Siempre he creído que no existe un único camino hacia el éxito en Hollywood, pero durante años una estrategia realmente sólida ha sido crear un cortometraje. Luego lo presentas en festivales de cine y lo único que esperas es que la persona adecuada (alguien con los fondos o la influencia para ayudar) vea tu trabajo y quiera ayudarte a expandirlo hasta convertirlo en un largometraje. Es una apuesta, pero ha funcionado para mucha gente a la que admiro.
Aquí hay 20 ejemplos: Los siguientes cortometrajes inspiraron algunas películas muy populares e incluso ayudaron a lanzar las carreras de directores como Paul Thomas Anderson, Sam Raimi y George Lucas. (Quizás conozcas a Lucas; más tarde produjo *Howard the Duck*!) Ten en cuenta que, si bien estos se consideran “cortos”, algunos duran casi 40 minutos.
The Babadook (2014) Basado en “Monster” (2005)
Antes de dirigir la aclamada película de terror *The Babadook*, Jennifer Kent hizo un cortometraje llamado “Monster” casi diez años antes. Si bien es mucho más breve (sólo diez minutos y está filmado en blanco y negro), comparte un tema similar: una madre y su hijo están preocupados por un monstruo imaginario. La propia Kent se refirió a él en broma como “Baby Babadook”, lo que despierta la idea de una posible historia previa.
Boogie Nights (1997) Basado en “La historia de Dirk Diggler” (1988)
Nunca olvidaré cuando me topé con la edición especial en DVD de *Boogie Nights* en la universidad. El comentario reveló algo fascinante: Paul Thomas Anderson en realidad *comenzó* con un cortometraje llamado “The Dirk Diggler Story” – esencialmente la misma trama, sólo que condensada y con un elenco menos reconocible. Es genial ver a los dos protagonistas de esa breve ventana emergente en *Boogie Nights*: Robert Ridgely, quien interpretó al primer Jack Horner, es el Coronel, y Michael Stein, el Dirk Diggler original, aparece como uno de los clientes en la tienda de Don Cheadle. Aparentemente, Anderson estructuró el corto como un falso documental en parte porque la inspiración de la vida real de Dirk Diggler, John Holmes, ya tenía su propio documental, llamado *Exhausted*.
Distrito 9 (2009) Basado en “Alive in Joberg” (2005)
La película *District 9* está basada en gran medida en el cortometraje anterior del director Neill Blomkamp, ”Alive in Joburg”. Comparte la misma ubicación, idea básica e incluso presenta a algunos de los mismos actores, en particular Sharlto Copley. A pesar de durar solo seis minutos y realizarse con fondos limitados, el cortometraje está notablemente bien hecho, con imágenes y alcance impresionantes; definitivamente me habría convencido de financiar el primer largometraje de ciencia ficción de Blomkamp.
The Evil Dead (1981)Basado en “In the Woods” (1978)
¿Crees que *The Evil Dead* se hizo con un presupuesto reducido? ¡Déjame decirte que aún no has visto *nada*! Antes de *Evil Dead*, Sam Raimi y sus amigos, incluido un joven Bruce Campbell, literalmente juntaron unos cientos de dólares para hacer un cortometraje llamado “Within the Woods”. Se trataba de un par de parejas aterrorizadas por fuerzas del mal en una cabaña; suena mucho a *Evil Dead*, ¿verdad? Lo hicieron como prueba de concepto, con la esperanza de atraer inversores. ¡Y funcionó! “Within the Woods” no fue perfecto, pero consiguió la financiación para *The Evil Dead*.
Frankenweenie (2012)Basado en “Frankenweenie” (1984)
La principal diferencia entre el largometraje *Frankenweenie* y el cortometraje original son los actores. El corto de Tim Burton, realizado cuando era animador en Disney a principios de la década de 1980, utilizó actores reales, mientras que el largometraje utiliza títeres stop-motion. Ambas versiones comparten un estilo similar, con imágenes en blanco y negro, un trabajo de cámara dramático y una iluminación que recuerda a las películas de terror clásicas.
Hard Eight (1996) Basado en “Cigarrillos y café” (1993)
Si está familiarizado con la película debut de Paul Thomas Anderson, *Hard Eight*, notará similitudes en “Cigarettes & Coffee”. Ambas películas comparten personajes y presentan a Philip Baker Hall como un jugador mayor. Después de proyectar el cortometraje en Sundance, Anderson fue invitado al Instituto Sundance para desarrollarlo en un guión titulado inicialmente *Sydney* (luego tuvo que cambiar el nombre). Si bien la historia de “Cigarettes & Coffee” no es exactamente la misma que la de la película terminada, es posible que el final de la versión corta te resulte inesperado.
Lights Out (2016)Basado en “Lights Out” (2013)
Es común que los directores de terror exitosos, como Sam Raimi, expandan sus cortometrajes a largometrajes, y muchos otros han seguido su ejemplo. El cineasta David F. Sandberg creó varias películas de bajo presupuesto para YouTube con la esperanza de captar la atención de la industria cinematográfica. Su cortometraje de 2013, “Lights Out”, una historia sobre un monstruo que solo aparece en la oscuridad, se volvió increíblemente popular en línea, lo que llevó a la creación de una película de larga duración basada en el concepto original.
