Es de conocimiento común que lo que una persona considera basura, otra podría encontrar valioso. Entonces, si alguna de estas películas te entiende como algo precioso … indica una gran diferencia en las preferencias de nuestras películas, una diferencia tan significativa, parece que provenemos de diferentes mundos cuando se trata de gustos cinematográficos.
Hoy, nos encontrará en Screencrush enumerando las 30 películas más decepcionantes de las últimas tres décadas. Desde mediados de los 90 hasta ahora, estas películas nos han dejado sentir arrepentidos por gastar dinero en un boleto e incluso pueden haber causado un momento de dudas en nuestras decisiones de vida.
Se puede encontrar una amplia gama de géneros, que incluyen películas de superhéroes, parodias subparentes, adaptaciones de series de televisión, secuelas, adaptaciones cinematográficas decepcionantes de novelas apreciadas, programas de títeres arriesgados y películas de videojuegos. La lista de las últimas tres décadas de las peores películas estaría incompleta sin ellas, y sí, incluso tenemos The Avengers. (No es lo mismo Avengers, no te preocupes. Había otro Avengers. Uno mal hecho).
La creación de esta lista se sintió similar a abordar una tarea poco glamorosa pero necesaria. Afortunadamente, nuestro equipo Screencrush prospera en tales desafíos; De hecho, su amor por películas y programas de televisión fronera sobre obsesión. Si no te apasiona escribir sobre películas o series de observación de atracones, entonces este podría no ser el lugar para ti.
Ahora, dejando de lado cualquier broma juguetona, comencemos la cuenta regresiva de las 30 películas con la calificación más baja de las últimas tres décadas. Si no ha tenido la oportunidad de verlos, nuestra evaluación debería ser suficiente. Y si no has visto ninguno de ellos, parece que tu elección en las películas es bastante exigente.
Las 30 peores películas de los últimos 30 años (1995-2024)
30. Wild Wild West (1999)
Como entusiasta del cine, no puedo enfatizar lo suficiente con la precisión que la película de 1999 “Wild Wild West” encapsula el cambio en Hollywood en las últimas tres décadas. A partir de una premisa casi olvidada, se disparó en un espectáculo lleno de grandes efectos especiales que a menudo eclipsaban la historia. La producción fue un desastre, incluso su actor principal, Will Smith, lo desprecia abiertamente. En las entrevistas de hoy, se refiere a ella como su peor película y una fuente constante de irritación.
29. Street Fighter: The Legend of Chun-Li (2009)
15 años después de la película inicial de “Street Fighter” con Jean-Claude Van Damme, fue esencialmente un remake. Contrariamente a su título, carecía de leyendas y combates callejeros mínimos. Sin embargo, presentó a Chris Klein entregando una de las peores actuaciones en la historia del cine como Charlie Nash. No se parece al personaje de “Street Fighter” con el mismo nombre, ya que se pavonea, posa y gruñe para la cámara. Es una exhibición sorprendente para presenciar.
28. Dingmaster (1998)
Durante la cima de la fama de “The Jerry Springer Show”, el propio Jerry Springer protagonizó una película titulada “Dingmaster”. En esta película, retrató a un anfitrión desconcertado de un programa de entrevistas en cuñado llamado “Jerry”, que reflejó el programa real. A pesar de aparecer contento entre los excéntricos y los buscadores de atención que adornaron su espectáculo de la vida real, Springer parece incómodo en “Dingmaster”, ya que presenta una versión ficticia del mismo entorno con los actores profesionales. Algunos de los repartores de apoyo ofrecen actuaciones satisfactorias con el material sórdido, pero es difícil ignorar que esta película gira en torno a un individuo que claramente se siente incómodo y fuera de lugar.
27. The Happytime Murders (2018)
En la comedia de marionetas orientada a adultos de Brian Henson “The Happytime Murders”, el humor se inclina hacia el público maduro, a menudo involucrando bromas explícitas sobre el sexo. Los creadores parecían centrarse principalmente en la idea de los títeres en un entorno vanguardista, con poco más que ofrecer. Si alguna vez te encuentras en una noche de trivia de bar y te hacen preguntas como “¿Qué película presenta a Melissa McCarthy mordiendo el pene de un títere?” o “¿Qué película mira Joel McHale a la vagina de un títere en una parodia de la escena de ‘instinto básico’?”, Ambas respuestas serían “los asesinatos de tiempo feliz”. El único personaje que emerge con cualquier dignidad es Maya Rudolph. Se las arregla para hacer una broma sobre Rice Pilaf, que la muestra como una verdadera héroe en esta buena producción.
26. Steel (1997)
Si está buscando una película mal hecha de la década de 1990, no se sentirá decepcionado si busca algo con el nombre de Shaquille O’Neal en la parte superior. En la película “Steel“, interpreta a un superhéroe blindado modelado después de un personaje de DC que reemplazó temporalmente a Superman en los cómics. (Superman no se encuentra en ninguna parte, lo que requiere una revisión significativa de la historia de origen de Steel). O’Neal ciertamente se ajusta al proyecto de ley como un superhéroe y parece estar disfrutando de sí mismo, pero el guión está lleno de bromas autorreferenciales: Shaq Misses Basketball Shots y Shrugs, hay referencias a Richard Roundtree acerca de que me gusta el “Hammer de Steel” de Steel, y el Costume de Steel. Como resultado, “Steel” se siente más como un boceto demasiado largo y desastrosamente divertido snl en lugar de una película real.
25. El libro de Henry (2017)
La película de Colin Trevorrow después de “Jurassic World” es el fracaso desconcertante, “The Book of Henry”, que combina de forma única los elementos del realismo mágico y el abuso infantil. Esta película también sirve como una parábola moderna de Cristo, que representa a una figura poderosa que se sacrifica para que su problemática madre pueda cometer un asesinato y adoptar a su hijastra maltratada. Simultáneamente, lleva una historia de advertencia sobre los peligros de la indiferencia, utilizando un niño inteligente que enseña las habilidades de asesinato de su madre desde más allá de la tumba como una metáfora de este mensaje, todo mientras toma esta premisa absurda increíblemente en serio. (De hecho, estos eventos ocurren en “El libro de Henry”, te lo aseguro).
24. Space Jam: un nuevo legado (2021)
Como entusiasta del cine, debo admitir que ver “Space Jam: A New Legacy” fue una experiencia humillante para Warner Bros., retratándose a sí mismos como un conglomerado desalmado de IP controlado por un algoritmo antagonista. La película en sí misma cayó plana, haciendo que el “Jam espacial” original se sintiera como una obra maestra cinematográfica en comparación, como “2001: una odisea espacial”. LeBron James no es un actor terrible; Su actuación está a la par con Michael Jordan en la primera película. Sin embargo, todo lo demás sobre “un nuevo legado” fue una decepción de principio a fin. La película parecía perder la esencia de Looney Tunes, y Bugs Bunny, en particular, se convirtió en un personaje llorón y sombrío. Mi recomendación? En su lugar, vea algunas clásicas “Looney Tunes Dib losrojes” en Max. Le aseguro que incluso un corto aleatorio proporcionará más risas que esta característica de dos horas. Además, la calidad de la animación es superior.
