martin Scorsese continúa desafiándose a sí mismo y a sus espectadores con su realización cinematográfica. Todavía obtiene actuaciones sorprendentes de los actores y retoma temas familiares: el peligroso atractivo de la riqueza y el lado trágico de la historia estadounidense. Su última película, Killers of the Flower Moon, se centra en el “Reinado del Terror” de la vida real en la década de 1920, donde miembros de la Nación Osage fueron atacados después de descubrir petróleo en sus tierras en Oklahoma. Los vecinos blancos, incluido Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), que está casado con una mujer Osage (Lily Gladstone), explotan y dañan a la tribu. Con cada nueva película, esto parece cada vez más cierto, pero especialmente con Killers of the Flower Moon: si esta es la última película de Scorsese, es una conclusión sorprendente y apropiada para una carrera notable.

20. Expreso Chungking (1994)

Más allá de su memorable banda sonora, sus vibrantes imágenes y sus cautivadoras historias de amor, Chungking Express retrata brillantemente la sensación de la vida en la ciudad. Capta la soledad que puedes experimentar incluso en un lugar lleno de gente, el anhelo de espacios abiertos, la naturaleza fugaz de las conexiones, la simple alegría de una buena canción en un bar y la naturaleza curiosa de las personas con las que te encuentras por la noche.

19. Noches de boogie (1997)

¡Me encantó la última película de Paul Thomas Anderson! Es una mirada retrospectiva realmente conmovedora y sorprendentemente divertida a la época dorada de la industria del cine para adultos en California. Se siente como un viaje alegre y nostálgico, que te presenta a tantos personajes memorables, como la figura maravillosamente trágica inspirada en Burt Reynolds y la desgarradora interpretación de Julianne Moore de una mujer en el centro de todo. Pero se trata de algo más que la industria, ¿sabes? Realmente captura todo el estado de ánimo de los Estados Unidos de la década de 1970: lo bueno, lo malo y todo lo demás. Es una película hermosa, desordenada y totalmente cautivadora.

18. Corrió (1985)

Ran de Akira Kurosawa es mi película favorita de él. Lo que la hace especial es que llegó más tarde en su carrera y, a diferencia de muchas de sus otras películas, es en color. Me encanta cómo usa el color, especialmente los trajes vibrantes, para enfatizar poderosamente los momentos, casi como un dramático toque final a cada escena.

17. La matriz (1999)

Uno de los pocos beneficios reales de envejecer es volver a ver películas y ver qué tan bien resisten el paso del tiempo. Recuerdo haber visto The Matrix cuando se estrenó por primera vez sin tener idea de qué esperar, y fue una experiencia tan emocionante que todavía puedo imaginarme exactamente el teatro, el auditorio e incluso mi asiento. Los avances eran prometedores, pero la película en sí era realmente cautivadora.

Más de 20 años después, todavía lo es. Mi única queja sobre The Matrix es que es demasiado atractivo para tenerlo en segundo plano: inevitablemente te dejarás atrapar y terminarás viéndolo por sexagésima quinta vez en lugar de trabajar.

16. La escafandra y la mariposa (2007)

2007 fue un año fantástico para el cine, pero el que realmente me quedó grabado fue La escafandra & La Mariposa. Es la hermosa adaptación de Julian Schnabel de las memorias de Jean-Dominique Bauby sobre vivir con el síndrome de enclaustramiento. La historia de Bauby y cómo la película transmitió su mensaje de abrazar la vida tuvieron un profundo impacto en mí. ¡Me emocioné tanto que salí del teatro y le propuse matrimonio a mi novia ese mismo día! Quince años y dos hijos después, sigo pensando que fue lo correcto. Recientemente volví a ver la película y es tan poderosa e inspiradora como siempre.

15. Duro de matar (1988)

¿Realmente Die Hard necesita una explicación como una de las mejores películas jamás realizadas? ¡Es obvio! Piense en la asombrosa interpretación de Bruce Willis de John McClane, un policía de Nueva York que intenta disfrutar de unas vacaciones, o en la fantástica dirección de acción de John McTiernan. Además, es la película navideña perfecta… con muchos disparos.

14. Primer plano (1990)

Esta innovadora película iraní cuenta la historia de un hombre que se hizo pasar por un cineasta famoso y estafó a una familia en Teherán. El director Abbas Kiarostami hizo que todos los involucrados interpretaran a sí mismos, mezclando imágenes reales del proceso legal con escenas recreadas de antes de que él se involucrara. La película combina de manera única narración documental y ficticia, y su exploración de la fama y la clase social todavía se considera excepcional.

13. El show de Truman (1998)

Es fácil preguntarse si vivimos en una simulación. Si no, la película El show de Truman predijo inquietantemente nuestro mundo actual: un mundo en el que la privacidad está desapareciendo, la publicidad está en todas partes y la gente está constantemente estresada y centrada en cosas superficiales. Si bien la película trata sobre un hombre que, sin saberlo, vive en un reality show de televisión, la primera mitad de la historia también es una descripción sorprendentemente identificable de una crisis de la mediana edad: esa sensación de cumplir cuarenta años y cuestionar todo sobre tu vida.