Machete (2010)Basado en “Machete” (2007)
Robert Rodríguez y Quentin Tarantino se unieron para un proyecto especial llamado *Grindhouse*, que incluía una película de cada uno de ellos, junto con una serie de trailers falsos que hicieron con amigos. Algunos de esos trailers fueron tan populares que se convirtieron en películas reales, comenzando con *Machete* de Rodríguez, una película de acción salvaje sobre un ex agente federal mexicano que busca venganza. A *Machete* le fue lo suficientemente bien como para obtener una secuela, *Machete Kills*, lanzada en 2013, que incluso incluía avances de *otra* secuela, *Machete Kills Again… In Space*. Desafortunadamente, esa tercera película aún no se ha hecho.
Mamá (2013)Basado en “Mamá” (2008)
Este cortometraje, *Mama*, ayudó a lanzar la carrera del director Andy Muschietti, quien luego dirigió las películas *It*, una serie de televisión *It* y *The Flash*. El cortometraje llamó la atención de Guillermo del Toro, quien presentó el clip de YouTube y luego se convirtió en productor ejecutivo del largometraje *Mama*.
Marcel the Shell With Shoes On (2021) Basado en “Marcel the Shell With Shoes On” (2010)
Es apropiado que la película nominada al Oscar *Marcel the Shell With Shoes On* comenzara como un proyecto casero muy pequeño. El director Dean Fleischer Camp creó originalmente tres vídeos cortos de Marcel a lo largo de cinco años, que finalmente dieron lugar a la película completa de 90 minutos.
Martha Marcy May Marlene (2011)Basado en “María vista por última vez” (2010)
Sean Durkin, escritor y director, creó el cortometraje “Mary Last Seen” mientras desarrollaba y conseguía financiación para su película independiente, *Martha Marcy May Marlene*. Ambas películas exploran el tema de los cultos religiosos y protagonizan a Brady Corbet como un cautivador miembro de una secta. Sin embargo, *Martha Marcy May Marlene* no es una nueva versión de “Mary Last Seen”, es más bien una continuación de la historia. Mientras que el largometraje se centra en una mujer que intenta abandonar una secta dañina, “Mary Last Seen” muestra a una mujer que se une inicialmente a ella.
Napoleón Dinamita (2004)Basado en “Peluca” (2002)
Aunque el personaje tiene un nombre diferente, la figura central de la primera película estudiantil de Jared Hess, “Peluca”, es claramente el mismo adolescente peculiar que más tarde se haría famoso en *Napoleon Dynamite* (ambos papeles son interpretados por Jon Heder). En el cortometraje, Seth es acosado en la escuela y luego va a una tienda con sus amigos Pedro y Giel para comprar un billete de lotería. Usan sus ganancias para comprarle una peluca a Giel, ya que recientemente se afeitó la cabeza. (La palabra española “peluca” significa peluca). Si bien el corto no parece el comienzo de un fenómeno de comedia, definitivamente tiene un estilo único y memorable.
Píxeles (2015) Basado en “Píxeles” (2010)
El cortometraje “Pixels” parecía más una muestra de efectos especiales que una historia completa. Es visualmente impresionante y presenta personajes de videojuegos clásicos como Pac-Man y Space Invaders atacando la ciudad de Nueva York. El corto no se molesta en explicar *por qué* sucede esto; con solo dos minutos de duración, no es necesario. El largometraje, sin embargo, necesitaba una trama que justificara las geniales imágenes. Creó un escenario en el que los extraterrestres invaden la Tierra utilizando versiones gigantes de personajes de Atari y Nintendo, y sólo un experto en videojuegos (interpretado por Adam Sandler) puede salvar el mundo.
Corto Plazo 12 (2013) Basado en “Corto Plazo 12” (2009)
La película de Destin Daniel Cretton *Short Term 12* se basa en gran medida en sus experiencias personales trabajando en un hogar grupal para adolescentes. Su cortometraje inicial sobre el mismo tema presentaba un personaje basado en él mismo. Al ampliar la historia a un largometraje, cambió el género del personaje principal y eligió a Brie Larson, quien logró un amplio reconocimiento con el papel.
Sling Blade (1996) Basado en “Algunas personas lo llaman Sling Blade” (1994)
A mediados de la década de 1990, Billy Bob Thornton y su película aclamada por la crítica *Sling Blade*, que le valió un Oscar al Mejor Guión Adaptado, se volvieron increíblemente populares. Esto llevó al lanzamiento del cortometraje original que lo inspiró, “Some Folks Call It a Sling Blade”, en VHS. Sorprendentemente, ¡este corto de 29 minutos incluso estaba disponible para alquilar en Blockbuster! Recuerdo haberlo visto cuando era niño y la portada era un poco engañosa: “SLING BLADE” estaba en letras grandes, mientras que “Some Folks Call It a” era pequeño y difícil de leer. Me pregunto cuántas personas alquilaron el corto pensando que era el largometraje.
Sonríe (2022)Basado en “Laura no ha dormido” (2020)
El cortometraje *Laura no ha dormido* comparte un origen similar con *Martha Marcy May Marlene*; sirve como una historia de fondo para el largometraje *Smile* en lugar de una adaptación directa. El corto se centra en Laura (Caitlin Stasey), atormentada por visiones aterradoras de una criatura con una sonrisa inquietante. En *Smile*, Caitlin Stasey retoma su papel de Laura, ahora una paciente que se suicida en un hospital y, sin saberlo, transmite la aterradora maldición (la Entidad sonriente) a su terapeuta.