23. Básico Instinct 2 (2006)
La habilidad única de Sharon Stone para convertir el diálogo mundano en algo sensual fronteras en extraordinario. Sin embargo, a pesar de sus habilidades excepcionales, la película “Basic Instinct 2” no impresiona de principio a fin. Stone (o más bien, exagera) su personaje de una manera que consistentemente eclipsa el protagonista masculino de David Morrissey, que aparece en todo momento como si no fuera rival para ella. No está claro por qué incluso se siente atraída por él, a menos que ella lo perciba como una presa fácil y decide jugar con él para divertirse como una mantis rezando hace su víctima.
En la película, el personaje de Stone, Catherine, parece estar disfrutando jugando con su comida, pero el psiquiatra de Morrissey es tan débil que hay poca emoción en su atormento porque no hay suspenso sobre cómo se desarrollarán las cosas. Es como ver al equipo de Dream de 1992 superar sin esfuerzo a un grupo de niños locales del centro de recreación. Se supone que Catherine es una adicta a la adrenalina, pero no se arriesga al enfrentar a este débil oponente.
22. Abuelo sucio (2016)
La película “Dirty Grandpa” sigue un enfoque humorístico similar a “los asesinatos de tiempo feliz”: supone que si alguien que normalmente representa la pureza y la inocencia (como los abuelos) usa un lenguaje crudo, es automáticamente divertido. Si encuentra la idea de que Robert de Niro pronuncie frases como “Smegma” divertida, entonces disfrutará de “abuelo sucio”. Sin embargo, si no, es posible que se sienta decepcionado. En una nota positiva, el título ciertamente está a la altura de su nombre.
21. La letra escarlata (1995)
En la década de 1980 y principios de los 90, los thrillers eróticos estaban de moda en Hollywood, con numerosos dramas sexys orientados a los adultos producidos después del éxito de la “atracción fatal”. Sin embargo, a medida que avanzaba los años 90, hubo un cambio hacia un entretenimiento familiar más amplio que podría atraer a un público más amplio. El fracaso y la mala calidad de “la letra escarlata”, que recaudó solo una fracción de su presupuesto de $ 45 millones, contribuyó significativamente a la desaparición de este género.
En cuanto a la adaptación cinematográfica de “The Scarlet Letter”, parece más como una interpretación inmadura de la novela en lugar de una representación fiel. Los temas de culpa y pecado del trabajo de Nathaniel Hawthorne han sido reemplazados por escenas de sexo softcore y una actuación cuestionable de Robert Duvall como el esposo de Hester Prynne. En general, parece más una nueva versión puritana de “The Red Shoe Diaries” que como una adaptación fiel de un clásico literario. (Esto probablemente explica los zapatos rojos de la película).
20. Marmaduke (2022)
Si alguna vez has visto una película animada que es más fea y menos atractiva que “Marmaduke”, no lo he hecho. Y espero que nunca lo haré. La película parece que se hizo en circunstancias sospechosas, o como parte de un acuerdo de último minuto donde los productores tuvieron que crear algo, cualquier cosa, en una determinada fecha límite.
Sin embargo, a pesar de la animación atroz, “Marmaduke” cuenta con los talentos de voz de varios actores conocidos y divertidos, como J.K. Simmons, David Koechner y Pete Davidson. ¿No leyeron el guión? ¿No se les mostró cómo se verían sus horribles personajes? ¿O se les ofreció una isla privada a cambio de su participación? No puedo entender cómo sucedió esto. “Marmaduke” no es más que basura pura. Ni siquiera lo forzaría a los niños que solían burlarse de mí en el autobús escolar inventando canciones sobre mis boogers, y eso fue más creativo que cualquier cosa en “Marmaduke.
19. Madame Web (2024)
Madame Web y Dakota Johnson, que retrata al personaje en esta película, recuerdan las viejas películas de Marvel producidas antes de Marvel Studios, donde parecía que eran algo incómodos sobre estar basados en superhéroes de cómics. En esta película, ni el personaje principal ni el personaje de Johnson se conocen como “Madame Web”, y ella nunca se pone un disfraz de superhéroe típico. La sensación general de la película es de autoconciencia, que bajo las circunstancias, no es sorprendente. La película es extravagante, peculiar y a veces difícil de seguir. En comparación con el increíble Spider-Man, parece más como Spider-Man 2. Verlo con Kevin Feige probablemente sería una experiencia entretenida.
18. Turbo: A Power Rangers Movie (1997)
A pesar del hecho de que “Mighty Morphin’ Power Rangers: la película “puede no haber sido el mejor, parecía que invirtieron un poco más de dinero en comparación con los episodios típicos. Por el contrario, “Turbo: A Power Rangers Movie” parece tan barato y hortera como cualquier episodio de Power Rangers ordinario, o tal vez aún más. Parece que cada línea de diálogo se volvió a grabar en la postproducción, dando la impresión de que se habló en otro idioma, o posiblemente el técnico de sonido olvidó activar el micrófono. Incluso las secuencias de acción no alcanzan el estándar habitual de la serie. Sorprendentemente, una película que este mal hecho logró distribuirse en numerosos teatros en todo el país. (¿Quizás el título se refiere a la velocidad a la que se produjo en un intento de capitalizar la locura de Power Rangers antes de que desapareciera por completo?)
17. Conoce a los espartanos (2008)
Una de las tendencias cinematográficas más desalentadoras en las últimas tres décadas ha sido la afluencia de películas de parodia, en gran parte debido al éxito financiero significativo de la serie “Scary Movie”. Muchas de estas llamadas comedias fueron creadas por Jason Friedberg y Aaron Seltzer, quienes trabajaron en la franquicia “Scary Movie”. Su definición de humor era replicar escenas de películas conocidas, principalmente “300” en el caso de “conocer a los espartanos”, aunque también contenía bromas no relacionadas de “Shrek”, “Spider-Man 3” y “Happy Feet”. El humor consistía en Lookalikes y las personas que fueron golpeadas en la ingle.
Si alguna vez se encontraba algún humor (y no lo había), la mayoría de los chistes eran tan específicos para fines de la década de 2000, con golpes en el sensacionalista como Lindsay Lohan y Paris Hilton, que ahora aparece tan anticuado como una antigua tableta de piedra griega. No puedo enfatizar lo suficiente lo crucial que es nunca ver “conocer a los espartanos.
16. The Jerky Boys: The Movie (1995)
15. X-Men Origins: Wolverine (2009)
Dejando a un lado la confusión del título, ¿es esta una película de X-Men, una historia de Wolverine o una historia de origen? ¡Quizás podría ser los tres combinados! Si el director Gavin Hood hubiera elegido concentrarse en un aspecto, podría haber habido potencial para una película decente. Sin embargo, el concepto de combinar numerosas narrativas X-Men y Wolverine desde el principio parecía condenar a este proyecto. Las líneas en X-Men Origins , como “No nos registramos para esto”, habladas por Logan de Hugh Jackman, reflejan la frustración de su personaje dentro de la película y un comentario sobre la película en sí. Otros ejemplos incluyen “¡Hemos hecho lo suficiente!”, “Te ves como un hombre a punto de hacer algo mal”, y mi favorito personal “, me despierte cuando termina.
