Reseña de 'The End': Tilda Swinton y Michael Shannon se refugiaron, pero 20 años bajo tierra empieza a volverse tedioso

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Como cinéfilo experimentado que ha capeado innumerables tormentas cinematográficas, debo admitir que «The End» me hizo sentir más como un sobreviviente de un páramo post-apocalíptico que como un miembro de la audiencia. Esta película no es para los pusilánimes ni para aquellos que buscan estructuras narrativas tradicionales. Más bien, es un viaje que invita a la reflexión hacia la condición humana, la culpa y la capacidad de racionalizar nuestras fechorías, todo ello envuelto en un paquete musical melancólico.

En un movimiento atrevido y sin precedentes para la realización de documentales, el director Joshua Oppenheimer eligió un enfoque poco convencional con «The Act of Killing». Pidió a los protagonistas de la película, que alguna vez formaron parte de los escuadrones de la muerte de Indonesia, que recrearan ante la cámara sus atrocidades pasadas. ¿Por qué su primera película narrativa debería ceñirse a un método de narración tradicional?

Como entusiasta del cine, imaginé «The End» como un musical post-apocalíptico inusual, ambientado dentro de los confines de un búnker subterráneo donde un grupo selecto de individuos ha almacenado arte exquisito y vinos invaluables en anticipación de un desastre que podría haber ocurrido. autoinfligido. Este concepto se originó a partir de un documental en el que estaba trabajando sobre una «familia rica y despiadada» (mis palabras), pero finalmente decidí llevar este proyecto por un camino completamente único.

La película de casi tres horas de duración «The End» evita el drama convencional y, en cambio, profundiza en temas filosóficos como la culpa y nuestra capacidad para justificar nuestras malas acciones, lo que podría atraer más a los entusiastas del arte que a los espectadores convencionales. Curiosamente, la película fue concebida antes de la pandemia de COVID-19, pero parece pasar por alto el hecho de que el público ya está cansado de las historias que giran en torno al confinamiento.

La historia, en su forma final, podría haber sido más atrapante si hubiera incluido un elemento de suspense o thriller, tal vez involucrando un peligro que afecta al pequeño grupo de personajes. Sin embargo, Oppenheimer se mantiene firme en contra de incorporar tales elementos. En definitiva, «The End» no es tanto un musical como cabría esperar, sino más bien un drama sofisticado con algunas canciones originales más melancólicas de lo que imaginas. Oppenheimer escribió estas canciones, mientras que Joshua Schmidt, un compositor de teatro nuevo en el cine, compuso la música.

La historia comienza de manera sencilla, presentando a un joven de 20 años con los ojos muy abiertos (George MacKay) que lucha por recordar la vida antes del confinamiento, mientras juguetea con un diorama demasiado defectuoso (en el que indios, colonos y esclavos viven juntos pacíficamente). en la base del cartel de Hollywood). Podría recordar a Ariel de «La Sirenita» de Disney, perpleja por su infinidad de peculiaridades, fantaseando inocentemente sobre la vida en la superficie. Al amanecer, «A Perfect Morning» sirve como una encantadora canción de apertura, a pesar de que la voz de MacKay, junto con la del resto del elenco, carece del pulido del canto profesional. Parece que Oppenheimer eligió intencionadamente esta cualidad poco refinada.

Conocido simplemente como «Hijo», este joven nació dentro de un refugio diseñado para el fin del mundo, sin tener conocimiento de ninguna otra existencia. A pesar de los repetidos relatos de sus padres durante las últimas dos décadas, él sólo conoce su relato personal de los acontecimientos. Su madre (interpretada por Tilda Swinton) a menudo recuerda su tiempo con el Ballet Bolshoi, pero parece incierto si alguna vez realmente bailó allí. La figura paterna (interpretada por Michael Shannon), un barón de la energía, cuestiona si nuestra industria jugó un papel en el aumento de las temperaturas, sugiriendo que puede estar negando la verdad sobre el mundo que abandonaron, un mundo que podrían haber destruido sin darse cuenta.

En este santuario apartado, protegido de los problemas de la humanidad, yo, el niño, tengo la suerte de que mis padres preserven todos los vestigios de cultura que puedan, con la ayuda de un médico de confianza (Lennie James), un dedicado mayordomo (Tim McInnerny), un una criada diligente (Danielle Ryan) y una vieja y estimada amiga (Bronagh Gallagher) de nuestro pasado. Mi madre dedica sus días a reorganizar meticulosamente nuestras invaluables obras de arte que adornan las paredes, como «La bailarina» de Renoir, «La mujer con sombrilla» de Monet y paisajes impresionantes y extensos, y a preocuparse por detalles menores como imperfecciones en el yeso.

