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Como entusiasta del cine y crítico con buen ojo para los detalles, me siento cautivado por el enfoque único adoptado por este equipo creativo para darle vida a «In the Mood for Love» en la decoración de su hotel. El sutil guiño a la obra maestra de Wong Kar-wai no es sólo un testimonio de la influencia duradera de la película, sino también un reflejo del enfoque reflexivo e introspectivo del director a la hora de contar historias.
Al inaugurar el Festival de Cine de San Sebastián 2021, «Emmanuelle» de Audrey Diwan sirve como una sorprendente secuela de su premiada película «Happening». A primera vista puede parecerlo, pero veamos qué idas y venidas nos esperan en esta nueva producción.
En lugar de decirlo directamente, el cineasta optó por una estrategia similar a la original, centrándose en una traducción literaria para intensificar la inmersión sensorial del público, explorando particularmente la elusiva búsqueda de la gratificación física. Como compartió Diwan con EbMaster: «El objetivo era esencialmente un rejuvenecimiento. Se trataba de revivir estas sensaciones y luego transmitirlas a los espectadores.
La adaptación de 2021 de la novela de 1967 «Emmanuelle» presenta una nueva interpretación en la que Emmanuelle, ahora de unos treinta y tantos años (interpretada por Noemie Merlant), actúa como una tranquila inspectora de hotel encargada de evaluar la calidad, específicamente para un hotel de alta gama en Hong Kong. . Este hotel está administrado por Naomi Watts y, según se informa, alberga a un huésped enigmático, interpretado por Will Sharpe, quien agrega una capa de misterio al escenario.
En esta película, el enfoque en el placer está innegablemente presente, pero con frecuencia se queda corto, ahondando tan profundamente en la decepción como en la euforia. Como crítico de la película, puedo dar fe de que Diwan plantea: «El placer y la búsqueda de él deberían seguir siendo enigmáticos». Esta película, en mi opinión, intenta examinar este tema desde un punto de vista personal sin ofrecer una respuesta definitiva y global. Después de todo, como cualquier mujer le dirá, el placer conlleva una connotación singularmente individual.
¿Cómo decidiste este proyecto como continuación de “Happening?”
Personalmente, soy cauto con la comodidad, ya que mi creatividad se nutre de la pasión y el miedo, emociones que me obligan a dedicar tres años a un proyecto. Por lo tanto, cuando mis productores sugirieron «Emmanuelle», no me convencieron fácilmente, ya que no había visto la película original en su totalidad, pero la novela original me pareció intrigante. La trama da un giro inesperado alrededor de dos tercios del camino, deteniéndose durante casi 100 páginas para profundizar en una discusión sobre la esencia del deseo. Esto generó una idea: ¿podría el erotismo seguir sirviendo como una potente fuerza narrativa y cómo podrían los temas de 1967 seguir resonando hoy? ¿Podrían reinterpretarse estas ideas en términos cinematográficos contemporáneos?
¿Cómo es eso?
En esencia, el erotismo gira en torno al contraste entre lo que se revela y lo que permanece oculto. En los años 70, el atractivo estaba en mostrar más, lo que hizo que la película inicial fuera un gran éxito. Sin embargo, encontré que los aspectos invisibles eran más intrigantes. Quería amplificar esa tensión alentando a los espectadores a participar activamente en la película y contribuir a la narrativa. Sin embargo, esto no fue suficiente para justificar la inversión, no hasta que concebí el concepto de una mujer que ha perdido su capacidad de sentir placer y se embarca en una búsqueda para recuperarla. [Después de «Happening»] pensé que si podía retratar el dolor, tal vez podría hacer lo mismo con el placer.
¿Cómo hiciste tuyo este mundo?