14. Inspector Gadget (1999)
En los años 80, surgió uno de los programas de televisión animados más deliciosos, solo para transformarse en una película de gran éxito en los años 90. El tema principal recae en el casting: Matthew Broderick, un actor encantador y divertido, no se ajusta al proyecto de ley por el bullicioso y torpe Inspector Gadget. Rupert Everett también es errónea como el villano Dr. Claw. Los efectos son demasiado caricaturescos en comparación con la caricatura original del dispositivo del Inspector, y la versión final, que parece haber sido editada apresuradamente por los ejecutivos de Ansiosus Studio, es solo 70 minutos antes de los créditos. Sorprendentemente, todavía es demasiado largo.
13. Daddy Day Camp (2007)
Parece que el elenco de “Daddy Day Care” evitó participar en esta secuela convincente. Las estrellas originales Eddie Murphy, Jeff Garlin, Steve Zahn y Regina King fueron reemplazadas por Cuba Gooding Jr., Paul Rae, Josh Mclerran y Tamala Jones. El director, Steve Carr, tampoco estuvo involucrado. La primera película se centró en Murphy y Garlin aprendiendo a administrar un centro de guardería. En la secuela, se hacen cargo de un campamento, que, dadas sus habilidades de cuidado infantil ahora refinadas, debería haber sido una victoria fácil. Sin embargo, al ser una secuela, todo una vez más sale mal, al igual que la película en sí.
12. Elektra (2005)
Los años previos al universo cinematográfico de Marvel fueron una fase triste para los entusiastas de Marvel, ya que los estudios se volvieron demasiado ambiciosos después de los éxitos iniciales de las franquicias de X-Men y Spider-Man. Comenzaron a producir adaptaciones de Marvel sin gran parte de la atención o el control de calidad que marcaron sus trabajos anteriores. Una de las peores películas de esta época fue Elektra, con Jennifer Garner repitiendo su papel como asesino que limpia meticulosamente sus pisos para eliminar cualquier rastro de su ADN, pero es tan imprudente en su trabajo que socializa con sus vecinos tosis durante una misión y no reconoce que en realidad son su asignación.
Además, la resurrección de Elektra después de morir en Daredevil le otorgó el poder de prever el futuro y manipular el tiempo cuando sea necesario, esencialmente convirtiéndola en una deidad inmortal. Entonces, naturalmente, ella gasta su omnipotencia corriendo apuñalando ninjas. Si pudieras viajar en el tiempo, ¿no harías lo mismo?
11. Norbit (2007)
Los cinéfilos a menudo encuentran deleite cuando Eddie Murphy retrata a varios personajes en una sola película por medio de complejos protésicos intrincados. A pesar de las críticas desfavorables de los críticos, la película de 2007 Norbit logró generar cerca de $ 160 millones a nivel mundial contra un presupuesto de producción de solo $ 60 millones. Sin embargo, esto no implica que sea una película de calidad. En este caso, el talento de Murphy para la metamorfosis física (acompañado por los efectos de maquillaje constantemente notables de Rick Baker) se utilizan para contar una historia agravante sobre un hombre de corazón débil que se casa con una mujer dominante (ambos roles interpretados por Murphy), tratando a su esposo más como un servidor abusado que un socio. La interpretación de Murphy de la venputia vengativa y violenta es técnicamente competente, sin embargo, presenta una dura caricatura de una musaraña, llena de bromas interminables sobre su peso. Para agregar insulto a la lesión, Murphy también encarna al Sr. Wong, un hombre chino brusco que dirige un orfanato local y habla con un acento estereotipado grueso. Toda la producción es simplemente desalentadora.
10. The Emoji Movie (2017)
Uno podría imaginar una película inteligente que explora la cultura de los teléfonos inteligentes, tal vez incluso profundizando en el mundo de los emojis, pero tal guión necesitaría ser más nítido y más satírico de lo que se encuentra en “The Emoji Movie”. Más allá de su mensaje ligeramente optimista sobre la aceptación de la diversidad, esta película es exactamente como se podría esperar de un estudio vinculado a una compañía tecnológica que prospera en vender millones de teléfonos inteligentes anualmente: un anuncio sutilmente comercializado que implica que poseer un teléfono celular aumentará la popularidad y el atractivo entre el sexo opuesto. Yuck.
O más concisamente, “una película sobre la cultura de los teléfonos inteligentes podría ser intrigante, incluso con emojis, pero necesitaría un guión más nítido que ‘The Emoji Movie’. Más allá de su mensaje positivo sobre la diversidad, esta película es esencialmente un anuncio para una compañía de tecnología que vende millones de teléfonos inteligentes, lo que sugiere que lo harán popular y atractivo.
9. Presidente de la Junta (1997)
Una película protagonizada por el top de la zanahoria de apoyo podría no ser muy esperada, y el “presidente de la junta” no alcanza esas bajas expectativas. En esta película, la zanahoria Top retrata a un inventor torpe que forma una alianza con un hombre de negocios rico (interpretado por Jack Warden). Desafortunadamente, el humor, teóricamente presente en el guión, no se materializa. Sin embargo, si hay algún lado positivo, y confía en mí, es mínimo: esta película nos proporcionó uno de los momentos más emblemáticos en la historia de la televisión nocturna. Durante una entrevista en el programa de Conan O’Brien, la coprotagonista Courtney Thorne-Smith fue interrumpida repetidamente por Norm MacDonald, quien comentó con humor sobre la posibilidad de una película de zanahoria. (“Si va a presentar a las zanahorias, ¿sabes qué título apropiado sería? Poison de taquilla !”)
8. Artemis Fowl (2020)
Inicialmente, durante el inicio de la pandemia Covid-19 hace unos 65 años (un error tipográfico, debería ser 2020), Disney pospuso todos sus éxitos de taquilla 2020, excepto “Artemis Fowl”, que lanzaron directamente en Disney+. Mirando hacia atrás, esta fue una señal de advertencia. La adaptación cinematográfica de la querida serie de libros para adultos jóvenes condensa aproximadamente diez libros de contenido en solo 90 minutos, lo que lleva a confusión y resultados casi imperdibles. Si puede descifrar cómo el personaje de Josh Gad hizo la transición de robar el hogar de Artemis Fowl a unir fuerzas con él para frustrar otro personaje sin ningún diálogo entre ellos, usted es más inteligente que yo.. Se necesita un nivel único de contenido de transmisión malo para que los espectadores se sientan engañados incluso cuando no han gastado un centavo más allá de su suscripción existente, pero “Artemis Fowl” administró “para lograr esta hazaña.
7. Hijo de la máscara (2005)
En mi opinión, casi no hay películas tan pésimas como una secuela de una película de Jim Carrey, particularmente una que no protagoniza el genio cómico. El encanto de la “máscara” original se encuentra en la máscara enigmática, que desató la creatividad sin filtro de Carrey, su habilidad para las suplantaciones y su diversa variedad de voces. En el desafortunado caso de “Son of the Mask”, el personaje de Jamie Kennedy rara vez se pone la máscara (su perro parece usarlo más a menudo, inexplicablemente), y cuando lo hace, carece de la flexibilidad de un juguete de goma, irónicamente, su personaje es un dibujante luchador, destinado a la representación de la máscara de la máscara de la máscara mimic de la máscara. Casi se siente como si la voz de otro actor se haya denominado sobre Kennedy para parecerse más al personaje original.
