Por qué la ignorancia es una bendición para el cineasta de documentales Nicolas Philibert: “Cuanto menos sepa de antemano sobre el tema, mejor”

Como cinéfilo experimentado que ha atravesado el laberinto del cine mundial durante décadas, puedo decir con confianza que Nicolas Philibert es una joya rara en el mundo del cine. Su enfoque único de la narración documental, caracterizado por la introspección y un profundo respeto por sus sujetos, lo distingue de muchos directores contemporáneos.

Como entusiasta del cine, estoy totalmente de acuerdo con la perspectiva de Nicolas Philibert sobre la realización de documentales: a veces, no saber demasiado puede conducir a una mayor creatividad y autenticidad. Esta idea surgió de mis conversaciones con él durante el IDFA en Ámsterdam, donde compartió sus experiencias como director de películas aclamadas como «To Be and to Have» (nominada al BAFTA) y «On the Adamant» (ganadora del premio a la mejor película de Berlín). ). Su enfoque único a la hora de contar historias siempre me ha dejado cautivado.

Este año, el cineasta francés cuyas obras «La máquina de escribir y otros dolores de cabeza» y «Averroès & Rosa Parks» se proyectan en el IDFA, expresó que cuando la intención se vuelve demasiado obvia o demasiado enfatizada, puede convertirse en un adversario. Este sentimiento se hace eco de una cita del también actor y director André S. Labarthe.

Explicó: «Tal vez es la razón por la que me preparo lo menos posible. Cuanto menos tengo que basarme en conocimientos previos sobre un tema, más cómodo me siento. No soy alguien que se prepare extensamente. En cambio, la investigación es lo que da forma La película en sí. Mis películas nacen de mi falta de conocimiento, mi curiosidad, mi deseo, mi miedo: todos estos elementos combinados. Si sé demasiado de antemano, pierdo el interés en hacer la película porque creo películas para aprender.

Philibert compartió con el entrevistador Neil Young que, en ocasiones, no decide la escena inicial de una película hasta que está trabajando en la edición. Este fue el caso de «To Be and to Have», una película centrada en un profesor y sus alumnos, que ganó el premio al Mejor Documental en los Premios del Cine Europeo. Philibert explicó que a veces trabaja desde el final: ya sabe cómo concluirá la película y luego edita hasta el principio.

Deseaba que la escena inicial de «To Be and to Have» mostrara dos reinos distintos: la naturaleza y la civilización. Esto implicaría una imagen del ganado en un entorno invernal y un aula escolar tranquila con un globo terráqueo en el suelo, un espacio donde se desarrollan las interacciones de la sociedad, explicó, aludiendo a la función de las escuelas en la formación de las habilidades sociales de los niños.

Independientemente del triunfo de la película, afortunadamente no tuvo ningún impacto en mi vida. «Seguí trabajando de la manera que más me convenía, alineándome con mi pasión, mi moral y mis necesidades. La película posterior, ‘Regreso a Normandía’, no obtuvo buenos resultados económicos. Sin embargo, fue una suerte, ya que me mantuvo con los pies en la tierra. y evitó cualquier sentido exagerado de importancia personal.

Philibert no ve ninguna división entre contar historias en películas y dirigir documentales. «Todo es fabricado. En mi opinión, un documental es simplemente otro método de crear ficción. ¿Por qué digo eso? Porque en cuanto apuntas una cámara a algún lugar, estás interpretando la realidad. Un documental no es una réplica exacta de la realidad, sino una interpretación. Estás descubriendo la verdad.

Philibert se resistió a la afirmación de Young de que sus personajes suelen parecer «encantadores» y «amables». Aclaró: «No creo películas para representar a personas encantadoras. Esa no es mi intención. En cambio, me esfuerzo por retratarlas en su dignidad, que es un aspecto único». Citando al cineasta Jean-Louis Comolli, explicó: «La esencia política del cine reside en evocar la dignidad que resuena desde la pantalla hasta la sala de proyección.

