La década de 1970 cambió drásticamente el cine, iniciando una época dorada para géneros como la ciencia ficción, la fantasía, el terror y el thriller. Antes de esta década, las películas solían adoptar un enfoque sutil, pero la década de 1970 demostró que una realización cinematográfica audaz y espectacular podía tener un éxito increíble. Esta era, ahora conocida como Nuevo Hollywood, es cuando muchos directores ahora famosos comenzaron sus carreras.
La década de 1970 fue un período de grandes cambios para el cine en todo el mundo, no sólo en Occidente. Europa y partes de Asia también presenciaron avances interesantes, con nuevas formas de contar historias y el surgimiento de éxitos de taquilla de gran presupuesto. Muchas películas de esa década todavía se conservan maravillosamente hoy en día, aunque esta es sólo una pequeña selección de ellas.
Tiburón marcó el comienzo de una nueva era para el Hollywood moderno
La película Tiburón marcó el comienzo de la era de los éxitos de taquilla y marcó un importante punto de inflexión en la historia del cine. Si bien mantuvo brevemente el récord de la película más taquillera antes de ser superada por Star Wars, muchos fanáticos del cine todavía consideran Tiburón una de las mejores películas jamás realizadas. Incluso sin considerar las secuelas posteriores, cada vez más pobres, Tiburón se destaca por sí solo como un logro cinematográfico que definió a una generación.
Sorprendentemente, un factor clave en el éxito de la película fue la frecuencia con la que el tiburón mecánico, Bruce, se averiaba. De hecho, estos fallos empujaron a Spielberg a centrarse más en crear suspenso a través de la implicación y la atmósfera, reservando las mayores emociones para la parte final de la película.
El icónico tema de dos notas de John Williams es un brillante ejemplo de música cinematográfica, que evoca instantáneamente el peligro oculto del tiburón en Tiburón. El impacto duradero de la película proviene de su cuidadosa producción, su comprensión de lo que el público encontraría aterrador y su uso sorprendentemente efectivo de la simplicidad.
La Cage aux Folles deconstruye el campamento sin perder su chispa
Estrenada originalmente como La Cage aux Folles en 1978, esta película, más conocida por el público de habla inglesa como The Birdcage, fue un gran éxito tanto entre la crítica como entre los cinéfilos. Recibió tres nominaciones al Premio de la Academia y ganó un Globo de Oro a la Mejor Película en Lengua Extranjera, convirtiéndose en una de las comedias más destacadas de la década de 1970.
El éxito internacional de La Cage aux Folles demostró que el público estaba abierto a historias LGBTQ+ contadas con corazón y humor, en lugar de negatividad o burla. La película combina hábilmente la comedia con un estilo lúdico y rebelde para exponer la hipocresía política, un problema que lamentablemente todavía existe hoy.
La película La Cage aux Folles examina con humor temas de la vida familiar LGBTQ+, el mundo del espectáculo drag y las familias que creamos nosotros mismos, todo ello siendo completamente entretenido.
Enter the Dragon llevó las artes marciales al cine mundial
Las películas de artes marciales se hicieron increíblemente populares en Hong Kong y China durante la década de 1970, pero la película más conocida de esa época en realidad se hizo en Hollywood. Lanzado poco después de la repentina muerte de Bruce Lee, Enter the Dragon estableció un nuevo estándar para el género.
Los expertos en cine continúan analizando cómo Enter the Dragon retrata la historia y la cultura asiáticas después de la Segunda Guerra Mundial, pero la película es más conocida por su enorme influencia en la cultura popular: generó ideas para todo, desde videojuegos hasta la serie Dragon Ball.
La década de 1970, una década marcada por un creciente interés en desafiar las normas y celebrar figuras poco convencionales, proporcionó el telón de fondo ideal para Bruce Lee. Si bien Enter the Dragon despertó una fascinación global por las artes marciales, también presentó un tipo de heroísmo diferente al que se veía típicamente en la cultura occidental.
Aunque la historia central se mantuvo constante, la interpretación del personaje principal, Lee (atlético, flexible y reflexivo), demostró que no había una sola manera de ser un hombre.