El segundo acto da un giro inesperado, o más bien, una caída en el absurdo, cuando el perro de Kennedy se siente envidia del bebé recién nacido de la familia. Sí, lo leíste correctamente: ¡la trama gira en torno a un perro celoso! Tenga la seguridad de que el bebé está a salvo; Nació con poderes similares a la máscara. Te aseguro que nada puede prepararte para ver a este grotesco bebé CGI defecando y vomitando a Jamie Kennedy. Esta película debería haber sido descartada como la máscara al final de “The Mask”.
6. The Avengers (1998)
Inicialmente, recuerde que la película que se discute es “The Avengers” de 1998, que se basa en una serie de espías británicas anteriores, no en los Comics Marvel o el equipo de superhéroes que conocemos hoy. Los personajes retratados por Ralph Fiennes y Uma Thurman en esta película no realizan ninguna acción de venganza, lo que puede parecer confuso dado el título. Sin embargo, teniendo en cuenta la trama general de la película, el título parece apropiado.
Esta versión de “The Avengers” es una película corta de 90 minutos que parece faltar porciones significativas. Las escenas terminan abruptamente y comienzan en diferentes lugares sin ninguna explicación de cómo viajaron los personajes entre ellos. Las secuencias de acción con efectos especiales están presentes, pero los elementos narrativos que generalmente conectan estas escenas, como el desarrollo del personaje, la motivación y la adición de la emoción humana en medio de los efectos visuales excesivos, están ausentes. Como resultado, “The Avengers” se siente como una versión condensada de sí misma, similar a leer Cliffsnotes en lugar del trabajo original.
5. Algo en la oscuridad (2005)
UWE Boll ganó una reputación como uno de los directores más criticados durante la década, produciendo numerosas adaptaciones de videojuegos con la ayuda de una escapatoria fiscal alemana que garantiza el éxito financiero. Imagine a los personajes de “The Producers” de Mel Brooks como jugadores, y obtendrás la imagen. Entre las muchas películas decepcionantes de Boll en la década de 2000, Tara Reid interpreta a un brillante arqueólogo y Christian Slater retrata a un detective que investiga ocurrencias sobrenaturales. Desafortunadamente, no puedo revelar más detalles porque la película es tan confusa que incluso su largo títulos de apertura, que dura 90 segundos, hace que “solo en la oscuridad” sea más difícil de entender de lo que hubiera sido sin él. (El rastreo literalmente funciona durante 90 segundos). Tenga en cuenta que “Alone in the Dark” ya estaba clasificada como la peor película de videojuegos jamás realizada, por lo que su inclusión en esta lista indica cuán pobre fue la calidad del trabajo de Boll.
4. Winnie-the-Pooh: Blood and Honey (2023)
La película de terror de bajo presupuesto, inspirada libremente en el conocido A.A. Milne Book que ahora ha ingresado al dominio público no sirve ni como una película efectiva de slasher ni como una crítica de la literatura infantil. En cambio, sorprendentemente logra presentar un argumento poco convencional contra la idea de un dominio público. Si la protección de los derechos de autor evita que las producciones como esta se produzcan y se expusen al público que desconoce, tal vez su existencia no sea tan perjudicial después de todo. En esencia, “Blood and Honey” es un desastre reprensible.
3. Dolittle (2020)
Al estilo de Batman de Tim Burton, donde un médico callejero fallece en la reconstrucción de la cara de Jack Napier, lo que lleva a la creación del Joker, Dolittle es similar: es un desastre caótico y confuso que parece reconstruido por las sobras y revisiones de lo que inicialmente fue un proyecto completamente diferente. Una película que probablemente comenzó como una producción más seria se transformó en un monstruo cinematográfico de Frankenstein, lleno de humor para el baño, juegos de palabras de animales, CGI de mala calidad y una actuación exagerada de Robert Downey Jr., haciendo que el capitán de Johnny Depp Jack Sparrow parezca tímido en comparación.
2. Tiempo de perros locos (1996)
La película “Mad Dog Time” no es una de las peores películas que existen, pero ciertamente está allá arriba. Sin embargo, me cuesta pensar en otra mala película tan extraña como esta. Con un elenco impresionante que incluye a Jeff Goldblum, Gabriel Byrne, Ellen Barkin, Richard Dreyfuss, Diane Lane, Gregory Hines, Burt Reynolds, Rob Reiner, Kyle Maclachlan y más, es una película de gángster ubicada en otra dimensión, según la narración de apertura. Este universo, llamado “Vic’s World”, está habitado completamente por estereotipos de películas de gángsters que participan en tiroteos en sótanos en ruinas. Los duelos de armas tienen lugar mientras estos tipos duros se salen detrás de viejos escritorios de madera. Confía en mí; Es tan peculiar que parece haberse hecho en un universo donde a las personas disfrutan viendo películas injustificadamente malas.
1. Película de desastre (2008)
El título “Desastre Movie” es engañoso, ya que no representa con precisión el contenido. Las películas parodiadas por los escritores/directores Jason Friedberg y Aaron Seltzer no son desastres tradicionales, sino que incluyen películas como “10,000 a. C.”, “Hancock”, “Jumper”, “encantado”, “Alvin y las ardillas”, “Beowulf” y “The Love Guru”. Esta producción apenas puede considerarse una película debido a sus personajes mínimos, una historia débil y dependencia de malas impresiones de celebridades. Los personajes con frecuencia anuncian quién está en la pantalla, como “¿Amy Winehouse?”
Esta película es uno de los ejemplos más tristes de fracaso cinematográfico que he presenciado. Cuando un hombre estaba luchando contra un disfraz de Kung Fu Panda mal hecho, había hecho la transición de estar enojado a una empatía genuina, para aquellos que aparecieron en él, pero particularmente para cualquiera que pagó por verlo.
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30. The Master (2012)
En 2012, muchas discusiones que rodean la aclamada película de Paul Thomas Anderson “The Master” giraban en torno a sus aparentes paralelos con L. Ron Hubbard y Scientology. Algunos críticos y espectadores encontraron el mensaje subyacente de la película ambiguo. ¿Lancaster Dodd, retratado por el difunto Philip Seymour Hoffman, un guía espiritual o un fraude que finge ser uno? ¿Qué ve en Freddie Quell (Joaquin Phoenix), cuyo comportamiento instintivo parece contradecir los principios centrales de las enseñanzas de Dodd? Al volver a ver la película, sentí que “The Master” es tan compleja una historia de amor como el “hilo fantasma” de Anderson, y fue particularmente conmovido por su narrativa sobre un hombre que profesa borrar el trauma de la vida pasada, pero no falla incluso para ayudar a su discípulo más devoto al tratar con los traumas de su vida actual.
