Debido a que existen tantas películas (desde clásicos famosos hasta títulos menos conocidos), ni siquiera los amantes del cine dedicados pueden afirmar haberlo visto todo. Un gran lugar para descubrir estas joyas ocultas es Letterboxd.
Las clasificaciones de películas de Letterboxd difieren de las de sitios como Metacritic y Rotten Tomatoes porque se basan en opiniones de todos los fanáticos del cine, no solo de críticos profesionales. Cualquiera puede unirse a Letterboxd, escribir reseñas y calificar las películas que haya visto.
Muchas de las películas mejor valoradas por los cinéfilos no son éxitos de taquilla recientes de Hollywood: provienen de todo el mundo y de toda la historia del cine, lo que puede resultar inesperado. Sin embargo, los amantes del cine serios ya saben que las grandes películas no están limitadas por cuándo o dónde se hicieron, en qué idioma están o incluso por las ideas tradicionales sobre lo que hace que una película sea espectacular. Muchas películas demuestran esta cualidad atemporal.
Sonata de otoño (1978)
Los críticos elogian mucho la película de 1978 de Ingmar Bergman, Sonata de otoño, por dos razones principales. Explora poderosamente el conflicto entre el amor y la pasión artística sin ofrecer respuestas fáciles, y lo hace con notable profundidad emocional y precisión.
¡Tengo que decir que las actuaciones en esta película son simplemente increíbles! Ingrid Bergman brilla absolutamente como la madre y Liv Ullmann es igualmente cautivadora como su hija. Bergman ya es una leyenda, con siete películas en el Top 250 de Letterboxd, y Sonata de otoño es su mejor calificación allí, con una puntuación casi perfecta de 4,5 sobre 5. Lo que realmente me llamó la atención es que Ingmar Bergman se basó en su propia vida familiar para la historia, haciéndola aún más poderosa y conmovedora.
Todavía estoy aquí (2024)
A medida que se acercaba la temporada de premios 2024-2025, muchas personas sentían curiosidad por la creciente atención que rodeaba a una película brasileña poco conocida. Algunos cuestionaron si el drama político en lengua portuguesa tenía siquiera posibilidades de ser nominada a Mejor Película. Esas dudas desaparecen rápidamente después de ver I’m Still Here de Walter Salles, una poderosa historia de dos horas sobre la fortaleza de una familia durante una dura dictadura militar.
Esta película, inspirada en una historia real, cuenta la historia de una mujer cuyo marido desaparece durante la dictadura militar de Brasil. Muestra poderosamente cómo grandes fuerzas políticas pueden devastar incluso a las familias más cercanas.
Lo que realmente hizo de I’m Still Here un fuerte candidato al Oscar no fue la violencia impactante, sino los silenciosos sacrificios hechos para mantener unido al grupo central (originalmente cinco, ahora cuatro), incluso después de que todo se desmoronó. La película sabiamente mantiene la brutalidad sutil, centrándose en cambio en las poderosas emociones que cobran vida gracias a la increíble actuación de Eunice Pavia.
Corrió (1985)
Akira Kurosawa, director de películas como Seven Samurai y Yojimbo, dudaba que alguna vez obtuviera el dinero para realizar su proyecto apasionante, Ran. Durante diez años sólo pudo desarrollar la idea a través de dibujos y planificación.
El productor francés Serge Silberman ayudó a hacer realidad la visión del director, aunque la película terminó siendo la película japonesa más costosa jamás producida. El resultado fue una obra maestra cinematográfica, ahora considerada una de las mejores películas de todos los tiempos.
La película de Kurosawa Ran está inspirada en el Rey Lear de Shakespeare y cuenta la historia de un señor de la guerra japonés que divide su poder entre sus tres hijos, lo que lleva a una brutal guerra civil. Las secuencias de batalla de la película recuerdan a Salvar al soldado Ryan y Kagemusha de Kurosawa, retratando la violencia como rápida, realista e implacable.