Cabaret demostró que Hollywood podía traspasar más límites
La película de Bob Fosse Cabaret fue un escaparate deslumbrante para Liza Minnelli, presentando lo que muchos consideran su mejor trabajo actoral. Basada en el musical de 1966 del mismo nombre, la película ganó ocho premios de la Academia, incluidos los honores de Mejor Director, Mejor Banda Sonora Original y Mejor Actriz para Minnelli.
Esta película fue innovadora para su época y recibió una calificación X debido a sus temas explícitos y contenido provocativo. Sumergió al público en intensas emociones, amplificadas por una banda sonora poderosa y enérgica.
La película Cabaret se considera una obra clave de la era del Nuevo Hollywood porque combinaba de manera única escenas glamorosas y sugerentes con una sensación de creciente miedo político. Ambientada en Berlín justo antes de que los nazis llegaran al poder, retrata el apogeo de la República de Weimar y sugiere que los excesos percibidos de la época contribuyeron en última instancia a su caída.
Roy Scheider, famoso por su papel en Tiburón, sería posteriormente homenajeado en 1979 con un homenaje que celebraba lo mejor de la década.
Alguien voló sobre el nido del cuco tiene matices, es poderoso y profundo
Alguien voló sobre el nido del cuco de Ken Kesey ofrece un retrato sensible pero honesto de la salud mental en Estados Unidos y merece un lugar en todas las bibliotecas. La adaptación cinematográfica, dirigida por Miloš Forman, captura hábilmente la esencia de la aclamada novela, convirtiendo la historia de Kesey en una película poderosa y memorable.
La película Alguien voló sobre el nido del cuco está notablemente decorada, logrando una hazaña poco común en los Premios de la Academia. Es una de las tres películas que han ganado premios Oscar en cinco categorías principales: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión, Mejor Actor y Mejor Actriz.
La película se estrenó durante un período de desconfianza generalizada en Estados Unidos, tras acontecimientos como Watergate y la Guerra de Vietnam. Esto hizo que el público conectara fácilmente con su personaje principal, Randle P. McMurphy, quien desafió el orden establecido. El espíritu rebelde de McMurphy y sus enfrentamientos con la enfermera Ratched capturaron perfectamente el estado de ánimo de la década de 1970 y provocaron conversaciones sobre el poder de la autoridad y el campo de la psiquiatría.
Sholay fue un éxito de taquilla icónico que dio forma a Bollywood
El cine indio no es sólo una industria, sino muchas, siendo Bollywood la más conocida. Entre todas las películas de Bollywood jamás realizadas, muy pocas han tenido tanto impacto y permanencia como Sholay, dirigida por Ramesh Sippy. La película estaba protagonizada por dos actores que se hicieron famosos por interpretar a un nuevo tipo de héroe, el “joven enojado”, y ayudaron a definir el cine indio.
Como muchas películas de los años 1970, los personajes principales de Sholay se rebelan contra la autoridad, pero la película lo hace con canciones increíblemente pegadizas. En esencia, Sholay es una historia sobre una fuerte amistad y los sacrificios que las personas hacen unas por otras, y sus temas todavía resuenan en el público de hoy.
Aunque a veces se le llama “Curry Western”, una etiqueta que muchos encuentran cuestionable, Sholay combina elementos de las películas del oeste con la acción y el estilo de las películas de samuráis, todo ello aderezado con un distintivo sabor indio.
En la década de 1970, las películas de Bollywood no solían mezclar diferentes géneros. Sin embargo, Sholay se destacó por su gran alcance, su audaz narración y sus poderosas emociones, lo que lo convirtió en un gran éxito en la India, muy similar al impacto que tuvo Tiburón a nivel internacional ese mismo año.
El exorcista estableció el género de terror como lo conocen los fanáticos
El exorcista de William Friedkin se convirtió en la primera película con clasificación X en recibir una nominación a Mejor Película en los Premios de la Academia. Si bien finalmente ganó sólo dos premios Oscar, sus diez nominaciones demostraron que las películas de terror pueden tomarse en serio. El exorcista también fue un gran éxito de taquilla, mantuvo el récord durante casi cincuenta años y contó con un guión ganador del Premio de la Academia.