29. Diablo In A Blue Dress (1995)
¿Hay algún hombre que haya logrado una vecina de tanques blancos tan fácil como Denzel Washington hizo en “Diablo in a Blue Dress”? Si bien este puede no ser el método más objetivo para medir el éxito de una película, vale la pena mencionar que esta película, adaptada de la novela de detectives de Walter Mosley, muestra una de las actuaciones líderes más cautivadas de la década de 1990 por Denzel Washington. Presenta a Easy Rawlings, un trabajador de fábrica desempleado que se encuentra envuelto en un misterio complejo e inesperado después de aceptar ayudar a localizar a una persona desaparecida. El elenco de apoyo, incluidos Tom Sizemore, Jennifer Beals y un joven Don Cheadle como Easy’s Friend Mouse, es excepcional, y el guión del director Carl Franklin profundiza profundamente en las disparidades raciales de Los Ángeles de la década de 1940. Sin mencionar que Denzel Washington es imposible alejar de esta película a lo largo de su totalidad.
28. El favorito (2018)
En la indulgente riqueza y satisfacción de un pastel lujoso, “el favorito” se desarrolla como una intensa lucha de poder entre las mujeres que gobernaron Inglaterra a principios del siglo XVIII. El trío incluye a la astuta Lady Sarah (Rachel Weisz), el Manipulative Abigail (Emma Stone) y la lamentable reina Ana, enfermo (Olivia Colman, ofreciendo una actuación humorística pero conmovedora). A pesar de la aparición de un drama de vestuario de la temporada de premios convencional, “The Favorite” estaba lejos de ser la típica tarifa de los Oscar (aunque Colman ganó el premio a la Mejor Actriz de 2018). Exploró hábilmente temas de sexualidad, roles de género y política, al tiempo que se convirtió en una de las películas más sutiles del siglo. Y aunque un personaje comenta que el favor es “como un viento que cambia de dirección con frecuencia”, sospecho que “el favorito” durará como uno de mis favoritos durante mucho tiempo.
27. Holy Motors (2012)
La película de Lesos Carax Holy Motors es como el sueño más cautivador que podrías haber tenido, sin que te quedes dormido. Es una explosiva explosiva de subconsciencia cruda y desenfrenada, o tal vez superconsciencia, y una oda conmovedora y triste al cine, la actuación y la vida misma. La película sugiere que estos reinos están entrelazados de alguna manera, según Holy Motors . Denis Lavant encabeza el elenco, que ofrece actuaciones excepcionales en 11 roles distintos, como Oscar, un hombre que viaja a través de París en una limusina, haciendo una transición sin problemas entre varios personajes como un artista de captura de movimiento, un gángster y un mendigo. Los detalles de la ocupación de Oscar siguen siendo misteriosos; Sin embargo, es innegable que Holy Motors sirve como una declaración potente sobre el encantamiento duradero y las posibilidades no realizadas del cine, incluso en una era en la que las experiencias tradicionales de observación de películas son inciertas y el futuro de la distribución de películas.
26. Jackie Brown (1997)
Los personajes de “Jackie Brown” son notablemente humanos, y aprecio sus imperfecciones. Max Cherry no es el típico gángster fresco vestido con un traje afilado; En cambio, es un hombre sin pretensiones con el cabello adelgazante. Jackie Brown no se retrata como una mente maestra criminal hábil; Ella practica sus movimientos de tipo duro antes de enfrentarse a un runner de armas. Louis Gara, durante un robo, incluso olvida dónde estacionó su auto en el centro comercial. ¡Estos personajes son solo personas comunes! Creo que algunas de las películas posteriores de Tarantino, aunque excelentes, podrían beneficiarse de rasgos humanos más auténticos. Jackie Brown inicialmente decepcionó a algunos espectadores porque no coincidía con la destellabilidad y la complejidad de la ficción de la pulpa en su lanzamiento, pero incluso si las elecciones de Tarantino aquí no son tan llamativas, son perfectas. Los créditos iniciales, parcialmente inspirados en “The Graduate”, proporcionan una visión esencial del personaje de Jackie antes de pronunciar una sola palabra. Escenas como la que Ordell establece cuentas con Beaumont son excepcionales, y la película termina con uno de los mejores besos de películas de la historia. No es porque sea increíblemente sexy; Más bien, es imperfecto, lo que lo hace aún más cautivador.
25. Los Fabelmans (2022)
El aspecto sorprendente de “The Fabelmans” radica en el hecho de que, incluso después de siete décadas desde los eventos de la vida real representados en su escena de apertura, Steven Spielberg continúa tan enamorado de las películas como el joven Sammy Fabelman, que fue cautivado por “The Greatest Show on Earth” e inmediatamente cautivado por las imágenes que vio. A lo largo de los años, Spielberg ha acumulado una gran cantidad de conocimiento sobre el cine, dominando el uso de imágenes y el sonido para evocar emociones como la alegría, la empatía, el miedo y la comprensión. Sin embargo, nunca ha olvidado la razón detrás de todo.
La razón de “The Fabelmans” es narrar su viaje personal, revelando los aspectos brillantes y oscuros del cine y la vida. El cine sirve como un medio para que Sammy haga frente a sus miedos y soledad, pero a veces lo separa aún más, en casa y en la escuela. Su creciente interés en dirigir le proporciona una forma de que se vaya con su madre artística, retratada brillantemente por Michelle Williams, pero también representa el riesgo de revelar sus secretos más profundos. Y ahora, décadas después, esta pasión ha equipado a Spielberg con las habilidades para contar esta extraordinaria historia, llena de vida, amor, alegría y tristeza, cualidades que definen grandes películas.
24. Barb y Star van a Vista del Mar (2021)
Kristen Wiig y Annie Mumolo han regresado con su muy esperada secuela de “Damas de honor” en la forma de esta hilarante comedia. No solo lo escribieron, sino que también protagonizan un dúo de amigos que están atrapados trabajando en Jennifer Convertibles en Soft Rock, Nebraska. Cuando pierden sus trabajos, usan su pago de indemnización para un viaje extravagante a Florida, donde ambos se enamoran de un enigma guapo (Jamie Dornan, satirizando valientemente su propia imagen como una casanova musculosa). Este hombre es parte de una trama para arruinar la ciudad usando mosquitos modificados genéticamente, sí, el viejo tropo.
Wiig y Mumolo son sobresalientes en sus roles, abordando temas como la moda de Tommy Bahama y el encanto del nombre Trish. El guión será recordado hasta que todos estemos llenos de mosquitos asesinos. En estos tiempos desafiantes, “Barb and Star Go To Vista del Mar” ha llegado como un par de pantalones de lentejuelas, brillando intensamente como una luz guía para ayudarnos a escapar de nuestros problemas.
23. Inside Out (2015)
Antes de su mandato como director creativo de Pixar, Pete Docter era considerado una mente brillante dentro de la compañía. Contribuyó como escritor para películas como ‘Toy Story’, ‘Toy Story 2’ y ‘Wall-E’, y dirigió tres de las películas más aclamadas del estudio: ‘Monsters, Inc.’, ‘Up’ y ‘Inside Out’. Este último es una narración excepcionalmente diseñada que profundiza en la vida interior de una niña de 11 años, Riley. Cuando la familia de Riley se muda de Minnesota a San Francisco, su mundo experimenta agitación, lo que lleva a un conflicto entre sus emociones personificadas en su cerebro. El diseño del paisaje de cerebro de Riley es increíblemente innovador, ofreciendo intriga en cada cuadro de cada escena. Sobre todo, ‘Inside Out’ se destaca como una de las películas más perspicaces jamás producidas sobre la importancia de la tristeza y el duelo en nuestras vidas.