Ciudad de Dios (2004)
La película brasileña Ciudad de Dios, dirigida por Fernando Meirelles y Kátia Lund, está ambientada en una favela real de Río de Janeiro, un barrio conocido con el mismo nombre. La película retrata vívidamente el impacto de la pobreza, la falta de oportunidades y el crimen organizado en los jóvenes durante un período de veinte años, visto desde la perspectiva de Rocket, un aspirante a fotógrafo que intenta escapar del ciclo de violencia.
Considerada la mejor película internacional de gánsteres de Letterboxd, Ciudad de Dios recibió cuatro nominaciones al Premio de la Academia en 2004, incluidas nominaciones a Mejor Director y Mejor Guión Adaptado. El éxito de la película ayudó a abrir las puertas para que otras películas brasileñas, como Todavía estoy aquí, encontraran audiencias en todo el mundo.
Viejo (2003)
La película de Park Chan-wook Oldboy cuenta la historia de Dae-su (interpretado por Choi Min-sik), un hombre secuestrado y mantenido cautivo durante 15 años. Nunca ha dicho por qué ha sido encarcelado y sufre brutales abusos físicos y mentales. Liberado repentinamente, Dae-su es consumido por un deseo de venganza y se propone encontrar al responsable, lo que lleva a una historia famosa por sus giros impactantes e inesperados.
Es una película extrañamente cautivadora, hasta el punto de impresionar incluso al famoso y reservado director Quentin Tarantino. Fue presidente del jurado en el Festival de Cine de Cannes de 2004 cuando la película ganó el primer premio.
Oldboy es conocido por sus escenas impactantes y memorables, como Dae-su comiéndose un pulpo vivo y una emocionante pelea en el pasillo sin interrupciones. Es una película de acción visualmente intensa y también es una película en coreano.
El quinto sello (1976)
Muchos consideran que El quinto sello es la cúspide del cine húngaro. Si bien no ofrece las escenas de batalla a gran escala de películas como Dunkerque o All Quiet on the Western Front, sigue siendo un drama de guerra poderoso y profundamente conmovedor. Al igual que Darkest Hour, la película se centra en los personajes y la conversación, y casi toda la acción tiene lugar dentro de un pub, en lugar de en el campo de batalla.
La historia simplifica el conflicto central con una pregunta de un barman: “¿Elegirías ser un gobernante fuerte y despiadado, o una persona débil pero buena, oprimida por ese gobernante?” Esto presenta una elección moral difícil entre mantenerse con vida y mantenerse fiel a sus valores, particularmente durante la atmósfera opresiva y autoritaria en Hungría cerca del final de la guerra.
Como alguien que sabe un poco sobre la Biblia, el título de esta película, El Quinto Sello, me llamó la atención de inmediato: es un guiño directo al Libro del Apocalipsis y todas esas imágenes de juicio y de enfrentar lo que está bien y lo que está mal. Y, sinceramente, ¡me sorprende que una película realizada en un país del bloque del Este pudiera ganar un premio en Cannes durante la Guerra Fría! Realmente muestra cuán poderosas y universales son las preguntas que Zoltán Fábri aborda en la película: claramente resonaron en las personas sin importar de dónde fueran o de qué lado estuvieran.
Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)
A todos nos gusta ver las historias de amor concluir felizmente, tanto en la vida real como en las películas. Pero Eterno resplandor de una mente sin recuerdos presenta una impresión mucho más inquietante y duradera.
La película sigue a Joel y Kate, una pareja que decide borrarse de sus recuerdos tras separarse. Para Joel el proceso no es fácil y comienza a comprender que el amor y el desamor siempre van de la mano. Finalmente se da cuenta de que el dolor que intenta olvidar es en realidad lo que hizo que su relación fuera especial.