Este es el fin (2013) Basado en “Jay y Seth versus el Apocalipsis” (2007)
El año en que Seth Rogen saltó a la fama con la película *Knocked Up*, también protagonizó un cortometraje con su coprotagonista *Undeclared*, Jay Baruchel. Este corto exploró cómo las tensiones entre compañeros de cuarto empeoran cuando el mundo se acaba. Unos años más tarde, Rogen y Evan Goldberg ampliaron esta idea a una comedia de ciencia ficción de larga duración. En la película, Rogen, Baruchel y otras estrellas de la comedia en ascenso interpretan versiones exageradas de sí mismos: celebridades mimadas que no están preparadas en absoluto para el apocalipsis. Si bien el cortometraje fue un concepto simple e inteligente, la película maximiza exitosamente el humor dentro de esa premisa.
THX 1138 (1971) Basado en “Laberinto electrónico: THX 1138 4EB” (1967)
Lo interesante de la película *THX 1138* es que su título en realidad fue una abreviación del cortometraje original de George Lucas, que se llamaba “Electronic Labyrinth: THX 1138 4EB”. ¡Es todo un bocado! Lucas creó el corto mientras era estudiante en la Escuela de Cine de la USC. Posteriormente, colaboró con Francis Ford Coppola, quien realizó *THX* la primera película producida bajo un nuevo acuerdo entre la compañía de Coppola, American Zoetrope, y Warner Bros.
12 monos (1995)Basado en “La Jetee” (1962)
Incluso antes de que inspirara la película de Terry Gilliam *12 Monkeys*, *La Jetée* de Chris Marker era un cortometraje célebre. Ambas obras presentan a un hombre de un futuro devastado que viaja al pasado para intentar detener la guerra que destruyó el mundo. Sin embargo, mientras que la versión de Gilliam utiliza actores famosos y efectos elaborados, la película de Marker se cuenta de forma única a través de una secuencia de imágenes fijas y narración. Es un cortometraje poco común que se incluye en la Colección Criterion y comparte disco con el otro trabajo de Marker, *Sans Soleil*.
Lo que hacemos en las sombras (2014) Basado en “Lo que hacemos en las sombras: entrevistas con algunos vampiros” (2005)
Taika Waititi y Jemaine Clement crearon el cortometraje original “What We Do in the Shadows” con sólo 200 dólares. Teniendo en cuenta que ahora es una película exitosa, un programa de televisión de seis temporadas en FX e incluso inspiró una serie derivada llamada “Wellington Paranormal”, ¡esos $200 tienen que ser una de las inversiones más inteligentes jamás realizadas en cine y televisión!
Las 40 mejores películas de los últimos 40 años (1985-2024)
40. El fugitivo (1993)
Al compilar listas de grandes películas, es fácil pasar por alto películas puramente divertidas que puedes ver repetidamente simplemente por diversión, especialmente si no tratan de ideas profundas o complejas. Sin embargo, *El fugitivo* hace aparentemente sin esfuerzo lo que en realidad es un género muy desafiante: el thriller de persecuciones a gran escala. La película combina de manera experta un misterio apasionante, acción emocionante y actuaciones sobresalientes, en particular la de Tommy Lee Jones como el implacable mariscal estadounidense Sam Gerard. Su capacidad de volver a verse proviene de un nivel poco común de habilidad y atención al detalle en su realización cinematográfica, algo aún más poco común hoy que en 1993.
39. Santos motores (2012)
*Holy Motors* de Leos Carax se siente como el sueño más increíble que puedas experimentar mientras estás despierto. Es un tributo tremendamente imaginativo y extrañamente conmovedor al cine, la actuación y la vida misma, lo que sugiere que todos están profundamente conectados. Denis Lavant ofrece once interpretaciones fantásticas como Oscar, un hombre que conduce por París en una limusina y se transforma constantemente en diferentes personajes, como un artista de captura de movimiento, un criminal y un vagabundo. Si bien nunca entendemos completamente lo que *hace* Oscar, la película demuestra poderosamente la maravilla perdurable y las posibilidades no realizadas del cine, especialmente en un momento en el que la forma en que vemos películas está cambiando rápidamente.
38. Duro (1992)
*Hard Boiled* de John Woo comienza con una imagen sorprendentemente simple: alguien preparando una bebida. Tequila, refresco, una mezcla rápida… y luego el vaso se cae. Es un comienzo brillante, porque resume perfectamente de qué se trata toda la película. Woo es famoso por sus palomas, pero esta pequeña escena trata sobre algo completamente distinto: la energía explosiva que ocurre cuando dos fuerzas muy diferentes chocan. Chow Yun-Fat y Tony Leung son actores fantásticos por sí solos, pero ¿cuándo los juntas en esta película? *Auge*. Pura magia cinematográfica. Se trata de la reacción, el poder inesperado de su presencia combinada.
37. Matiné (1993)
*Matinee* de Joe Dante no es sólo un viaje nostálgico; Examina inteligentemente la diferencia entre el miedo genuino y las emociones baratas que ofrecen cineastas de bajo presupuesto como Lawrence Woolsey (interpretado por John Goodman). Es sorprendente lo reveladora que puede ser una película sobre un productor cursi.
La cálida mirada retrospectiva de la película a las películas de serie B de los años 60 se equilibra con la comprensión de que el mundo, entonces y ahora, puede ser un lugar difícil. La historia se centra en Gene (Simon Fenton), un adolescente que vive con su madre y su hermano en una base militar mientras su padre está en el mar durante la Crisis de los Misiles en Cuba. Gene suele cuidar de su hermano menor, Dennis (Jesse Lee), mientras su madre (Lucinda Jenney) lucha por sobrellevar la situación. Debido al trabajo de su padre, la familia se muda con frecuencia, lo que hace que los hermanos se sientan extraños. El cine se convierte en su refugio seguro y fuente de alegría en medio de toda la agitación.