22. El rey de Kong: un puñal de cuartos (2007)
21. Memento (2000)
ADVERTENCIA: Subestima el recuerdo como simplemente un truco cinematográfico en su propio riesgo. Si bien es cierto que la intrincada y complicada estructura narrativa es una de las obras más desafiantes del director Christopher Nolan, si no la historia del cine en general, las líneas de tiempo confundidas y los flashbacks frecuentes tienen un propósito más allá de capturar la atención del espectador. Crean una sensación de desorientación que refleja el estado mental fragmentado del protagonista de la película, Leonard Shelby (Guy Pearce), que sufre de una forma rara de amnesia, lo que le hace imposible crear nuevos recuerdos.
A pesar de su condición, Leonard persiste en buscar al hombre que asesinó a su esposa. Las escenas iniciales sugieren que ha tenido éxito, pero luego rebobina sistemáticamente a través de los días anteriores para revelar la verdad. El enfoque innovador de Nolan lo catapultó al centro de atención como un emocionante director emergente, pero no hay nada glamoroso en el propio Leonard. En última instancia, es retratado como un personaje trágico impulsado por el deseo humano más fundamental: la creencia de que su vida tiene importancia. A medida que Nolan continuó explorando la forma y llevó a cabo muchos de los temas de Memento a lo largo de su carrera, parecía haber dejado de lado el humor negro que impregna la película, desde la incertidumbre de Leonard durante una escena de persecución sobre si él es el cazador o el cazado, para el nombre del hotel de Leonard como el “descuento Inn” (porque él gasta la película cuestionando la historia de Sammy Jenkins, una vez que se conoce a un hombre, un hombre similar, un hombre similar, un hombre que se conoce, un hombre que se conoce, un hombre que se conoce, un hombre similar, un hombre que se conoció, un hombre que se conoció, un hombre que se conoció, un hombre que se conoció. condición).
20. L.A. Confidencial (1997)
Reflexionando sobre las capas de desmoronamiento nostálgico, me encuentro inmerso con “L.A. Confidential”, es fascinante considerarlo. Ambientada en la década de 1950, se hace eco del estado de ánimo de “Chinatown” de la década de 1970 y se produjo a fines de la década de 1990, un momento en que todavía era factible elaborar un drama criminal expansivo de gran presupuesto con un número limitado de estrellas conocidas. En particular, Kevin Spacey y Kim Basinger fueron las únicas caras familiares entre el elenco principal.
Al igual que la novela de James Ellroy, se basa en “L.A. Confidential”, destroza la noción romántica de que la década de 1950 representaba una era más directa y alegre en los soleados Los Ángeles. Como comenta un personaje, esa imagen idílica nos ha sido vendida; La realidad había permanecido en gran medida oculta hasta que Ellroy y el director Curtis Hanson lo sacaron a la luz.
19. El prestigio (2006)
Como entusiasta del cine, no puedo evitar entusiasmar “el prestigio” de Christopher Nolan. Esta obra maestra une hábilmente sus técnicas cinematográficas características: estructuras de tiempo intrincadas, giros inesperados y protagonistas moralmente complejos que a menudo luchan con la pérdida de sus cónyuges. La historia se desarrolla en Londres victoriano, donde dos magos rivales, interpretados por Christian Bale y Hugh Jackman, se llevan a las hazañas extraordinarias, tanto innovaciones innovadoras como actos mortales.
La película presenta una estructura rusa como una muñeca, con historias que anidan las historias, que profundizan en el concepto de artistas que hacen sacrificios por su oficio y la dualidad del bien y el mal que acechan en cada individuo. Incluso después de que hayas descubierto las poderosas sorpresas de la película, sigue siendo una delicia ver y volver a ver “el prestigio”. Con cada visualización, surgen nuevos detalles, revelando cuán meticulosamente Nolan presagia cada giro de la trama, si presta mucha atención.
18. La red social (2010)
La cuestión de si el director David Fincher y el guionista Aaron Sorkin representaban con precisión los comienzos de Facebook pueden ser subjetivos, pero no se puede negar su representación de un tipo particular de hombre, representado por el personaje de Jesse Eisenberg Mark Zuckerberg: inteligente, resentido, arrogante, anhelo por afección y aprobación. La decisión de Fincher de hacer una película sobre Facebook en 2010 podría haber desconcertado a algunos espectadores en ese momento, pero ahora parece claro que fue un sucesor espiritual de Fight Club , otra historia de un hombre desilusionado y aislado que aprende que desatar su ira en la sociedad puede llevar a resultados inesperados. El elemento fundamental en esta película es el casting de Justin Timberlake como fundador de Napster (y el primer ejecutivo de Facebook) Sean Parker, quien se desempeña como contraparte de Mark Zuckerberg a Tyler Durden. Timberlake y Eisenberg comparten un parecido tan sorprendente que casi podrían pasar para los hermanos, si uno hubiera ganado la lotería genética y las otras serpientes dobles enrolladas. Esta es la imagen del éxito que Mark aspira, y él se acerca muy cerca.
17. Nickel Boys (2024)
En este trabajo, a menudo puedes ver una variedad de películas excelentes y excepcionales. Sin embargo, es raro encontrar una película que se sienta fresca e innovadora, una que explora territorios desconocidos dentro de su medio. Pero entonces, de vez en cuando, aparece una gema como “Nickel Boys”. Esta no es solo una película original, sino audaz, con una perspectiva única, o en este caso, duales perspectivas.
Esto es así porque el compañero de escritor y director, Ramell Ross, adoptó un enfoque atrevido al disparar la mayor parte de su adaptación de la novela ganadora del Premio Pulitzer de Colson Whitehead a través de tomas de punto de vista de los ojos de sus dos personajes principales. El extraordinario trabajo de cámara POV de Ross y el director de fotografía Jomo Fray sumerge al espectador en los pensamientos y experiencias de dos jóvenes que soportan una dura escuela de reforma de Florida en la década de 1960. (Todavía no puedo comprender por qué Fray no fue nominada para un Oscar a la Mejor Cinematografía). Maldición, esta técnica podría convertirse en un truco molesto. Pero bajo la guía de Ross, realmente sientes que has experimentado el mundo desde una nueva perspectiva. Y tal vez, vislumbró el futuro del cine también.