La película explora la relación de un personaje con el mundo en lugar de simplemente su yo físico. Al reinterpretar «Emmanuelle», busqué ofrecer una nueva perspectiva centrándome en un profesional maduro en lugar de en una joven debutante, utilizando esta base para desarrollar la narrativa. Este tipo de mujer se enfrenta a presiones sociales únicas para sobresalir y aprovechar cada oportunidad de experiencias novedosas, que en última instancia refuerzan el mismo mensaje: debes disfrutar constantemente y alcanzar el éxito. Sin embargo, esta búsqueda puede volverse abrumadora. Por lo tanto, mi coguionista Rebecca Zlotowski y yo imaginamos un arco argumental sobre cómo liberar estas expectativas, abrirse, tomar un descanso y descartar tales demandas.
¿Por qué ambientar la película en un hotel de lujo?
Un hotel de alta gama parece perpetuo y consistente durante nuestra experiencia de filmación, con un aroma, música y decoración eternas. Si algo se desplaza, vuelve a su posición inicial al día siguiente. Hay una sensación de desorientación por este eterno presente: un ambiente atractivo pero frío. El desorden es escaso y, aun cuando surge, se resuelve rápidamente. Emmanuelle también se convierte en una herramienta en este ámbito, centrándose en el control de calidad para maximizar el disfrute de los huéspedes. Sin embargo, reconoce que estos momentos de placer están orquestados, forman parte de la estética del hotel.
Tanto el escenario como la presencia de Will Sharpe recuerdan a “El loto blanco”.
Absolutamente, es intrigante notar cómo numerosas películas y series profundizan en este tema en particular. En mi opinión, “El Loto Blanco” comparte el mismo hilo narrativo, ahondando en el concepto de fachadas y unicidad, revelando verdades ocultas. El entorno del hotel sirve como barrera, fomentando una sensación de desapego, y todos parecen llevar algún tipo de capa protectora. Hay una clara división entre el yo presentado y lo que ocurre en privado, y el establishment pinta un cuadro de soledad contemporánea. Nos encontramos con personajes, pero no logramos conectarnos realmente con ellos. El hotel presenta un encanto exótico, pero no requiere una interacción genuina con el mundo.
Un número significativo de momentos privados de la película muestran a Emmanuelle sola. ¿Por qué enfatizar un estilo de representación tan gratificante?
Esta relación vacía refleja un anhelo de restaurar las relaciones con el mundo. La gente anhela volver a conectarse porque la verdadera alegría proviene de salir del aislamiento y relacionarse genuinamente con los demás. En definitiva, la película pretende ahondar en la naturaleza asfixiante del placer artificial. En algún momento, uno anhela liberarse de la superficialidad, alejarse del sistema establecido donde cada interacción está escrita y predeterminada, un lugar tan desprovisto de creatividad que carece de espacio para la fantasía. Este es el momento que quería enfatizar: la necesidad de liberarse y respirar profundamente después de sentirse atrapado.
La película no debe verse como una simple reinterpretación feminista, contrariamente a lo que algunos medios franceses han sugerido, y no se presenta de una manera abiertamente sensual.
Con frecuencia me encuentro con la etiqueta de «feminista» cuando hablo de cualquier exploración del placer femenino, y parece que esto también se aplicó a la película de los años 70 «Emmanuelle». Si bien el título «Emmanuelle» conlleva poderosas asociaciones que podrían influir en las expectativas de los espectadores, mi objetivo era crear una obra que trascendiera las normas convencionales en lugar de simplemente cambiarlas. Un enfoque tan sencillo parecía demasiado simplista y habría resultado en una experiencia visual limitada.
Además, no quería que la sensualidad de la película se limitara únicamente a escenas de sexo explícito. Sería más como hacer una película de deportes mediocre, ¿entiendes? Para mí, la sensualidad es un sentimiento generalizado. Se trata de crear una atmósfera que despierte curiosidad y anhelo. Me encontré revisando «La madre y la puta» de Jean Eustache durante el proceso de escritura, y me recordó lo poderoso que puede ser el diálogo en un contexto sensual. Incluso algo tan ordinario como una tormenta, cuando se representa vívidamente y se filtra en un entorno aparentemente perfecto, puede despertar esas emociones.
Como devoto, no puedo evitar establecer paralelismos con la maestría cinematográfica de Wong Kar-wai al considerar la atmósfera y la narración de esta pieza.