12. Zodíaco (2007)

David Fincher es conocido por dirigir películas sobre asesinos en serie, pero Zodiac es más que un simple thriller policial. Es una mirada a San Francisco a lo largo de varias décadas, vista a través de las perspectivas de tres hombres obsesionados con resolver el caso Zodiac Killer. Seguimos a un inspector de policía (Mark Ruffalo), del que se rumorea que inspiró la película Bullitt, a un periodista (Robert Downey Jr.) que se convirtió en el objetivo del Zodíaco, y a un detective aficionado (Jake Gyllenhaal) incapaz de seguir adelante incluso después de que cesaron los asesinatos. En lo que Zodiac destaca, más que en la mayoría de las películas policiales, es en mostrar cuán devoradora puede ser una obsesión. Fincher atrae hábilmente a los espectadores a la compleja investigación con hábiles trabajos de cámara y edición. Al final de la película, que conecta hábilmente con el principio después de dos horas y media tensas, se comprende completamente el impulso implacable de Robert Graysmith.

11. Dentro de Llewyn Davis (2013)

Muchas de las películas que Joel y Ethan Coen crearon juntos exploran asociaciones, y Inside Llewyn Davis es un ejemplo particularmente sólido. Como mencioné anteriormente, la película retrata la escena de la música folklórica de Nueva York de principios de la década de 1960 y al mismo tiempo cuenta la historia de un músico talentoso (Oscar Isaac, en un papel que definió su carrera) que enfrenta una serie de eventos desafortunados después de perder a su compañero musical. Es digno de mención que la canción más hermosa de Llewyn trata sobre decir adiós y se siente incompleta cuando se interpreta en solitario, lo que resalta la importancia de la voz que falta.

10.Lady Bird (2017)

La película de Greta Gerwig, Lady Bird, utiliza hábilmente pares y contrastes a lo largo de la historia. El personaje principal, conocido como Lady Bird, tiene dos nombres, sale con dos chicos diferentes y tiene dos mejores amigos. La película cubre dos semestres de su vida en la escuela secundaria, cada uno con una obra de teatro escolar y un baile, además de dos fiestas. Ella mantiene relaciones únicas con sus padres y considera solicitudes para dos universidades mientras asiste a dos iglesias diferentes. Esta presentación constante de opciones hace de Lady Bird una película profundamente identificable sobre el peso de las decisiones, especialmente cuando eres joven y todo parece increíblemente importante. En muchos sentidos, esas decisiones realmente lo son.

9. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)

No recuerdo exactamente cuándo ni dónde vi Eternal Sunshine por primera vez, pero fue hace unos 20 años mientras vivía en la ciudad de Nueva York. Los detalles de esa primera visión se han desvanecido con el tiempo, como sucede con tantos recuerdos. Irónicamente, eso me hace apreciar aún más la película ahora. Lo que resulta tan convincente de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos es cómo utiliza una idea de ciencia ficción (una pareja que se borra mutuamente de sus recuerdos) para explorar la realidad de cómo los recuerdos se desvanecen naturalmente. Jim Carrey y Kate Winslet crean una de las parejas más memorables de la historia del cine, en gran parte porque su relación está destinada al fracaso. Al final, todas las relaciones terminan y, en cierto modo, es como ver una casa en la playa caer lentamente al océano.

8. Ficción pulp (1994)

Si bien Pulp Fiction puede no ser la película más copiada de la década de 1990 en la actualidad, fue muy influyente durante un tiempo. El hecho de que tantos intentos de copiarlo fueran tan malos resalta cuán talentoso es Quentin Tarantino, tanto entonces como ahora.

Pulp Fiction es una extraña mezcla de cosas que de alguna manera se unen. Es una gran historia sobre el crimen en Los Ángeles, pero también una mirada profunda a los personajes involucrados. Salta entre escenas tremendamente exageradas, como maletines misteriosos y clubes secretos, y momentos increíblemente ordinarios, como conversaciones sobre masajes en los pies y comida rápida. Es a la vez grande en alcance y pequeño en su enfoque, divertido y triste, violento y caricaturesco. Eso es lo que hace que Pulp Fiction sea tan único.

7. Haz lo correcto (1989)

La película de Spike Lee, ambientada durante un abrasador día de verano en Brooklyn, explora poderosamente las tensiones raciales y, desafortunadamente, todavía parece increíblemente relevante hoy en día. La historia se centra en un vecindario y una pizzería local que se convierte en el punto focal de los disturbios después de que la policía mata a un hombre negro. Una pregunta clave que plantea la película es si el personaje de Mookie tomó la decisión correcta cuando arrojó un bote de basura por la ventana de la pizzería, y tal vez el mero hecho de hacer esa pregunta sea más importante que cualquier respuesta definitiva.