36. Regreso al futuro (1985)
Todo el mundo se ha preguntado cómo eran sus padres cuando eran adolescentes, y *Regreso al futuro* utiliza brillantemente esa idea como base para una historia verdaderamente inteligente. Cuando el holgazán Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, viaja al año 1955 en un DeLorean que viaja en el tiempo creado por su excéntrico amigo científico, interfiere accidentalmente con el primer encuentro de sus padres. ¡Ahora tiene que arreglar las cosas para asegurarse de nacer! Con su humor, personajes extravagantes, imágenes fantásticas y una edición trepidante, *Regreso al futuro* es un ejemplo casi perfecto del cine de gran éxito de los años 80.
35. Jackie Brown (1997)
Lo que realmente aprecio de *Jackie Brown* es lo identificables que son los personajes. No son glamorosos ni demasiado poderosos; son simplemente personas comunes y corrientes con defectos. Por ejemplo, el asesino a sueldo Max Cherry es un poco desordenado y Jackie Brown no es un cerebro criminal natural. ¡Incluso Louis Gara tiene problemas cotidianos como olvidar dónde estacionó! Creo que algunas de las otras películas de Tarantino, aunque excelentes, podrían beneficiarse del mismo nivel de realismo. Cuando *Jackie Brown* salió por primera vez, algunos espectadores esperaban algo tan llamativo como *Pulp Fiction*, pero el enfoque más sutil de la película es en realidad perfecto. Los créditos iniciales establecen hábilmente el personaje de Jackie sin que ella diga una palabra, y escenas como la de Ordell y Beaumont están brillantemente realizadas. Y el final presenta un beso verdaderamente memorable, no porque sea demasiado apasionado, sino porque se siente real e imperfecto.
34. Los Fabelman (2022)
Lo que hace que *Los Fabelman* sea tan cautivador es la claridad con la que se trasluce el amor de toda la vida de Steven Spielberg por el cine. Incluso décadas después de los acontecimientos descritos, todavía se acerca al cine con el mismo asombro que el joven Sammy Fabelman, el niño que vio *El espectáculo más grande del mundo* y decidió recrearlo en casa. Spielberg se ha convertido en un maestro narrador y ha aprendido a utilizar imágenes y sonidos para evocar una amplia gama de emociones. Pero nunca ha olvidado *por qué* hace películas en primer lugar.
*Los Fabelman* es la historia personal de Spielberg, que explora las alegrías y luchas tanto del cine como de la vida. Para Sammy, el cine se convierte en una forma de afrontar sus miedos y su soledad, aunque a veces le lleva a un mayor aislamiento. Su pasión por la dirección le permite conectarse con su creativa madre (bellamente interpretada por Michelle Williams), pero también corre el riesgo de revelar un doloroso secreto familiar. Ahora, años después, le ha dado a Spielberg los medios para contar esta historia profundamente conmovedora, una historia llena de vida, amor, alegría y tristeza, como todas las mejores películas.
33. Barb y Star van a Vista Del Mar (2021)
Kristen Wiig y Annie Mumolo, las creadoras de *Bridesmaids*, se reunieron para otra divertida comedia, *Barb and Star Go to Vista Del Mar*. Interpretan a dos mejores amigos que pierden su trabajo en una tienda de muebles en Nebraska y deciden gastar su indemnización en un viaje a Florida. Mientras están allí, ambos se enamoran de un hombre encantador (Jamie Dornan, burlándose juguetonamente de su buena apariencia) que secretamente es parte de un plan ridículo para destruir la ciudad con mosquitos genéticamente modificados. Wiig y Mumolo son fantásticos y ofrecen frases ingeniosas sobre todo, desde la ropa hasta el nombre de Trish, y la película está llena de momentos citables. En un momento difícil, *Barb and Star* llegó como un escape brillante y resplandeciente: una dosis muy necesaria de alegría y tontería.
32. De adentro hacia afuera (2015)
Incluso antes de convertirse en el líder creativo de Pixar, Pete Docter era conocido como una mente brillante en el estudio. Contribuyó como escritor a películas queridas como *Toy Story*, *Toy Story 2* y *WALL-E*, y dirigió tres de las películas más aclamadas de Pixar: *Monsters, Inc.*, *Up* e *Inside Out*. *Inside Out* es una historia notablemente creativa que explora el mundo interior de una niña de 11 años llamada Riley. Cuando Riley se muda de Minnesota a San Francisco, su vida se ve alterada, lo que genera un conflicto entre las emociones personificadas en su cerebro. La descripción que hace la película de la mente de Riley es visualmente impresionante y constantemente atractiva. Pero más allá de su diseño imaginativo, *Inside Out* es una película profundamente reveladora sobre el papel crucial de la tristeza y el dolor en nuestras vidas.
31. El rey de Kong: Un puñado de monedas de veinticinco centavos (2007)
El clásico juego de arcade *Donkey Kong* es un reflejo sorprendentemente preciso de la vida. Es increíblemente desafiante, a menudo injusto y el éxito a menudo parece una cuestión de suerte. Es posible que de vez en cuando triunfes, pero con la misma facilidad serás derrotado inesperadamente. Incluso lograr la puntuación más alta posible no ofrece una victoria duradera; en última instancia, el fracaso es inevitable. Y, a veces, la vida presenta obstáculos extraños, como un intrigante empresario de salsa picante con un peinado cuestionable.
Esencialmente, *The King of Kong* no es sólo un documental sobre el competitivo *Donkey Kong*; Es una película sobre la condición humana.