Sin duda, mucha gente suele mencionar “In the Mood for Love” cuando se les pide que nombren una película erótica. Sin embargo, se trata más de personajes que se encuentran accidentalmente y se tocan físicamente en los pasillos. ¡Me parece intrigante esa definición de erotismo! Además, es difícil no hacer referencia a esta película cuando estás en Hong Kong debido a su popularidad.
Durante bastante tiempo, las restricciones de Covid me impidieron viajar a Hong Kong. En cambio, encontré un hotel en línea que me llamó la atención, y es donde finalmente decidí tomar mis fotos. Más tarde, cuando finalmente pude explorar físicamente las ubicaciones, descubrí 40 lugares adicionales, pero seguí comprometido con el que había encontrado inicialmente en Internet. Un día conocí al interiorista del hotel, quien me informó que había diseñado el espacio pensando en «In the Mood for Love». De alguna manera, la estética de la película se filtró sutilmente en el diseño y no intentamos desviarnos de ella.
¿Cómo abordaste los momentos más íntimos de la película?
Estamos ante un aspecto oculto, que es la respuesta física intensa, incontenible y difícil de representar conocida como orgasmo en las mujeres. Sin embargo, este clímax femenino genuino se retrata con frecuencia de maneras que no resuenan en una mujer que realmente ha experimentado tal placer. Representar este momento es todo un desafío, especialmente para una actriz como Noémie, que debe simular algo que no se puede fingir de manera convincente como un orgasmo fingido.
En mi búsqueda, me propuse alejarme de las representaciones familiares, creando algo que pareciera auténtico a pesar de ser falso, un esfuerzo que resultó incansable. Noche tras noche, toma tras toma, pero nunca sentí que estuviéramos en el camino correcto. Y luego, cuando el cansancio llegó, la inspiración floreció. Noémie observó que su cuerpo se relajaba y se apoderó de ello. Con la fatiga llegó un momento de claridad: un suspiro y una sonrisa inconmensurables.
¿Cómo abordaron el tema usted y Merlant?
En lugar de centrarnos en retratar el aspecto físico de los personajes femeninos como normalmente se espera que sean representados, optamos por profundizar en sus sentimientos, sensaciones y experiencias internas. En lugar de usar la cámara para mostrar nuestra propia perspectiva, nuestro objetivo era colaborar con la actriz, permitiéndole investigar y comprender su personaje mientras la cámara responde e interactúa con ella. Con Laurent Tanguy como director de fotografía, nos esforzamos por capturar imágenes sin que la cámara invada el espacio personal o se entrometa en la privacidad de la actriz. Este enfoque pretende subvertir los roles tradicionales entre la cámara y la actriz, permitiendo una relación más dinámica e interactiva.
¿Trabajar con un actor que también dirige afecta tu relación en el set?
De hecho, lo hacen. En particular, tanto Noémie como Will tienen experiencia en dirección, lo que hace que nuestra colaboración sea particularmente interesante a medida que profundizamos en las discusiones sobre el encuadre. Instintivamente captaron las complejidades de ambos lados de la cámara, reflejando mi perspectiva. Fue una exploración esclarecedora para mí.
Al principio, Noémie se embarcó en una carrera de modelo, lo que le dio una comprensión íntima de encuadrar y posicionar su cuerpo apropiadamente. Su fascinación por este tema es evidente en su película autodirigida, «The Balconettes». Profundizar en estos temas le ha otorgado una sensación de liberación; Tiene un espíritu increíblemente libre y define claramente cómo desea representar la forma humana.
Nacido de ascendencia británica y japonesa, Will se sintió atraído por explorar su ascendencia japonesa a través de su trabajo. También siempre es consciente de la representación. Mi director de casting sugirió que nos llevaríamos bien, pero se mantuvo callado sobre los detalles. Entonces, cuando finalmente lo conocí, estaba encantado de decirme que pasó la víspera de Año Nuevo con algunos niños y decidió ver «Happening» cuando el reloj marcó la medianoche. ¡Lo consideró una señal de que debería reflexionar sobre estas cuestiones durante el próximo año!
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2024-09-20 11:17