6. Película americana (1999)

Debo decir que American Movie es una película que he permanecido conmigo durante años. Lo que parece ser un documental sencillo y, a menudo, hilarante, sobre un cineasta llamado Mark Borchardt que intenta terminar su película rápidamente se convierte en algo mucho más profundo. Es una mirada realmente conmovedora, incluso desgarradora, a la persecución de tus sueños y la frustración de no alcanzar tus metas. Mark es muy elocuente sobre su necesidad de crear, y realmente lo apoyas, incluso cuando las cosas siguen desmoronándose. Más allá de eso, es una hermosa historia sobre la amistad, que muestra cómo Mark se apoya en su amigo Mike para hacer estas películas de increíblemente bajo presupuesto. Honestamente, es divertido verlo cuando eres más joven, pero afecta muy de manera diferente a medida que envejeces. Es fácilmente una de las mejores películas estadounidenses que he visto en mi vida.

5. Refugiarse (2011)

Habiendo experimentado ataques de pánico, creo que Take Shelter es una película verdaderamente excepcional sobre cómo vivir con ansiedad. La película se centra en Curtis LaForche (Michael Shannon), un hombre de familia que, a pesar de tener una esposa y una hija amorosas, está plagado de aterradoras pesadillas de tormentas devastadoras y una sensación constante de perdición inminente. Michael Shannon ofrece una actuación fenomenal, brillantemente respaldada por Jessica Chastain como su esposa, y la película retrata con precisión el círculo vicioso del miedo: a Curtis le preocupa estar perdiendo la cabeza, una preocupación alimentada por la historia familiar, y esa preocupación sólo intensifica su ansiedad. Si bien muchos ven el final de la película como abierto a interpretación, yo lo veo como una conclusión natural. La película demuestra contundentemente que este tipo de ansiedad no se puede superar ni bloquear, ni siquiera tratando de proteger lo importante. Sólo puede gestionarse y comprenderse, especialmente con la ayuda de sus seres queridos.

4. Érase una vez en Hollywood (2019)

El actor Rick Dalton y su doble, Cliff Booth, almuerzan con el productor Marvin Schwarz en el Musso & Frank Grill. Marvin sugiere que Rick protagonice películas del oeste italianas, pero Rick está profundamente decepcionado y siente que su carrera ha terminado. Está visiblemente molesto y rompe a llorar tan pronto como sale del restaurante. El director Quentin Tarantino enfatiza la desesperación de Rick con un dramático ángulo de cámara, mostrando el imponente cartel de “El más viejo de Hollywood” encima de él y de Cliff.

Si bien Rick no es una noticia pasada, ciertamente se siente así en ese momento, al darse cuenta de que su tiempo bajo el foco de atención podría estar acabándose. Érase una vez en Hollywood es una película brillante, llena de detalles inteligentes como este. Es una mirada retrospectiva a una época cambiante en Estados Unidos y una celebración del cine, una forma de arte que en sí misma parece enfrentar un futuro incierto.

3. El día de la marmota (1993)

Pocas comedias son tan reveladoras como El día de la marmota. Bill Murray ofrece una actuación destacada como Phil Connors, un meteorólogo televisivo egocéntrico que, mientras cubre el evento del Día de la Marmota en un pequeño pueblo de Pensilvania, se encuentra atrapado en un bucle temporal. Básicamente, la película cuenta la historia de un hombre que inicialmente se cree todopoderoso, evoluciona gradualmente y finalmente descubre lo que significa ser humano.

2. Buenos amigos (1990)

Incluso treinta años después de su estreno, Buenos amigos de Martin Scorsese es considerada una de las mejores y más influyentes películas de los años noventa. ¡Es una combinación fantástica con su película más reciente, The Irishman, si te apetece una larga maratón de películas! La película narra la vida de un joven (interpretado por el fallecido Ray Liotta) mientras asciende en las filas de la mafia, mostrando lo rápido que puede cambiar la suerte: en un momento disfruta de comidas suntuosas y al siguiente se reduce a una comida sencilla. Todo lo relacionado con la película (actuación, guión, edición, cinematografía y música) es impecable. Es difícil creer que Dances With Wolves haya ganado el Oscar a la mejor película frente a Goodfellas.

1. Sueños de aro (1994)

El documental Hoop Dreams trata sobre mucho más que baloncesto. Sigue a sus sujetos hasta la graduación de la escuela secundaria, no hasta sus juegos finales, y destaca la poderosa influencia del dinero, como señaló Spike Lee cuando analiza las presiones sobre los atletas jóvenes. En última instancia, la película muestra dos ‘juegos’ separados: el que se juega en la cancha y otro más manipulador jugado por quienes rodean a los jugadores: entrenadores y ojeadores. Te deja preguntándote qué opciones tenían William y Arthur, y qué más podrían haber esperado.

2025-10-24 20:38