30. Recuerdo (2000)
No descartes *Memento* como un simple truco inteligente. Si bien es cierto que la película tiene una estructura muy compleja, posiblemente una de las más complicadas jamás realizadas, la forma en que se entrelazan las líneas de tiempo no es solo para mostrar. Esta desorientadora experiencia te sitúa dentro de la mente de Leonard Shelby (Guy Pearce), el héroe de la película, que sufre una rara forma de amnesia que le impide formar nuevos recuerdos.
A pesar de su condición, Leonard está decidido a encontrar al asesino de su esposa. La película comienza mostrándolo aparentemente teniendo éxito, luego desentraña los eventos que condujeron a ese momento. *Memento* rápidamente estableció a Christopher Nolan como un director prometedor, pero el enfoque de la película no es ser “cool”; Leonard es un personaje profundamente trágico, motivado por el deseo muy humano de sentir que su vida tiene sentido. Si bien Nolan continuó experimentando con la estructura cinematográfica y explorando temas similares en sus trabajos posteriores, dejó atrás en gran medida el humor negro presente en *Memento*, como la escena de persecución en la que Leonard no está seguro de si es el cazador o el perseguido, o el nombre irónico de su hotel, el “Discount Inn”, en referencia a cómo constantemente descarta la historia de un hombre con una condición similar.
29. LA Confidencial (1997)
¿Cuántas capas de revisitar el pasado tiene *L.A. ¿Confidencial* tiene? La película está ambientada en la década de 1950, se hace eco intencionalmente del estilo del clásico de la década de 1970 *Chinatown* y se estrenó a finales de la década de 1990, una época en la que todavía eran posibles dramas criminales costosos y a gran escala con actores en su mayoría desconocidos (solo Kevin Spacey y Kim Basinger ya eran conocidos). Al igual que la novela de James Ellroy en la que se basa, *L.A. Confidential* expone el mito de la década de 1950 como una era más simple e inocente en Los Ángeles. Como señala un personaje, esa es la imagen que nos vendieron a todos, mientras que la historia real estuvo oculta hasta que Ellroy y el director Curtis Hanson la sacaron a la luz.
28. El prestigio (2006)
*The Prestige* de Christopher Nolan es una obra maestra donde su estilo característico (líneas de tiempo complejas, giros inesperados y temas recurrentes como héroes defectuosos y pérdidas) se combinan de manera brillante. La película sigue a dos magos que compiten en el Londres victoriano, interpretados por Christian Bale y Hugh Jackman, cuya rivalidad conduce a una innovación increíble y a consecuencias mortales. *The Prestige* es una historia dentro de una historia, que explora los sacrificios que los artistas hacen por su oficio y la dualidad inherente de la naturaleza humana. Lo que hace que la película sea tan gratificante es que incluso después de conocer sus secretos, se puede volver a ver infinitamente, revelando nuevas capas de presagios con cada visualización, si se presta mucha atención.
27. La red social (2010)
Está abierto a discusión si David Fincher y Aaron Sorkin acertaron con los detalles de los inicios de Facebook. Pero es innegable que capturaron un tipo de personalidad específico con Mark Zuckerberg, interpretado por Jesse Eisenberg: un individuo brillante, frustrado y privilegiado que anhela aceptación y elogios. Mirando hacia atrás, la elección de Fincher de hacer una película sobre Facebook en 2010 tiene sentido: es una continuación espiritual de *Fight Club*, otra historia sobre un hombre resentido y aislado cuya ira tiene resultados imprevistos. Una parte crucial del éxito de la película es la interpretación que hace Justin Timberlake del fundador de Napster, Sean Parker, quien actúa como una especie de mentor (o ángel oscuro) de Zuckerberg, muy parecido a Tyler Durden en *El club de la lucha*. Timberlake y Eisenberg incluso comparten una apariencia similar, casi como hermanos si uno tiene toda la suerte y el otro ninguna. Esa es la persona que Mark desea desesperadamente ser y está increíblemente cerca de lograrlo.
26. Chicos de níquel (2024)
Es raro ver una película verdaderamente original, que parezca genuinamente nueva y traspase los límites del cine. Pero de vez en cuando llega una película como *Nickel Boys*. Esta película es audaz, única y ofrece una nueva perspectiva; en realidad, dos.
El director y coguionista RaMell Ross tomó una decisión sorprendente: contar la historia de la novela ganadora del Premio Pulitzer de Colson Whitehead casi en su totalidad a través de los ojos de sus dos personajes principales. El increíble trabajo de cámara de Ross y el director de fotografía Jomo Fray te sumerge en las experiencias de estos dos jóvenes mientras luchan por sobrevivir en un reformatorio de Florida en la década de 1960. Es desconcertante que Fray no haya sido nominado al Oscar. Cuando se hace mal, esta técnica puede ser una distracción, pero en manos de Ross, crea una forma verdaderamente nueva de ver el mundo y tal vez un vistazo al futuro del cine.
25. Vidas pasadas (2023)
Esta conmovedora y conmovedora película explora las conexiones invisibles que dan forma a nuestras vidas, ya sea que lo llames fatalidad, destino o simplemente la forma en que suceden las cosas. Se centra en Nora y Hae Sung, dos personas que comparten un vínculo poderoso pero que las circunstancias los separan constantemente. Se cruzan varias veces a lo largo de sus vidas (de niños, en la universidad y de adultos) y cada vez, la vida ha cambiado, pero su conexión permanece. La historia se complica cuando Nora se casa con Arthur. La película retrata con delicadeza este triángulo amoroso, y su desgarrador final te hará pensar en las decisiones que has tomado y en cómo han impactado tu propio viaje, especialmente aquellas cuyo significado solo quedó claro más adelante.