Desde hace aproximadamente dos décadas, han estado encerrados en un búnker autosuficiente, mientras el concepto de normalidad se vuelve cada vez más distante e irrelevante. Celebran fielmente cada día festivo con pequeñas y peculiares ceremonias. Aparte de estos eventos, cada día parece indistinguible del anterior, mientras Swinton canta conmovedoramente hacia las dos horas durante su desgarrador (aunque agudo) solo de «Dear Mom». Sus rutinas diarias consisten en lecciones de natación y simulacros de emergencia, siendo la supervivencia su mayor preocupación; sin embargo, uno no puede evitar cuestionar su importancia.

La historia sugiere que hubiera sido más prudente prevenir el apocalipsis en lugar de planificarlo. El final de la película es como la larga y melancólica nota de un trombón en una película de desastres, donde siete personajes sobreviven mientras todos los demás mueren. Sin embargo, después del apocalipsis, los padres criaron a su hijo para que fuera el historiador de su relato distorsionado y, al mismo tiempo, le advirtieron sobre los extraños.

Más tarde aparece un personaje llamado «Girl», interpretado por Moses Ingram. Ella confiesa su arrepentimiento por haber dejado a sus parientes, provocando profundos sentimientos entre los demás que soportaron tremendas dificultades durante las etapas iniciales del apocalipsis. Su hijo, alguna vez lleno de fe, ahora pregunta: «Mamá, ¿fuiste testigo de cómo la gente intentaba entrar en aquel entonces?». Estas preguntas no sólo causan malestar dentro de la familia, sino que también resaltan la creciente brecha generacional que se produce en los Estados Unidos contemporáneos, ya que a los adultos jóvenes les resulta difícil perdonar a sus padres por sus acciones pasadas.

La madre decidió firmemente no dar la bienvenida a este extraño a su círculo. «Debemos establecer límites», afirma. Hace eones, tales transgresiones tenían graves consecuencias, como lo demuestran las cicatrices que tenía el mayordomo. Sin embargo, después de dos décadas de aislamiento, había un anhelo de información más allá de sus muros. Con temor, le permiten a la Niña acceder a su mundo apartado. Entre el elenco, Ingram es el único individuo que irradia esperanza. El resto aparece como restos secos de humanidad, manteniendo las apariencias lo mejor que pueden. Los miembros de la audiencia pueden encontrar paralelos entre sus experiencias durante la pandemia y la llegada de este intruso, pero Oppenheimer se acerca a ella con una cautelosa sensación de optimismo.

Junto a la diseñadora de producción de «Melancholia», Jette Lehmann, Oppenheimer muestra un búnker elegantemente modesto ubicado dentro de una mina de sal, pero diseñado para brindar comodidad, muy parecido a la base inspirada de Elon Musk representada en «Un asesinato en el fin del mundo» del año pasado. Este proyecto transmite eficazmente sus conceptos intelectuales a través de elementos de género. Oppenheimer podría haberse beneficiado de adoptar una estrategia similar; sin embargo, su renuencia a hacerlo da como resultado que «The End» sea etiquetado como arte elevado (al tiempo que sacrifica potencialmente el atractivo comercial).

¿Qué espectadores verán finalmente «The End»? Esta película, que se estrenó en el Festival de Cine de Telluride, parece condenada al fracaso y elogiada por críticos y espectadores que aprecian la importancia de correr riesgos. La audacia de Oppenheimer (y sus financieros) merece reconocimiento, pero su retrato de un tipo peculiar de locura no puede evitar parecer una tontería en sí misma. Antes de que cualquier musical llegue a Broadway, se somete a numerosos talleres y pruebas para garantizar su éxito. Esta producción parece haber saltado estas etapas esenciales, privilegiando la visión del director por encima de las necesidades del público.

«Quizás ninguna otra película se compara con ‘The End’, lo que la hace única por derecho propio, y aunque todos los asociados con ella esperarían tener más espectadores, parece ser un mensaje críptico velado sutilmente, listo para ser descubierto por aquellos lo suficientemente atrevidos como para descubrirlo.»

2024-09-01 03:47