El atractivo perdurable de Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (su conclusión conmovedora pero melancólica, el hecho de que recompensa la repetición de visionados y la brillante colaboración entre el director Michel Gondry y el escritor Charlie Kaufman) contribuyen a su reputación como una de las historias de amor más queridas del siglo XXI. Esto explica por qué se ha convertido en un favorito de culto y constantemente ocupa un lugar destacado en plataformas como Letterboxd.
Cine Paraíso (1988)
Cinema Paradiso de Giuseppe Tornatore, con una música ganadora del BAFTA de Ennio y Andrea Morricone, es ampliamente considerada una historia clásica sobre la mayoría de edad. En la plataforma Letterboxd, es una de las películas italianas mejor vistas, sólo superada por El bueno, el feo y el malo de 1966.
Como amante total del cine, recuerdo cuando se estrenó “New Paradise Cinema” en 1988 y capturó algo especial de toda la experiencia cinematográfica para el público italiano. Más allá de la historia de amor y conexión, realmente celebró el cine mismo. La película muestra maravillosamente cómo el joven Salvatore, interpretado por Salvatore Cascio, utilizó el cine local como una forma de escapar de las duras realidades de su vida en la Sicilia de la posguerra: para él era un mundo de pura imaginación.
Cinema Paradiso cuenta la historia de un individuo talentoso que inicialmente no fue reconocido en su propia comunidad. Si bien al principio a la película no le fue bien entre el público italiano, ganó popularidad después de ganar el Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera y el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes en 1989.
Ven y mira (1985)
La película de Emil Klimov de 1985, Ven y mira, recibe consistentemente calificaciones excepcionalmente altas en Letterboxd (a menudo 4,6 sobre 5 o más) y por una buena razón. Es una película poco común que retrata las brutales realidades de la guerra con detalles tan honestos e inquebrantables, lo que obliga a los espectadores a enfrentar un tema difícil sin concesiones.
Ver al joven Flyora ofrecerse con entusiasmo como voluntario para la resistencia soviética y luego enfrentar la brutal verdad de la vida bajo la ocupación nazi en su aldea bielorrusa durante la Segunda Guerra Mundial (incluidas las dificultades y la pérdida de valores) es una experiencia profundamente conmovedora. Muchos la consideran la película pacifista más poderosa jamás realizada.
Si bien Ven y verá describe poderosamente el brutal impacto psicológico de la guerra, este realismo inquebrantable hace que sea una película difícil de recomendar. De hecho, los funcionarios soviéticos inicialmente se resistieron a su publicación porque presentaba una visión de la guerra que desafiaba la narrativa oficial del país.
Siete samuráis (1954)
Los siete samuráis de Akira Kurosawa es una historia atemporal sobre el poder de trabajar juntos y las diferencias entre clases sociales. La película tiene lugar en el Japón del siglo XVI y sigue a siete samuráis (guerreros sin amo) que son contratados por agricultores en apuros para defender su aldea y proteger su cosecha de los bandidos que los atacan repetidamente.
Como amante del cine, siempre me sorprende lo perfectamente construido que está Los siete samuráis. No es sólo la acción, sino la forma en que Kurosawa construye el equipo: Kambei elige cuidadosamente a cada uno de los otros seis samuráis, dándoles a todos habilidades, personalidades y razones únicas para luchar. Y la forma en que los aldeanos y los samuráis aprenden a trabajar juntos, preparándose para la inevitable batalla… es simplemente magistral. Lo fascinante es cómo esos mismos ritmos narrativos (un grupo que se reúne con diferentes fortalezas, preparándose para un desafío) aparecen en películas totalmente diferentes, como Bichos o incluso Tres amigos. Demuestra cuán universales y efectivas son realmente esas ideas centrales.
En ese momento, la larga película de Kurosawa, de tres horas y media de duración, podría haber preocupado a los ejecutivos del estudio. Sin embargo, el público actual aprecia una película grandiosa y épica, especialmente una alabada constantemente como una obra maestra cinematográfica.
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2026-02-16 00:57