24. Infancia (2014)
Durante doce años, el director Richard Linklater filmó en secreto escenas con los mismos actores –un niño (Ellar Coltrane), su madre (Patricia Arquette) y su hermana (Lorelei Linklater)– para documentar sus vidas. Si bien algunos podrían ver esto como un experimento inteligente, la película se convierte en un registro fascinante de la vida estadounidense a principios de la década de 2000 y una historia profundamente personal de familia, amor y dificultades. Todas las películas tratan del tiempo, pero *Boyhood* tiene una conexión verdaderamente especial con él. Ver a los actores envejecer genuinamente en la pantalla agrega una cualidad conmovedora a muchos momentos y hace que otros sean aún más impactantes. Cuando Patricia Arquette reflexiona al final sobre su vida, sus palabras llevan el peso de una docena de años de experiencias reales. Como dijo elocuentemente el fallecido Roger Ebert, las películas son ventanas a nuestro mundo, y *Boyhood* parece como si abriera esas ventanas de par en par.
23. Atrápame si puedes (2002)
A pesar de ser una película divertida y entretenida, *Atrápame si puedes* también es una mirada sorprendentemente reflexiva sobre la soledad y la importancia de la familia. Cuenta con un elenco fantástico, que incluye a Leonardo DiCaprio como el inteligente estafador Frank Abagnale Jr., Christopher Walken como su padre frustrado, Jennifer Garner y Amy Adams como sus intereses amorosos, y Tom Hanks como el serio y decidido agente del FBI Carl Hanratty.
22. Mad Max: Furia en la carretera (2015)
Mad Max: Fury Road no es sólo la mejor película de persecuciones de autos del siglo XXI: es sorprendentemente profunda. Parece una versión moderna de la historia bíblica del Éxodo, con Furiosa de Charlize Theron liderando a un grupo de mujeres en la búsqueda de una vida mejor. Max, interpretado por Tom Hardy, actúa como su guía reacio, ayudándolos a encontrar la salvación pero permaneciendo como un extraño. La obra maestra de acción de George Miller demuestra que las películas pueden ser increíblemente emocionantes e intelectualmente estimulantes. Cualquiera que argumente de otra manera simplemente intenta provocar una reacción.
21. Asesinos de la luna de flores (2023)
A sus más de 80 años, Martin Scorsese continúa desafiándose a sí mismo y a sus espectadores con su realización cinematográfica. Todavía obtiene actuaciones asombrosas de los actores y explora constantemente temas familiares: el peligroso atractivo de la riqueza y las trágicas corrientes subyacentes de la historia estadounidense. Su última película, *Killers of the Flower Moon*, se centra en los horribles acontecimientos de la década de 1920, cuando los miembros de la Nación Osage fueron sistemáticamente atacados y asesinados después de descubrir petróleo en sus tierras en Oklahoma. La película se centra en Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), quien se casa con una mujer Osage, Mollie (Lily Gladstone), en medio de esta violencia. Como ocurre con muchas de las películas recientes de Scorsese, es difícil imaginar un final más apropiado para su extraordinaria carrera si ésta resulta ser la última.
20. Expreso Chungking (1994)
Más allá de su memorable música pop, sus vibrantes imágenes y sus cautivadoras (aunque a menudo incumplidas) historias de amor, *Chungking Express* retrata brillantemente el sentimiento de la vida urbana moderna. Capta la soledad que puedes experimentar incluso en un lugar lleno de gente, el anhelo de espacios abiertos y días más brillantes, la naturaleza fugaz de las conexiones, la simple alegría de la máquina de discos de un bar y la naturaleza curiosa de las personas que conoces en los restaurantes nocturnos.
19. Noches de boogie (1997)
La película de Paul Thomas Anderson es una mirada divertida, triste y nostálgica a la época dorada de la industria del cine para adultos en el sur de California. Atraviesa finales de la década de 1970 con energía, presentando un elenco de personajes memorables, incluido un cineasta que recuerda a Burt Reynolds y una mujer compleja y problemática llamada Amber Waves, interpretada por Julianne Moore. A través de estos personajes, la película explora una imagen más amplia de Estados Unidos durante esa época: su belleza, sus deseos y sus luchas contra la depresión y el consumo de drogas.
18. Corrió (1985)
*Ran* de Akira Kurosawa es mi película favorita de él. Es única porque se hizo más adelante en su carrera y se destaca de sus otras películas como una producción en color. Me encanta especialmente por cómo utiliza el color, particularmente en los vibrantes trajes de los personajes, para enfatizar poderosamente cada escena.
17. La matriz (1999)
Uno de los pocos beneficios de envejecer es volver a ver películas y ver qué tan bien resisten el paso del tiempo. Recuerdo haber visto *The Matrix* cuando salió por primera vez sin tener idea de qué esperar, y fue una experiencia increíblemente emocionante. ¡Aún puedo imaginarme el teatro, el auditorio e incluso mi asiento! Los avances eran prometedores, pero la película en sí realmente me cautivó.
Más de 20 años después, todavía lo es. Mi única queja sobre *The Matrix* es que es demasiado atractivo para tenerlo en segundo plano: terminarás viéndolo de principio a fin en lugar de trabajar. ¡He perdido la cuenta de cuantas veces lo he visto!
