5 películas clásicas que cambiaron silenciosamente las reglas de Hollywood

Hollywood comenzó hace más de un siglo, en 1910, con el cortometraje occidental In Old California. Desde entonces, la industria cinematográfica ha cambiado muchas veces, ampliando constantemente lo que Hollywood podía lograr. Cuando la gente habla de “películas clásicas”, generalmente se refiere a películas realizadas antes de la década de 1960.

Si bien las películas actuales suelen influir en Hollywood, algunos de los mayores cambios en realidad provinieron de las películas clásicas. Desde las primeras películas mudas y los lujosos musicales hasta historias de ficción poderosamente contadas, estos clásicos, como muchos otros, ayudaron a definir Hollywood y, en general, mejoraron la industria.

El nacimiento de una nación esparció su ADN por todo Hollywood

D.W. Griffith es conocido por ayudar a crear Hollywood y por dirigir la película de 1915 El nacimiento de una nación, que se basó en la controvertida obra The Clansman: A Historical Romance of the Ku Klux Klan. La película describe las secuelas del asesinato de Lincoln en 1864 y explora cómo las familias se vieron afectadas por la Guerra Civil y el período de Reconstrucción que siguió. Si bien la película es problemática, algunos historiadores del cine también reconocen sus importantes logros en la realización cinematográfica.

Estrenada en una época en la que la mayoría de las películas eran cortas, El nacimiento de una nación fue un largometraje innovador que ayudó a establecer el estándar del cine moderno. Con más de dos horas de duración, incluso las versiones recortadas requirieron un descanso a la mitad. Esta película también fue una novedad en muchos sentidos: fue la primera en utilizar una partitura orquestal completa y la primera que se proyectó en la Casa Blanca.

A pesar de ser muy controvertida por su retrato de la historia afroamericana, El nacimiento de una nación fue un gran éxito comercial y todavía se considera una película histórica. También fue pionero en muchas de las técnicas cinematográficas que se convertirían en una práctica estándar en Hollywood, y su influencia se extendió a las industrias cinematográficas de todo el mundo, y los cineastas de todo el mundo se inspiraron en D.W. El enfoque innovador de Griffith.

El director utilizó técnicas de edición inteligentes, como cortes transversales para crear suspenso, planos amplios para mostrar la escala y escenas de lucha intrincadas. Estrenada en 1915, El nacimiento de una nación influyó profundamente en el cine y sus técnicas todavía se ven en las películas de hoy, a pesar de su problemática historia. La película era profundamente racista y provocó una importante controversia, incluso vinculándola con un resurgimiento del Ku Klux Klan y un rápido aumento de su número de miembros. En última instancia, El nacimiento de una nación demostró que las películas pueden ser poderosamente persuasivas e incluso tener una carga política.

El cantante de jazz introdujo el audio en la era silenciosa de Hollywood

Las primeras películas eran completamente mudas porque era increíblemente difícil grabar sonido con imágenes en movimiento. Eso cambió en 1927 con el lanzamiento de The Jazz Singer, que introdujo el sonido sincronizado en las películas de Hollywood. Aunque inicialmente mucha gente pensó que añadir sonido era un esfuerzo inútil, The Jazz Singer rápidamente demostró que estaban equivocados.

Al igual que El nacimiento de una nación, El cantante de jazz también contiene representaciones problemáticas y racistas. El estudioso del cine Corin Willis señala que el uso de la cara negra es fundamental para la idea principal de la película. Las primeras películas de Hollywood a menudo se basaban en estereotipos dañinos, y los actores blancos frecuentemente se burlaban de los afroamericanos. A pesar de esto, The Jazz Singer fue innovadora ya que fue la primera película que presentó sonido sincronizado mediante el sistema Vitaphone.

A pesar de ser una película innovadora, The Jazz Singer en realidad presenta muy poco sonido sincronizado, tanto en el habla como en la canción. Para facilitar al público el uso de esta nueva tecnología, el director Alan Crosland utilizó intertítulos (las tarjetas de subtítulos comunes en las películas mudas) para mostrar gran parte del diálogo. Aun así, The Jazz Singer cambió fundamental y permanentemente la forma en que se hacían películas en Hollywood.

No sorprende que The Jazz Singer haya sido rehecha varias veces, incluso en 1980. Más allá de esas remakes, la película ha inspirado innumerables homenajes y referencias. Tanto Disney como Warner Bros. le han rendido homenaje en sus dibujos animados, pero quizás sea más conocido por inspirar el clásico de 1952 Singin’ in the Rain. Si bien Singin’ in the Rain era famoso por sus actuaciones y música, su historia se centró en la introducción del sonido en las películas, una trama directamente tomada de los acontecimientos que rodearon el estreno original de The Jazz Singer en 1927.

Lo que el viento se llevó enfatizó el poder del tecnicolor y el melodrama

Considerada la cima de la Edad de Oro de Hollywood, Lo que el viento se llevó revolucionó el cine en términos de narración, tecnología y su impacto en la cultura. Basada en la amplia novela histórica de Margaret Mitchell, la película comparte escenario con El nacimiento de una nación, pero se centra en la relación apasionada y complicada entre Scarlett O’Hara y Rhett Butler. Protagonizada por estos dos actores icónicos, Lo que el viento se llevó demostró rápidamente el poder cautivador del drama emocional.

Incluso si se toma en cuenta el dinero actual, Lo que el viento se llevó sigue siendo la película más taquillera de todos los tiempos, recaudando casi 4.500 millones de dólares en todo el mundo. Más allá de su enorme éxito de taquilla, la película también ganó diez premios de la Academia sin precedentes, incluido un primer Oscar histórico para un actor afroamericano. Lamentablemente, la película se vio afectada por el racismo de la era de Jim Crow. A pesar de su increíble talento, Hattie McDaniel, que ganó el premio a la Mejor Actriz de Reparto, enfrentó la segregación y no se le permitió asistir al estreno de la película.

