El director de 'Speak No Evil' explica por qué su remake cambia el final original y cómo los avances siguen mostrando 'más de lo que los cineastas quieren'

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Como entusiasta del cine y con buen ojo para la visión del director, debo decir que ver la entrevista con Joe Cornish fue una experiencia maravillosa. Su visión del proceso creativo, particularmente cuando se trata de trabajar con actores talentosos como James McAvoy, es verdaderamente esclarecedora. Es fascinante cómo describe a los mejores actores no como aquellos que actúan, sino como aquellos que lo son.

ALERTA DE SPOILER: Este artículo analiza los detalles de la trama de “Speak No Evil”, que ya está en los cines.

Cuando llegó el momento de que el director de “Speak No Evil”, James Watkins, redactara un guión inspirado en la película de terror danesa de 2022 de Christian Tafdrup, había un individuo específico que imaginó encarnando el papel de un padre loco y angustiado.

Cuando imaginé el papel principal en esa película, me imaginé a James McAvoy en ella. Aunque sin duda hay muchos otros actores talentosos que podrían haber sobresalido en este papel, no podía quitarme la sensación de que él encajaba perfectamente con mi visión.

La historia reinventada gira en torno a un clan británico, formado por James McAvoy y Aisling Franciosi, quienes extienden una invitación a una pareja estadounidense, Mackenzie Davis y Scoot McNairy, para una escapada tranquila en su apartada residencia rural. Sin embargo, los visitantes estadounidenses pronto descubren que no todo es lo que parece, lo que genera caos y agitación.

En este artículo, Watkins explica su razonamiento detrás de seleccionar «Cotton Eye Joe» para una secuencia coreografiada, comparte ideas sobre el proceso de recreación de una película extranjera y habla sobre su decisión de alterar el sombrío y excepcional final de la producción original.

¿Qué te hizo decidirte a rehacer una película extranjera?

Anteriormente, me habían presentado oportunidades para rehacer películas, pero no las encontré atractivas. Parece que un afecto genuino por el material original es crucial. Sin embargo, también debe existir la posibilidad de infundir su perspectiva única o introducir algo nuevo en ella. Si no, no encuentro ningún mérito en recrear la película exacta, ya que ya existe y es bien recibida; la gente puede simplemente ver el original. Fue más como, «Está bien. Admiro esta narrativa, aprecio estos temas. Puedo imaginar formas de ampliarla, reemplazarla, abordarla desde un ángulo diferente, ya sea estilística, cultural, temática o en el desarrollo del personaje». .

¿Recuerdas la primera vez que viste la película danesa original?

Después de no haberla visto antes, recibí la película de Blumhouse con una sugerencia de echarle un vistazo y ver si podría haber algo beneficioso para mí. Al ver la película de Christian Tafdrup, quedé profundamente impresionado por su inquietante desolación, casi como un refrescante limpiador del paladar. Su naturaleza implacable me dejó un gran impacto y el final fue increíblemente poderoso. Curiosamente, hice una película llamada «Eden Lake» con una conclusión sombría e implacable similar, que también sirvió de inspiración para el trabajo de Christian. Así, parece haber un tema o ciclo recurrente en nuestros procesos creativos.

Inicialmente propuse alterar el escenario final, siendo el Reino Unido la primera sugerencia que compartí con Blumhouse. Le expliqué: «Si puedo lograr esto en el Reino Unido, creo que se sentirá auténtico». Los personajes y escenarios me resultan familiares y no son sólo estereotipos. Sin embargo, también quería incorporar personajes americanos. Habiendo vivido en Inglaterra y Estados Unidos, pensé: «Dado que estos estadounidenses estarían involucrados, el choque cultural que experimentarían impactaría significativamente los temas de Christian.

La película original se centró en las diferencias culturales entre una familia holandesa y danesa. ¿Cómo intentaste traducir esos temas y desconexiones culturales a una familia británica y estadounidense?

Hay una especie de cliché de que los estadounidenses son muy abiertos y los británicos están muy reprimidos. Pero creo que también hay una especie de tribu de británicos, como Paddy, que son muy falstaffianos y realmente directos. Y hay un tipo de estadounidense de la costa este educado en Harvard que está bastante reprimido.

¿Cuál fue el proceso de escritura para construir a partir de algo que ya existía?

Es cierto que no sería justo negar su importante impacto. A cada paso, te encuentras reflexionando: «¿Por qué hicieron eso? Creo que iré por este camino». Gran parte del arduo trabajo ya se ha realizado. Me sentí obligado a inyectar más humor a la mezcla. La película de Christian tiene cierto encanto minimalista. Precisamente el otro día le mencioné a McAvoy que la película de Christian es como una canción acústica, mientras que la nuestra es rock eléctrico. Básicamente, es una reinterpretación, cambiando ligeramente el tono musical. Realzar el humor hizo que el horror fuera más llevadero para mí. De la misma manera que los directores que admiro, como Ruben Ostlund, aprecian el humor incómodo, la incomodidad social. «White Lotus» también hace esto. Es ese sentimiento de «¿Cómo reaccionaría en esa situación?

¿Qué te hizo decidir cambiar el final original?

En la película de Christian, se explora en profundidad el tema de cómo las normas sociales refinadas pueden restringir a los individuos. Mi objetivo era llegar a este punto culminante durante el segundo acto. Después quise profundizar más en este concepto debido al peligro inminente. Scoot McNairy interpreta a un personaje que se siente descartado y ve a Paddy como un mentor imperfecto que ofrece la masculinidad tradicional. Ben se siente atraído por esto y cree que esta pareja poco convencional le brindará terapia, visualizándola como un retiro de fin de semana inusual.