16. La escafandra y la mariposa (2007)
2007 fue un año fantástico para el cine, pero el que realmente me quedó grabado fue *La escafandra & La mariposa*. Es la película de Julian Schnabel basada en la increíble historia de Jean-Dominique Bauby sobre vivir con el síndrome de enclaustramiento. La experiencia de Bauby y cómo la película capturó su mensaje de abrazar la vida tuvo un profundo impacto en mí. De hecho, dejé el teatro e inmediatamente comencé a planear proponerle matrimonio a mi novia, y 15 años y dos hijos después, ¡me alegro mucho de haberlo hecho! Recientemente lo volví a ver y es tan poderoso y conmovedor como lo recordaba.
15. Duro de matar (1988)
¿Alguien realmente necesita convencerse de que *Duro de matar* es una de las mejores películas jamás realizadas? ¡Es obvio! Piense en la asombrosa interpretación de Bruce Willis de John McClane, un policía de Nueva York que intenta disfrutar de unas vacaciones, o en las fantásticas secuencias de acción de John McTiernan. Además, es la película navideña perfecta… con muchos disparos.
14. Primer plano (1990)
Esta influyente película iraní cuenta la historia de un hombre que se hizo pasar por un cineasta famoso y engañó a una familia en Teherán. El director Abbas Kiarostami hizo que todos los involucrados interpretaran a sí mismos, mezclando imágenes reales del proceso legal con recreaciones de eventos anteriores a que él se involucrara. La combinación única de narración documental y ficticia de la película, y su exploración de temas como las celebridades y la clase social, todavía se considera innovadora.
13. El show de Truman (1998)
Es fácil preguntarse si realmente vivimos en una simulación. Si no, la película *El Show de Truman* predijo inquietantemente nuestro mundo actual –un mundo obsesionado con la vigilancia, lleno de publicidad y plagado de ansiedad– de una manera que parece casi increíble. Más allá de tratar sobre un hombre que, sin saberlo, vive en un reality show de televisión, la primera mitad de la película captura perfectamente la sensación de una crisis de la mediana edad: ese momento en el que cumples cuarenta y de repente te preguntas todo sobre tu vida.
12. Zodíaco (2007)
David Fincher es conocido por sus películas sobre asesinos en serie, pero *Zodiac* es más que un simple thriller criminal. Es un viaje a través de la historia de San Francisco, visto a través de la perspectiva de tres hombres obsesionados con resolver el caso Zodiac Killer. Seguimos a un dedicado inspector de policía (Mark Ruffalo), un decidido reportero de crímenes (Robert Downey Jr.) que se convirtió en el objetivo del asesino, y un investigador aficionado (Jake Gyllenhaal) incapaz de dejar que el caso quede congelado. Lo que *Zodiac* hace excepcionalmente bien es mostrar cuán absorbente puede ser una obsesión. Fincher atrae hábilmente a la audiencia a un complejo laberinto de pistas y pistas falsas utilizando un trabajo de cámara y edición innovadores. Al final de la película, que hábilmente regresa a sus momentos iniciales después de dos horas y media tensas, los espectadores realmente comprenden el impulso implacable de Robert Graysmith.
11. Dentro de Llewyn Davis (2013)
Muchas de las películas que Joel y Ethan Coen crearon juntos exploran asociaciones, y *Inside Llewyn Davis* es quizás su mirada más directa a este tema. Como mencioné anteriormente, la película describe el mundo de la música folklórica de Nueva York a principios de la década de 1960, centrándose en los pequeños y desgarradores acontecimientos que le suceden a un músico talentoso (Oscar Isaac, en una actuación que definió su carrera) después de la muerte de su compañero musical. Es notable que la canción más hermosa de Llewyn es una despedida y se siente incompleta cuando se interpreta en solitario, lo que resalta la importancia de la conexión perdida.
10.Lady Bird (2017)
La película de Greta Gerwig, *Lady Bird*, utiliza hábilmente pares y contrastes a lo largo de la historia. El personaje principal, conocido como Lady Bird, tiene dos nombres y experimenta dos romances y amistades diferentes. La película se desarrolla a lo largo de dos semestres escolares, cada uno con una obra de teatro escolar y un baile, así como dos fiestas. Mantiene relaciones únicas con sus padres y considera solicitudes para dos universidades mientras asiste a dos iglesias. Este énfasis en las opciones hace de *Lady Bird* una película profundamente identificable sobre el sentimiento de que cada decisión a esa edad es increíblemente importante y, en muchos sentidos, realmente lo es.
9. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)
No recuerdo exactamente cuándo ni dónde vi por primera vez *Eternal Sunshine*, pero fue hace unos 20 años mientras vivía en la ciudad de Nueva York. Los detalles de esa visión inicial se han desvanecido con el tiempo, como sucede con tantos recuerdos. Curiosamente, eso me hace apreciar la película incluso más ahora que cuando se estrenó por primera vez. Lo que resulta tan convincente de *Eterno resplandor de una mente sin recuerdos* es que utiliza una idea de ciencia ficción (una pareja que se borra mutuamente de sus recuerdos) para explorar cómo olvidamos las cosas de forma natural. Jim Carrey y Kate Winslet forman una pareja verdaderamente memorable, y parte de eso se debe a que su relación está destinada al fracaso. Al final, todas las relaciones terminan de alguna manera: es como una casa en la playa que lentamente es arrastrada por el océano.
8. Ficción pulp (1994)
Si bien *Pulp Fiction* puede no ser la película más copiada de la década de 1990 en la actualidad, fue muy imitada durante un tiempo. La mala calidad de esas imitaciones resalta cuán talentoso es Quentin Tarantino, tanto entonces como ahora.
