El color juega un papel muy importante en la forma en que se cuentan las historias a través del cine, razón por la cual el uso del blanco y negro puede ser tan poderoso. Mientras que las películas solían ser sólo en blanco y negro, ahora es una decisión artística deliberada que puede cambiar drásticamente la apariencia de una película.
Esta es una lista de películas recientes que hay que ver y que están filmadas total o principalmente en blanco y negro. Solo incluimos películas que se estrenaron originalmente en cines en blanco y negro; por lo tanto, por ejemplo, una película como The Mist que solo tenía una versión en blanco y negro disponible en DVD no pasa el corte.
Nos estamos centrando en películas realmente sorprendentes, aquellas que todo el mundo debería experimentar al menos una vez, las mejores películas que existen.
8. El faro (2019)
Escrito por Max Eggers, escrito y dirigido por Robert Eggers
Willem Dafoe y Robert Pattinson protagonizan una película oscuramente divertida sobre el aislamiento extremo. Cuando dos hombres quedan aislados del mundo, comienzan a sucumbir a viejas creencias y a enfrentar sus turbulentos pasados.
Filmar en blanco y negro crea un efecto discordante, que separa instantáneamente a los personajes del mundo real y los arroja a un entorno austero y emocionalmente elevado. Los realizadores Eggers y Jarin Blaschke utilizaron este estilo para resaltar el contraste entre luces y sombras y las texturas del escenario, en lugar de depender del color. Esto llama la atención sobre detalles que podrían haberse pasado por alto, especialmente teniendo en cuenta lo confinado y aislado que es el lugar.
Al igual que muchas películas de esta lista, El faro emplea cinematografía en blanco y negro para distorsionar la realidad, lo que dificulta distinguir entre lo real y lo aterrador cuando la historia toma un giro oscuro.
7. El artista (2011)
Escrita y dirigida por Michel Hazanavicius
The Artist cuenta la historia de George Valentin (Jean Dujardin), un popular actor de cine mudo cuya carrera decae cuando el cine sonoro se convierte en el nuevo estándar. La película también sigue su floreciente romance con Peppy Miller (Bérénice Bejo), una bailarina que se convierte en una estrella en ascenso gracias a la llegada del ‘sonoro’.
La película utiliza blanco y negro y muy poco sonido natural para parecer una vieja película muda. Este estilo permite a los realizadores utilizar trucos visuales clásicos, como un sorprendente efecto de sonido en pantalla al final, y resaltar el mundo antiguo que el personaje principal, Valentín, lucha por dejar atrás.
6. Godzilla Menos Uno/Godzilla Menos Color (2023)
Escrita y dirigida por Takashi Yamazaki
La elogiada película Godzilla Minus One se centra en Ryunosuke Kamiki, un ex piloto que siente una inmensa culpa y un trauma por sus experiencias en la Segunda Guerra Mundial. Cuando aparece un Godzilla mutado, nacido de la destrucción de la guerra, Kamiki ve una oportunidad para enmendar su pasado. Sin embargo, buscar la redención podría costarle las relaciones amorosas que comenzó a construir mientras luchaba contra sus demonios internos.
El estreno en 2024 de Godzilla Minus Color, originalmente filmada en color, se considera ampliamente la versión superior de la película. Quitar el color mejora el ya impresionante CGI, haciendo que el monstruo y su destrucción se sientan increíblemente reales e inmersivos.
Claramente inspirada en la película clásica Godzilla de los años 50, esta versión en blanco y negro sufrió ajustes significativos en su contraste y enmascaramiento de imagen, lo que cambió ligeramente el énfasis en varias escenas importantes. El director Yamazaki explicó a The Wrap:
Descubrimos que desaturar el metraje en realidad aumentaba la sensación de realismo, dándole una sensación de documental y haciendo que Godzilla pareciera más una criatura genuina. Fue realmente más aterrador que la versión en color de ‘Godzilla Minus One’; incluso aquellos de nosotros que trabajamos en la película sentimos escalofríos.
La cinematografía en blanco y negro refuerza el contexto histórico de la película, destacando que tanto Kamiki como Godzilla todavía están lidiando con las consecuencias de una antigua batalla y están atados por ella. Este estilo visual complementa maravillosamente el viaje de Kamiki hacia la redención.
5. Roma (2018)
Escrita y dirigida por Alfonso Cuarón
Roma es una película ambientada en la Ciudad de México de los años 70 que cuenta la historia de una ama de llaves y su desafiante vida personal. La película contrasta sus luchas con el malestar político y la violencia de la época. Examina en profundidad cuestiones de clase, género y raza, centrándose en el vínculo cada vez mayor entre la ama de llaves, Cleo, y su jefa, Sofía, ya que ambas mujeres experimentan una angustia similar.