Una diferencia entre la ficción y los documentales es que el director tiene un deber hacia las personas que aparecen en la película porque están “aprisionadas en una imagen”, dijo Young, citando a Philibert. El director respondió: “Te filmo y estás encerrado en el espacio y el tiempo. Como cineasta siento que tengo una responsabilidad porque cuando tienes una cámara en tus manos tienes cierto poder, y una de las preguntas es cómo no abusar del poder que te da la cámara cuando filmas a alguien en un hospital psiquiátrico. el escenario de ‘Parques Averroès & Rosa’] o cualquier lugar. Hay que respetar a cada persona. Hacer un documental consiste en empujar a las personas de la sombra a la luz, y cuando la película termina, estas personas regresan a su vida cotidiana, a la sombra, en cierto modo. Entonces, ¿qué les dejas? Es una cuestión ética”.

Philibert subrayó que a veces es más prudente abstenerse de grabar. «Existe la necesidad de abrir puertas, capturar el espectáculo, pero valoro la confidencialidad de la vida personal. Entiendo que el mundo parece ilimitado (basta con mirar las redes sociales), pero creo que llega un momento en el que uno debe abstenerse de filmar; permita para los espacios, deje el vacío, deje algo para que el espectador reflexione sobre lo que se muestra y lo que no; en otras palabras, deje algo para la imaginación también.

Expresó su convicción de que, dada la abundancia de contenido visual actual, el cine -como una forma de arte definida principalmente por imágenes más que por plataformas como la televisión o Facebook- necesita contrarrestar esta sobrecarga de imágenes.

Reflexionó sobre su compromiso con el mundo del cine y su costumbre de mantener la producción al mínimo. «Simplemente me concentro en lo esencial», afirmó. «Soy capaz de tomarme un descanso del cine de hasta dos años.

Para mí, el atractivo del cine radica en conectar con otros y explorar diferentes partes del mundo. El mundo que habitamos hoy puede ser desafiante, duro e inquietante, pero experimentarlo a través de películas me ayuda a comprender el mundo exterior, así como a comprenderme mejor a mí mismo al observar a los demás.

Hablando de su película «Nénette», que se centra en un orangután de 40 años que vive en un zoológico, explicó: «Esta película trata sobre la percepción. La percepción siempre está influenciada por nuestras perspectivas. Es similar al cine, como cuando Cuando vemos una película juntos en el cine, cada uno de nosotros la interpreta de manera diferente debido a nuestras experiencias únicas. Nénette sirve como pantalla para las voces humanas que hablan de ella y sus observaciones, pero esencialmente se proyectan sobre ella. Esto me recuerda una cita. de Gustave Flaubert: ‘Madame Bovary, ese soy yo’. En esencia, Nénette representa a cada uno de nosotros.

Young postuló que «Nénette» se centraba en la comunicación, que también era un tema en otras obras de Philibert; sin embargo, el cineasta aclaró que su enfoque no era la comunicación per se, sino el lenguaje mismo. Para él, las palabras tienen un gran valor y se siente profundamente conectado con ellas. Son elementos cruciales. Hoy en día no está de moda, ni siquiera en los documentales, enfatizar las palabras. A menudo pasan a un segundo plano. Apenas hay un diálogo genuino. Hay poco espacio para las palabras que deambulan, que intentan descubrirse o ser descubiertas. Todo parece estar estructurado e interrumpido constantemente. Durante los debates televisivos, las tomas rara vez duran más de un par de segundos. En consecuencia, no hay lugar para palabras que buscan significado.

Truffaut afirmó a menudo que las películas cobran vida gracias a sus imperfecciones. Estoy de acuerdo, ya que creo que son las películas delicadas y defectuosas -no las que no tienen defecto alguno- las que pueden tener un impacto profundo y emocional en mí.

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2024-11-20 12:47