*Pulp Fiction* es una mezcla sorprendentemente efectiva de elementos aparentemente no relacionados. Es una mirada grandiosa y amplia al crimen en Los Ángeles, pero también una exploración profundamente personal de sus personajes. Salta entre lo tremendamente fantástico (piense en maletines misteriosos y clubes secretos) y lo increíblemente ordinario, como conversaciones casuales sobre masajes en los pies y comida rápida internacional. Es expansivo e íntimo, divertido y triste, violento y tonto. Es todo a la vez: es *Pulp Fiction*.
7. Haz lo correcto (1989)
La película de Spike Lee, ambientada durante un abrasador día de verano en Brooklyn, explora poderosamente las tensiones raciales y, desafortunadamente, todavía parece increíblemente actual. La historia se centra en una pizzería del barrio de Bed-Stuy, que se convierte en el foco de los disturbios después de que la policía mata a tiros a un hombre negro. Una pregunta central que plantea la película es si el personaje Mookie tomó la decisión correcta al arrojar un bote de basura por la ventana de la pizzería, y tal vez el mismo acto de hacer esa pregunta sea más importante que cualquier respuesta definitiva.
6. Película americana (1999)
Este documental encantador y a menudo divertido sigue a Mark Borchardt, un aspirante a cineasta, mientras intenta terminar una película en la que ha estado trabajando durante años. Es una mirada sorprendentemente conmovedora y triste sobre la persecución de sueños que no se hacen realidad. Vemos a Mark hablar apasionadamente sobre su necesidad de crear, pero constantemente enfrenta obstáculos. Más allá de eso, *American Movie* es una historia conmovedora sobre la amistad, que muestra cómo Mark depende de su amigo Mike para que le ayude con sus películas de bajo presupuesto. Es una película agradable para el público más joven, pero tiene un peso emocional mucho más profundo a medida que envejeces: es verdaderamente una de las mejores películas estadounidenses jamás realizadas.
5. Refugiarse (2011)
Habiendo experimentado ataques de pánico, creo que *Take Shelter* es una película verdaderamente excepcional sobre cómo vivir con ansiedad. La película se centra en Curtis LaForche (Michael Shannon), un hombre de familia que, a pesar de tener una amorosa esposa e hija, está plagado de aterradoras pesadillas de tormentas devastadoras y una creciente sensación de perdición inminente. Michael Shannon ofrece una actuación fenomenal, brillantemente respaldada por Jessica Chastain, y la película retrata de manera realista el círculo vicioso del miedo: Curtis teme un colapso mental, como ocurre en su familia, y ese miedo solo intensifica su ansiedad. Si bien muchos ven el final de la película como abierto a interpretación, yo lo veo como una conclusión natural, porque reconoce que este tipo de ansiedad no se puede superar. No se puede bloquear, ni siquiera con defensas fuertes. Sólo puede entenderse y gestionarse, idealmente con la ayuda de sus seres queridos.
4. Érase una vez en Hollywood (2019)
El actor Rick Dalton y su doble, Cliff Booth, almuerzan con el productor Marvin Schwarz en el Musso & Frank Grill. Marvin sugiere que Rick protagonice películas del oeste italianas, pero Rick está profundamente decepcionado y siente que su carrera ha terminado. Rompe a llorar nada más salir del restaurante. La cámara enfoca el Musso & Cartel de Frank Grill, enfatizando su lema: “El más antiguo de Hollywood”. Si bien Rick en realidad no es una noticia pasada, ciertamente *se siente* así en este momento, consciente de que su tiempo en el centro de atención podría estar acabándose. *Érase una vez en Hollywood* es una película brillante, llena de detalles inteligentes como este. Capta una era cambiante en Estados Unidos y celebra la magia del cine, que a su vez parece estar enfrentando un futuro incierto.
3. El día de la marmota (1993)
Pocas comedias son tan reveladoras como *El día de la marmota*. Bill Murray ofrece una actuación destacada como Phil Connors, un meteorólogo televisivo egocéntrico que, mientras cubre las celebraciones del Día de la Marmota en un pequeño pueblo de Pensilvania, se encuentra atrapado en un bucle temporal. Esencialmente, la película sigue a un hombre que inicialmente actúa como un dios, luego aprende la humildad y lo que realmente significa ser humano.
2. Buenos amigos (1990)
Incluso treinta años después de su estreno, *Goodfellas* de Martin Scorsese es considerada una de las mejores y más influyentes películas de los años noventa. Es una gran película para combinar con *El irlandés*, ¡si te apetece una experiencia visual prolongada! La película cuenta la historia del personaje de Ray Liotta a medida que asciende en las filas del crimen organizado, experimentando tanto un éxito espléndido como una dramática caída en desgracia. Todo lo relacionado con la película (actuación, guión, edición, cinematografía y música) es impecable. Es difícil creer que *Dances With Wolves* ganó la Mejor Película sobre *Goodfellas*.
1. Sueños de aro (1994)
El documental *Hoop Dreams* trata sobre mucho más que sólo baloncesto. Sigue a sus sujetos hasta la graduación de la escuela secundaria, no solo hasta sus juegos finales, destacando cuánto dinero influye en el deporte, como señala Spike Lee cuando habla con jugadores jóvenes. En última instancia, la película muestra dos realidades distintas: el juego que se juega en la cancha y el juego, a menudo injusto, de quienes rodean a los jugadores: entrenadores y ojeadores. Te deja preguntándote a qué más pueden aspirar de manera realista los jóvenes como William y Arthur.
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2025-10-20 20:11