Las imágenes en blanco y negro de la película crean una sensación de realismo y la conectan con un pasado reciente, ya que la historia incluye elementos de la propia vida del director. Este estilo se siente como ver un documental, animando a los espectadores a formar su propia conexión emocional con la historia en lugar de que les digan cómo sentirse.
4. La tragedia de Macbeth (2021)
Escrita y dirigida por Joel Coen
La adaptación de Coen de la obra de Shakespeare es cruda y simple, lo que encaja perfectamente con la trágica historia de un hombre consumido por el deseo y que finalmente lo pierde todo.
Macbeth de Shakespeare explora los poderosos temas del destino y el destino ineludible. La adaptación cinematográfica de los hermanos Coen destaca lo familiar que resulta la historia, y cómo siempre termina en tragedia, a través de un estilo visual deliberadamente artificial. La cinematografía en blanco y negro de la película parece atemporal y onírica, realzada por espeluznantes decorados inspirados en el movimiento expresionista alemán.
A pesar de que la película se desarrolla en un mundo fabricado con ciclos repetitivos, Denzel Washington y Frances McDormand ofrecen actuaciones sólidas y convincentes que mantienen la historia basada en las emociones humanas.
3. Mad Max: Furia en la carretera | Edición negra y cromada (2016)
Escrito por George Miller, Brendan McCarthy y Nico Lathouris, dirigido por George Miller
Aunque inicialmente se lanzó en color, el director Millar cree que la versión en blanco y negro es el corte superior de la película, como se revela en un reportaje de Warner Bros. sobre la edición ‘Black and Chrome’.
No es difícil entender por qué la versión en blanco y negro es tan poderosa. Aunque Fury Road es visualmente impresionante con sus colores vibrantes, transformando el duro mundo post-apocalíptico en una hermosa exhibición, el corte en blanco y negro se siente más auténtico en las luchas de los personajes. Retrata el desierto como un paisaje desolado, que sólo encuentra significado a través de las personas que lo habitan.
Siempre me ha fascinado la visión que tuvo Millar: vio por primera vez una versión sin editar de Road Warrior allá por 1980 e inmediatamente supo que quería crear una película de Mad Max en blanco y negro. ¡Y Black and Chrome es exactamente ese sueño hecho realidad! Sinceramente, si eres fan de Mad Max como yo, tienes que ver tanto esto como el original.
2. Una niña regresa sola a casa por la noche (2014)
Escrita y dirigida por Ana Lily Amirpour
Esta elegante película de terror, Una chica vuelve sola a casa por la noche, no ofrece respuestas fáciles sobre su vampiro, interpretado por Sheila Vand. La historia se centra en un hombre llamado Arash, que intenta liberarse de una vida difícil llena de crimen y consumo de drogas.
Arash se enamora de una mujer cautivadora, sueña con una vida juntos, sin darse cuenta de que ella es peligrosa y, en última instancia, podría ser su perdición.
La película Una chica vuelve a casa sola de noche se inspira en gran medida en las películas clásicas de vampiros, en particular Nosferatu, como lo demuestra su sorprendente cinematografía en blanco y negro. Pero el blanco y negro no es sólo una elección estilística; también refleja la compleja moralidad de los personajes. El vampiro Vand es una figura convincente que no es simplemente un héroe ni un villano, y su relación con Arash no se define fácilmente como buena o mala.
1. Persépolis (2007)
Escrita y dirigida por Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
La película Persépolis está basada en la novela gráfica autobiográfica del mismo nombre de Marjane Satrapi y cuenta la historia de su infancia durante la Revolución iraní. Los realizadores utilizan el color para mostrar el paso del tiempo: la infancia de Satrapi está representada en blanco y negro, mientras que las escenas de ella como adulta están en color. Esta sencilla técnica es clave para el impacto de la película.
El uso del blanco y negro junto con el color resalta la reducción de las libertades que Satrapi experimentó mientras crecía, particularmente cuando el gobierno iraní restringió los derechos de las mujeres. Satrapi explica que inicialmente decidió crear su cómic del año 2000 en blanco y negro para hacer la historia más universal y animar a los lectores a reconocer que el extremismo puede ocurrir en cualquier lugar, incluso en sus propios países.
El uso del blanco y negro le da a la película un estilo artístico simple que enfatiza cómo representa un recuerdo personal de la infancia, casi como si hubiera sido esbozado por la propia joven Marjane Satrapi o se desarrollara en su imaginación.
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2026-05-03 02:44