La década de 1970, una época de creciente escepticismo público, también vio un aumento en el interés por el ocultismo y la espiritualidad de la Nueva Era. Esto creó el ambiente perfecto para que cineastas como Blatty y Friedkin aprovecharan una profunda sensación de inquietud. El exorcista, en particular, fue sorprendentemente intensa y provocó que muchos espectadores se desmayaran, vomitaran o incluso abandonaran el cine.
Incluso hoy en día, los espectadores todavía encuentran aterradoras esas escenas de la película, como cuando Regan gira la cabeza o camina por el techo. El horror no se ha desvanecido con el tiempo.
Annie Hall fue la cima del arte de Woody Allen
Las películas de Woody Allen son conocidas por ser extravagantes, similares al trabajo de directores como Wes Anderson, Jean-Pierre Jeunet y Tim Burton. Sin embargo, mientras esos cineastas crean una atmósfera extraña a través de estilos visuales e historias inusuales, Allen se centra en las ansiedades de sus personajes y la naturaleza impredecible de sus conversaciones para lograr el mismo efecto.
Annie Hall, protagonizada por ella en su papel más importante, efectivamente giraba en torno a una relación condenada al fracaso.
Estrenada en 1977, Annie Hall revolucionó las comedias románticas con su combinación única de momentos oníricos, actuación espontánea y exploración honesta de los sentimientos. Es famoso que superó a Star Wars para ganar los Premios de la Academia a la mejor película, director y guión, y tuvo un impacto duradero en el cine, la moda y la comedia. Muchos creen que Annie Hall fue el mejor trabajo de Woody Allen, lo que hace que esta película de los años 70 sea particularmente notable.
El programa de imágenes de terror de Rocky nunca ha detenido su carrera teatral
Siempre me ha sorprendido The Rocky Horror Picture Show. Es increíble cómo se sigue exhibiendo en los cines después de todos estos años: ¡de hecho, tiene la exhibición continua más larga de cualquier película de la década de 1970! Sin embargo, lo que realmente lo distingue es su base de fans increíblemente dedicada. Es fácil ver por qué tanta gente la considera una verdadera obra maestra musical.
Se convirtió en una figura querida en la cultura camp, desafiando las ideas tradicionales sobre la masculinidad y la sexualidad, un contraste audaz con los típicos héroes excesivamente machistas de su época.
Como aficionado al cine, siempre me ha cautivado The Rocky Horror Picture Show. Es un viaje tremendamente divertido de principio a fin, repleto de canciones que son tan icónicas como la propia película. Honestamente, parece que encendió la mecha de muchas cosas que vemos hoy: cosas como que el drag se vuelve más común, una mejor representación queer en los medios y una aceptación más amplia de la fluidez de género. Es una mezcla realmente innovadora de imágenes exageradas, terror, ciencia ficción y pura diversión sin complejos.
Siempre me ha cautivado esta película: es única y atrevida para su época, un verdadero producto de los años setenta. Lo sorprendente es que no desapareció simplemente; De hecho, provocó algo que sigue siendo increíblemente vibrante e influyente en la actualidad. ¡Se siente como si hubiera construido su propio pequeño mundo que continúa floreciendo!
La brillantez de El Padrino fue igualada por su secuela
Como cinéfilo, siempre digo que Francis Ford Coppola acertó absolutamente con la adaptación de esta historia. Es fácilmente uno de los mejores papeles de Marlon Brando, ¡y eso es mucho decir considerando Apocalypse Now! Todo el elenco fue increíble: Robert Duvall, Diane Keaton, James Caan y especialmente Al Pacino; todos aportaron su mejor nivel. Sin embargo, es un poco sorprendente que la primera película solo se llevara a casa los premios Oscar a Mejor Película, Guión Adaptado y Mejor Actor, considerando lo increíbles que fueron todos.
Poco después de su lanzamiento, El Padrino II demostró que las secuelas podrían ser tan buenas o incluso mejores que la película original, allanando el camino para series de películas más largas.
Ambas películas fueron muy elogiadas por su calidad y exploración de ideas complejas como el poder, la corrupción y quiénes somos. Como dijo la famosa crítica Pauline Kael, las dos películas forman esencialmente una historia única y completa presentada en dos partes, cuyo impacto total se logra al ver ambas.
El Padrino y El Padrino II demuestran el poder de la década de 1970.
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