Si bien la forma en que Lo que el viento se llevó retrata la historia ahora se considera profundamente defectuosa, su influencia en el cine es innegable. Antes de esta película, Technicolor era principalmente una curiosidad, incluso con estrenos recientes como El mago de Oz. Lo que el viento se llevó, sin embargo, demostró cómo el color puede realzar poderosamente el impacto emocional de una historia, utilizando escenas vibrantes de plantaciones y espectaculares puestas de sol. Tras su éxito, Technicolor se convirtió rápidamente en el estándar para todas las películas.

Lo que el viento se llevó no sólo se convirtió en un gran éxito, sino que también marcó el estándar para las películas históricas a gran escala. Películas como Los Diez Mandamientos, Ben-Hur e incluso Gandhi siguieron su ejemplo. Antes de esto, las películas de varias horas a menudo eran criticadas por ser demasiado largas, pero Lo que el viento se llevó, con sus casi cuatro horas de duración, demostró que podían tener éxito. Mientras que El nacimiento de una nación había demostrado previamente que eran posibles películas más largas, Lo que el viento se llevó traspasó los límites hasta la duración que ahora esperamos de las películas épicas. Su éxito también hizo que los productores estuvieran más dispuestos a invertir en producciones de gran presupuesto.

Citizen Kane demostró que el cine era una forma de arte

La primera película de Orson Welles, Ciudadano Kane, se estrenó en 1942, cuando sólo tenía 25 años. Es ampliamente considerada su obra maestra y fue un gran éxito de crítica, a menudo encabezando las listas de las mejores películas jamás realizadas, y con razón. A pesar de los elogios, no fue un éxito de audiencia en ese momento y fue olvidado en gran medida durante unos diez años.

Recuerdo que cuando se estrenó Ciudadano Kane fue sorprendentemente ignorado por los Premios de la Academia: estuvo nominado a nueve premios Oscar pero solo ganó uno por su guión original. Se sintió como un verdadero desaire, incluso entonces. Pero con el tiempo, la gente realmente empezó a reconocer su brillantez. ¡Ahora encabeza constantemente las listas de las mejores películas jamás realizadas! El American Film Institute la declaró la mejor película estadounidense, y la encuesta Sight and Sound del British Film Institute estuvo de acuerdo. Lo que siempre me llama la atención es lo innovador que fue, especialmente la cinematografía y el montaje. Realmente traspasó los límites de muchas maneras.

El crítico de cine Roger Ebert creía que Ciudadano Kane no era sólo una película fantástica, sino la culminación de todo lo que los cineastas habían aprendido con la introducción del sonido, de la misma manera que El nacimiento de una nación había mostrado la cima de las técnicas del cine mudo. Sintió que Ciudadano Kane realmente estableció el cine como una forma de arte respetada, comparable a una sinfonía clásica, y demostró que hacer cine era un esfuerzo serio y valioso.

Muchas de las técnicas cinematográficas que vemos hoy en día, como la fotografía de enfoque profundo y el sonido complejo, fueron iniciadas en Ciudadano Kane. En muchos sentidos, el estilo visual de Hollywood estuvo muy influenciado por la innovadora película de Welles.

A algunos les gusta lo caliente subvirtieron las reglas restrictivas de Hollywood

Hollywood tiene una larga historia de censura, siendo el Código Hays un excelente ejemplo. Aplicadas entre 1934 y 1968, estas reglas reflejaban los prejuicios sociales existentes. Todo lo relacionado con lo queer, incluido el drag y las representaciones de la homosexualidad, se consideraba moralmente ofensivo. Sin embargo, la película de 1959 Some Like It Hot cuestionó hábilmente el Código casi diez años antes de que fuera oficialmente abolido.

Con los talentos cómicos de Jack Lemmon, Tony Curtis y la increíblemente encantadora Marilyn Monroe, Some Like It Hot rompió audazmente las reglas del cine tradicional de Hollywood, una cualidad que a menudo falta en las películas actuales. La película es un clásico de la comedia gracias a su trepidante mezcla de payasadas, humor exagerado y chistes juguetonamente sugerentes que todavía se sienten frescos y divertidos después de todos estos años.

En la película A algunos les gusta lo sexy, Tom Curtis y Jack Lemmon pasan gran parte de la película disfrazados de mujeres y desarrollan conexiones románticas con hombres, lo cual fue un movimiento audaz considerando la estricta censura del Código Hays en ese momento. Esto fue particularmente notable porque, si bien vestirse de mujer alguna vez fue común entre los soldados de la Segunda Guerra Mundial, en la década de 1950 se produjo un aumento en el sentimiento anti-LGBTQ+ conocido como Lavender Scare. A pesar de este clima social, Some Like It Hot tuvo un gran éxito y fue siempre divertida, especialmente en su memorable escena final.

¡Me emocioné mucho cuando salió Some Like It Hot! Fue como un verdadero soplo de aire fresco: la película no tuvo miedo de ser divertida y honesta sobre las relaciones adultas e incluso jugó con ideas sobre género de una manera realmente divertida. Para mí, no fue sólo una gran película, sino que también fue una señal de que la sociedad finalmente estaba empezando a relajarse y volverse más tolerante. Si bien Hollywood todavía tiene avances que hacer, esta película se sintió como el primer rayo de esperanza: una promesa de que las cosas iban a mejorar, no sólo para las películas, sino para todos.

2025-11-30 00:11