16. Vidas pasadas (2023)
En una mezcla conmovedora de belleza y tristeza, este drama cautivador profundiza en las influencias invisibles que guían nuestras vidas, ya sea el destino, el destino o lo que llamaré inyun , las fuerzas que nos unen pero nos separan, al igual que las atracciones magnéticas sujetas a las reglas inquebrantables de la física. La narración gira en torno a dos personajes: Nora (Greta Lee), un escritor, y Hae Sung (Teo Yoo), un ingeniero. A pesar de su incapacidad para mantener una relación duradera, están sujetos a una intensa conexión que evita que se separen. Sus caminos se cruzan en varias etapas de la vida, como niños, estudiantes universitarios y adultos, con el mundo a su alrededor en constante evolución, pero su vínculo central perdura. En este tercer encuentro, Nora está casada con un estadounidense llamado Arthur (John Magaro). Surge la pregunta: ¿Nora seguirá siendo leal a su esposo o se encontrará en los brazos de Hae Sung? La conclusión desgarradora de este sutil triángulo amoroso te deja reflexionando sobre las coyunturas y decisiones críticas que han moldeado tu propia vida, incluso cuando su importancia solo se hace evidente en retrospectiva.
15. Boyhood (2014)
En el transcurso de doce años, he tenido el privilegio de seguir a un niño (Ellar Coltrane), su madre (Patricia Arquette) y su hermana (Lorelei Linklater) a través de sus vidas, según lo indicado por Richard Linklater. Algunos pueden ver esta película como un truco autobiográfico por Linklater, pero el resultado está lejos de ser trivial. Presenta una fascinante instantánea, o más bien, una serie de instantáneas, de la vida estadounidense a principios del siglo XXI, capturando el amor, las dificultades y los sacrificios de una familia extraordinaria. El tiempo es esencial para todas las películas, pero Boyhood tiene un vínculo distintivo con él. La progresión de los actores a lo largo de la película agrega una capa adicional de profundidad emocional a ciertas escenas e intensifica la conmoción en otras. Cuando Arquette entrega su discurso de cierre sobre sus experiencias de vida, habla de un pozo de dolor y alegría de la vida real acumuladas durante una docena de años. Como Roger Ebert dijo una vez: “Vivimos dentro de una caja de espacio y tiempo, y las películas son ventanas en sus paredes”. Creo que Boyhood ofrece algunas de las ventanas más amplias hasta ahora.
14. Atrápame si puedes (2002)
En una mezcla única, “Atrapame si puedes” se siente como una de las producciones más deliciosamente frívolas de Steven Spielberg y su examen más introspectivo de la soledad y la familia. La película cuenta con un elenco de un conjunto excepcional: Leonardo DiCaprio retrata al brillante estafador Frank Abagnale Jr., Christopher Walken asume el papel de su padre luchador, Jennifer Garner y Amy Adams interpretan dos de los intereses románticos de Frank Jr. y Tom Hanks asume la parte del tenaz y teniente agente FBI FBI Carl Hanratty.
El juego de gato y ratón entre Hanratty y Frank, marcado por las evasiones y disfraces creativos de este último, es a la vez emocionante y conmovedor. Ambos personajes están tan aislados que su implacable persecución se convierte en la única constante en sus vidas, simbolizada por sus llamadas telefónicas anuales de Navidad. (En particular, “Atrapame si puedes” podrías ser la película de Navidad más melancólica ya que “es una vida maravillosa”). Si no encuentras esta película entrañable, tengo una broma de golpe para ti.
13. Mad Max: Fury Road (2015)
La película “Mad Max: Fury Road” se destaca como la película de persecución de automóviles más excepcional de nuestro tiempo, un hecho que es difícil de negar. Sin embargo, lo que hace que esta película sea realmente única es su profundo matices espirituales e incluso bíblicos. Es esencialmente un viaje de las ciudades condenadas de Sodoma y Gomorra en busca de un nuevo paraíso. Este viaje está dirigido por el legendario Imperator Furiosa, interpretado por Charlize Theron, con el enigmático Max de Tom Hardy sirviendo como su guía a través del desierto. Si bien Max los ayuda a encontrar seguridad, no puede compartir su destino final. El impresionante caos de George Miller demuestra que las películas de acción pueden ser emocionantes e inteligentes. Si alguien intenta persuadirlo de otra manera, simplemente mírelos directamente a los ojos y diga: “Eso es absurdo.
12. asesinos de la luna de la flor (2023)
Martin Scorsese, que ahora tiene más de 80 años, continúa desafiándose a sí mismo y a sus espectadores, provocando actuaciones notables de los actores y profundizando en temas recurrentes que han adornado muchas de sus mejores películas: la naturaleza encea y destructiva de la riqueza, y las sombras de la oscuridad y la tragedia oculta dentro de la historia estadounidense. El escenario para esta exploración es el “reinado del terror” que se cobró la vida de numerosos miembros de la nación de Osage en la década de 1920, siguiendo su control de las tierras ricas en petróleo en Oklahoma, lo que los convirtió en un objetivo para sus vecinos blancos, incluido uno (Mollie Mollie de Leonardo DiCaprio) Parece que me encuentro escribiendo esto con cada nueva película Scorsese en estos días, pero puede ser más preciso para asesinos de la luna de la flor que cualquier otra; si esta demuestra ser su última película, serviría como un final apropiado y rotundo para una carrera extraordinaria.
11. Boogie Nights (1997)
La película de Paul Thomas Anderson navega a través de la era vibrante, cómica y desgarradora de la industria porno del sur de California de los años 70 con una gracia sin esfuerzo, que recuerda a Heather Graham patinando sin problemas. La película presenta un conjunto cautivador de personajes, como Burt Reynolds, interpretando a una directora porno fallida, y Julianne Moore, que retrata las olas Amber, un cuidador problemático enganchado a las drogas. No es descabellado suponer que el nombre del personaje no es coincidente; Anderson está profundizando en más de estas personas: está examinando a Estados Unidos en todo su esplendor (y aspectos sexualmente activos, melancólicos y llenos de drogas) a fines de la década de 1970.
10. The Matrix (1999)
Una de las ventajas únicas de envejecer es poder observar cómo las películas mantienen su atractivo con el tiempo. Vi la matriz durante su lanzamiento inicial con expectativas mínimas, pero fue una experiencia estimulante que todavía recuerdo vívidamente: el teatro, el auditorio específico en el multiplex e incluso mi asiento. Las vistas previas parecían prometedoras, pero la película en sí superó esas expectativas, cautivadores y entreteniéndome.
Veinte años después, continúa impresionando. Mi único reparto con esta película: no es una opción adecuada para jugar en segundo plano mientras intenta completar el trabajo, ya que te encontrarás atraído repetidamente para ver la matriz una vez más.
9. La campana de buceo y la mariposa (2007)
2007 vio una gran cantidad de películas excepcionales, pero entre ellas, una película tiene un significado único en mi corazón: “The Diving Bell & the Butterfly”, dirigida por Julian Schnabel. Esta película fue una adaptación de las memorias de Jean-Dominique Bauby, que narra su lucha con el síndrome cerrado. La narrativa de Bauby, y la representación de Schnabel del mensaje para vivir la vida plenamente, me dejaron un profundo impacto en mí que sigue siendo inolvidable. Cuando salí del teatro, me inspiró al instante para proponerle a mi novia, una decisión que nunca me arrepiento, ya que condujo a más de 15 años y a dos hermosos niños juntos. Volviendo a verlo recientemente, puedo dar fe de que su impacto no ha disminuido ni un poco.