Curiosamente, en el acto final, el mismo modelo que Ben aprecia queda expuesto como defectuoso, mientras que su comprensión de la masculinidad también resulta falsa. En cambio, es su esposa quien emerge como la verdadera heroína, y los conceptos tradicionales de masculinidad asociados con la fuerza se revelan vacíos y equivocados. No se trata de roles de género; se trata de verdadera fuerza y carácter.

Además de Ant, el joven, me propuse explorar ese tema recurrente, reflejando el poema de Philip Larkin acerca de que la violencia es cíclica: «Una mano aplaude con la otra en la miseria». Hay un sentimiento complejo respecto a que Ant le quite la vida a Paddy. Si bien algunos pueden buscar el alivio emocional de este acto, ciertamente no es un final típico de Hollywood. Más bien, se parece a una interpretación europea de tal final. No es triunfante; más bien, es sombrío y no ofrece una solución simple como «Nuestros problemas se acabaron».

Aunque tu versión no necesariamente tiene un final feliz de cuento de hadas, ¿alguna vez pensaste en hacerla aún más sombría de lo que es?

Las personas pueden tener diferentes perspectivas sobre si su relación realmente ha sanado o no. Sin embargo, la melancolía subyacente no puede ignorarse: resuena en la música y está claramente grabada en el rostro de Dan. Han logrado aguantar, pero las cosas están lejos de «volver a la normalidad». No es que todo vuelva a estar bien y a la perfección.

La película danesa se estrenó en 2022. ¿Cuál fue el motivo para rehacerla tan rápido?

Fue simplemente una buena historia. Intento no mirar hacia afuera. Para mí, si es una buena historia, ¿vale la pena contarla? ¿Puedes agregarle cosas? Quiero decir, Christopher Nolan hizo “Insomnia” poco después del original noruego. Las dos películas pueden y deben coexistir y conversar entre sí. Si ambos están haciendo exactamente lo mismo. Esta película aporta algo ligeramente diferente, pero honra la película de Christian. A veces la gente dice: «Bueno, ¿por qué diablos hiciste eso?» Pero si miras la película con el corazón abierto, creo que responde a la pregunta.

¿Cómo fue trabajar con James McAvoy, dirigirlo y ver su proceso de actuación?

James destaca como una verdadera joya en el mundo de la actuación. Es sin duda uno de los artistas más hábiles con los que he tenido el placer de colaborar. Nuestro elenco fue excepcionalmente refinado, lo que nos permitió descubrir continuamente nuevas capas e interactuar dinámicamente, como en un partido de tenis. Sin embargo, James se muestra notablemente relajado en el set. Pero una vez que asume el personaje, no hay duda de su dedicación. Parece completamente inmerso en el papel, pero hay momentos en los que puedes comentar algo que ha hecho y él puede responder como si fuera una acción inesperada y decir: «Oh, ¿hice eso?». Los actores más talentosos no se limitan a actuar; ellos encarnan sus roles.

¿Estaba en lo más alto de la lista de actores que buscabas?

En esencia, es raro que las personas obtengan la primera opción en su lista, pero yo me encontré en esa posición. A menudo colaboro con Jon Harris, un editor que ha trabajado extensamente con James, y cuando estaba redactando mi guión, me sentí obligado a enviárselo a John para recibir sus comentarios. Él reaccionó diciendo: «Parece que McAvoy es el indicado, ¿no?». A lo que acepté, ya que realmente no había considerado ninguna otra opción. Aunque sin duda hay muchos actores talentosos que podrían haber interpretado el papel, mientras escribía, visualicé a James McAvoy encarnando a este personaje. Su actuación en «Filth», donde interpretó a un personaje despreciable pero logró evocar una tristeza tan profunda, solidificó mi elección. A pesar de su reprensible interpretación, hay algo en James que te mantiene interesado.

Hubo muchos rumores sobre el uso de “Cotton Eye Joe” en la película, especialmente en el tráiler. ¿Escribiste esa canción específica en el guión?

No está claro si el guión menciona específicamente a «Cotton Eye Joe», pero definitivamente quedó grabado en mi mente. Consideré usar «Crazy Frog» en su lugar, pero es simplemente demasiado irritante. Lo pegadizo de «Cotton Eye Joe» y el entorno de la granja lo hicieron atractivo. Tiene una sensación rústica que encaja bien con nuestro tema. Puedo vestir a los niños con ropa apropiada para esta canción. También cuenta cierta historia, y con Paddy hay un elemento nostálgico. Parece alguien que escucha música de los 80/90. Esa época podría haber sido su mejor momento. Imagino ese período como significativo en su vida.

Parte de la gran revelación se muestra en el tráiler. ¿Cómo se puede mantener el equilibrio entre atraer a la gente y también mantener las cosas ocultas?

Como cineasta, no creas el tráiler; en cambio, lo observas y reaccionas a su impacto. En el mundo actual, los avances suelen revelar más de lo que los cineastas pretenden, con el objetivo de atraer espectadores hacia la película. Lo hacen notablemente bien. Puede resultar tentador para un cineasta insistir en un cartel especialmente elegante, pero luego darse cuenta de que ese enfoque puede no atraer al público. Estos profesionales están altamente capacitados y conocen su oficio. La forma en que analizan y elaboran estrategias es realmente notable y ofrece una perspectiva única sobre los aspectos creativos de nuestro campo.

Esta entrevista ha sido editada y condensada.

2024-09-14 20:47