8. The Truman Show (1998)
Es muy posible que nuestras vidas sean solo parte de una realidad virtual. Si no lo son, entonces el show de Truman parece haber previsto todo sobre nuestro mundo moderno, caracterizado por la invasión de privacidad, la colocación del producto, la ansiedad creciente y una abrumadora sensación de artificialidad, de una manera que parece inverosímil. Además, aunque esta película gira principalmente en torno a un hombre que vive dentro de un reality show masivo, las experiencias de su protagonista durante la primera mitad pueden verse como una representación perspicaz de una crisis de mediana edad, que encapsulan la sensación de cuestionar repentinamente, “¿Es esta mi vida genuina?!” a los 40 años.
7. Zodiac (2007)
La película de David Fincher, “Zodiac”, profundiza más que solo retratar a los asesinos en serie; Sirve como una crónica que abarca varias décadas de la historia de San Francisco, contada desde las perspectivas de tres hombres: un detective (Mark Ruffalo), que se dice que inspiró la película “Bullitt”, un reportero del crimen para el Crónico (Robert Downey Jr.), cuyos artículos lo convirtieron en un Zodiac Target de Zodiac, y un Breakbreak y Sleuth (Jake Gylylen de Robert). Graysmith se obsesiona con el caso incluso después de que cesan los asesinatos, que es un tema que “Zodiac” explora magistralmente de manera más efectiva que la mayoría de las películas. Fincher sumerge hábilmente a los espectadores en esta intrincada red de pistas y engaño utilizando técnicas excepcionales de cinematografía y edición. En la escena final de la película, que se remonta a sus primeros momentos después de 157 minutos de suspenso, cada espectador puede empatizar con la fijación inquebrantable de Robert Graysmith en el caso.
6. Inside Llewyn Davis (2013)
Visto desde una perspectiva particular, todas las películas Joel y Ethan Coen han producido en colaboración pueden verse como duetos. “Inside Llewyn Davis” sirve como su dueto sobre el tema de los duetos. Anteriormente, elaboré que esta película no es solo una representación de la escena musical popular de Nueva York a principios de la década de 1960, sino que también explora la cadena de pequeñas tragedias que afectan a un músico talentoso (interpretado por Oscar Isaac, que marca su innovador papel) después de la fallecimiento de su pareja. Parece apropiado que, aunque la voz y la guitarra de Llewyn sean cautivadores, su canción más hermosa es “Fare thee bien”. Esta melodía pierde su encanto cuando se toca en solitario.
5. Lady Bird (2017)
La película de Greta Gerwig, “Lady Bird”, se centra en varios pares de elementos contrastantes: la protagonista conlleva dos nombres, tiene dos intereses románticos a lo largo de la historia y mantiene relaciones con dos mejores amigos. La narración se desarrolla en dos términos escolares, cada uno marcado por su juego escolar único. Hay dos bailes, dos fiestas, dos dinámicas familiares significativas, y ella considera aplicaciones para dos universidades diferentes mientras asisten regularmente a dos iglesias. Esta multitud de opciones hace de “Lady Bird” una película profundamente estimulante sobre la elección, las opciones que, a la edad del protagonista, parecen decisiones que alteran la vida. En muchos sentidos, lo son.
4. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
No puedo recordar la ubicación o la fecha exacta, primero vi Eternal Sunshine . Esta película fue lanzada hace unos 20 años, durante mi tiempo de vida y estudiando en la ciudad de Nueva York. Lamentablemente, el recuerdo de esa proyección se ha desvanecido como lo hacen muchos recuerdos a medida que pasan los años. Sin embargo, esto me hace valorar la película más ahora que en 2004. La razón es simple: Sunshine de The Spotless Mind explora una premisa de ciencia ficción (una pareja que borra sus recuerdos entre sí debido a una nueva tecnología, lo que resulta en consecuencias trágicas) para contemplar los efectos de la pérdida de memoria natural. Las actuaciones de Jim Carrey y Kate Winslet se encuentran entre las mejores en la historia del cine, ya que su relación condenada resuena con los espectadores porque cada relación finalmente sigue el mismo camino; Como una casa de playa que se erosiona al mar.
3. Película estadounidense (1999)
En este documental alegre pero conmovedor, los aspirantes al cineasta Mark Borchardt los esfuerzos persistentes para realizar su proyecto de sueño de larga data ofrecen una representación profunda y melancólica de aspiraciones no realizadas. A pesar de sus elocuentes expresiones sobre la necesidad de la creación, nunca logra completamente todo lo que apunta. La película, titulada American Movie , no es solo un estudio fascinante de la amistad, sino que también muestra la dependencia de Mark en su compañero Mike en la producción de sus películas de bajo presupuesto. Es un reloj entretenido cuando eres joven, pero profundamente desgarrador cuando eres mayor. Sin lugar a dudas, se ubica entre las películas estadounidenses más memorables de los últimos tiempos.
2. Toma refugio (2011)
Para alguien que ha sufrido un número excesivo de ataques de pánico, afirmo de todo corazón que la película “ Take Shelter ” se encuentra entre los mejores producidos en el tema de la vida con ansiedad. El personaje Curtis LaForche, retratado brillantemente por Michael Shannon, es un hombre de familia con una esposa e hija amorosa. Sin embargo, está perseguido por sueños terroríficos de tormentas catastróficas y una sensación inquebrantable de que el desastre es inminente. Entregando una actuación excepcional junto a Jessica Chastain como su cónyuge, “ Take Shelter ” retrata vívidamente el círculo vicioso del miedo con la sorprendente autenticidad. Curtis teme que pueda estar al borde de un colapso, ya que la enfermedad mental tiene una historia en su familia, lo que solo intensifica su ansiedad, causándole una angustia aún mayor. Si bien muchos pueden etiquetar la conclusión de la película como ambigua, la veo como inevitable, ya que reconoce que este tipo de ansiedad no puede ser conquistado. Tampoco puede detenerse construyendo barreras físicas o metafóricas para salvaguardar lo que apreciamos. Simplemente puede ser comprendido y, con la ayuda de amigos y seres queridos, administrado.
1. Once Upon A Time in Hollywood (2019)
Como un cinefile devoto, me encontré sentado en Musso & Frank Grill junto a Rick Dalton y Cliff Booth, con el productor Marvin Schwarz proponiendo un papel en los occidentales italianos para Rick. La propuesta dejó que Rick se destrozó, convencido de que había pasado su mejor momento. Al salir del restaurante, el peso de su desesperación lo golpeó con fuerza, las lágrimas corriendo por su rostro. Quentin Tarantino colocó magistralmente la cámara baja, ascendiendo para revelar el imponente letrero de Musso & Frank Grill sobre ellos, su mensaje Stark: “Más antiguo de Hollywood”. En ese instante, Rick parecía una reliquia de una época pasada, y aunque le quedaban unos buenos años, se sintió como si su tiempo se estuviera agotando. “Once Upon A Time in Hollywood” de Tarantino es una película excepcional, llena de detalles brillantes como esta conmovedora escena. Sirve no solo como una representación vívida de una época turbulenta en Estados Unidos (y la cultura pop), sino también como un homenaje sincero a una forma de arte que pronto también podría desvanecerse.
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2025-07-15 17:36