Las opiniones sobre El acorazado Potemkin varían ampliamente: algunos la consideran una obra maestra, mientras que otros la ven como una película olvidada. Un siglo después de su estreno, el estilo del cine mudo en blanco y negro puede parecer bastante anticuado, al igual que las creencias políticas de la época. Sin embargo, juzgar la película únicamente por esos motivos pasa por alto el hecho de que el arte es un producto de su tiempo. Visto de esa manera, El acorazado Potemkin no sólo es importante: es una piedra angular del cine.
La película de Sergei Eisenstein de 1925 conmemora el vigésimo aniversario de la Revolución Rusa y fue en sí misma una obra innovadora. Transformó el cine con su uso innovador del montaje, una técnica que comunica poderosamente ideas y sentimientos, en lugar de simplemente mostrar eventos. El fuerte mensaje político de la película fue tan impactante que varios gobiernos la prohibieron o censuraron, temiendo que alentara la rebelión.
Un siglo después, es fácil olvidar lo revolucionarias que fueron las primeras películas. Ver El acorazado Potemkin es un poderoso recordatorio de la antigua audacia del cine y de cómo rara vez las películas abordan directamente la opresión y las personas que se unen para luchar contra ella.
El acorazado Potemkin cuenta un evento singular en uno de los momentos más oscuros de la historia rusa
Siempre me ha cautivado el El acorazado Potemkin. Aunque se siente un poco diferente de las epopeyas modernas, cuenta poderosamente la historia de un motín en 1905 en un acorazado ruso. La película se desarrolla en cinco partes a lo largo de unos 75 minutos y realmente te atrapa. La acción se desarrolla cerca de Odessa, pero las semillas de la rebelión se sembraron en San Petersburgo, donde la gente ya estaba harta del zar Nicolás II. Lo que es tan convincente es cómo los marineros comunes y corrientes a bordo de este enorme barco – ¡casi 13.000 toneladas! – decidieron que no podían quedarse quietos y observar cómo sucedían las cosas. No es necesario ser un aficionado a la historia para comprender por qué se sentían así; La película lo explica todo de forma muy rápida y eficaz.
La tripulación se sintió utilizada y abusada por sus oficiales, y estuvo al borde de un motín: una sola queja sobre la mala comida, o un marinero valiente hablando, podría haber sido la gota que colmó el vaso, y finalmente lo fue. El comentario de un marinero de que los prisioneros rusos en Japón comían mejor de lo que comían puso de relieve la persistente amargura por la reciente derrota de Rusia en la guerra ruso-japonesa.
La rebelión rápidamente obtuvo un amplio apoyo cuando la noticia llegó a Odessa, aunque, como era de esperar, molestó a los que estaban al mando. En una escena ahora famosa, una unidad cosaca reprimió violentamente a los alborotadores en las calles mientras un escuadrón naval zarpaba para recuperar el control del acorazado Potemkin.
El montaje de Sergey Eisenstein en El acorazado Potemkin provoca propaganda
Ver El acorazado Potemkin revela inmediatamente su estilo distintivo de la era soviética, particularmente a través del innovador montaje de edición de Eisenstein. Utiliza cortes rápidos entre diferentes escenas y emociones para influir en cómo se siente la audiencia, empujándola claramente a simpatizar con un lado. Por ejemplo, justo después de los rostros de quienes deben comerla se muestran imágenes repugnantes de carne podrida. Las escenas de marineros preparándose para la batalla se mezclan con tomas de oficiales aterrorizados a medida que crece la rebelión. Las vistas pacíficas del océano cambian rápidamente a mares agitados, alternándose con imágenes de marineros dormidos y inquietos, todo lo cual crea tensión mientras la tripulación espera noticias de la flota del zar.
Como amante del cine, siempre quedo impresionado por el trabajo de Eisenstein, y ni siquiera se trata del barco en sí en El acorazado Potemkin, sino de lo que sucede a su alrededor, especialmente la secuencia de las escaleras de Odessa. Es increíble cómo genera tensión. La mayoría de la gente no se da cuenta de que esta escena en realidad no sucedió, pero la forma en que corta entre esas tomas amplias de personas corriendo y esos horribles primeros planos: rostros aterrorizados, cuerpos cayendo y esas botas de soldados… esa imagen de una bota aplastando la mano de un niño muerto es simplemente devastadora. Todo crea este ritmo implacable y urgente de puro terror. Honestamente, es una obra maestra de edición.
Esta película no es sólo una colección aleatoria de escenas; Muestra perfectamente cómo los cineastas soviéticos utilizaron imágenes contrastantes y edición para contar historias. Cada corte es intencional y pretende evocar una fuerte respuesta emocional. Es fácil ver cómo el público de 1925, todavía entusiasmado por la revolución bolchevique y profundamente opuesto a la opresión, se habría sentido poderosamente conmovido. No sorprende que el gobierno soviético financiara la película, mientras que otros países prohibieron o limitaron su exhibición.
El acorazado Potemkin renuncia intencionalmente al individualismo, pero lo favorece involuntariamente
Como reflejo del énfasis soviético en la acción colectiva, El acorazado Potemkin evita en gran medida centrarse en personajes individuales. En cambio, las personas actúan como partes de una máquina más grande, todas trabajando hacia o partiendo del mismo objetivo. La película carece deliberadamente de un héroe central; incluso Grigory Vakulinchuk, lo más parecido que tiene, muere antes de que la historia llegue a la mitad. Los personajes se mueven y se comportan como un grupo unificado, suprimiendo cualquier sentido de individualidad. Como resultado, las expresiones personales de emoción (del tipo que uno esperaría escuchar en un diálogo) son raras.
Eisenstein y quienes encargaron la obra pretendían un efecto específico, y lo consigue en gran medida. Sin embargo, existe una sorprendente contradicción, ya sea intencionada o no. Mientras intenta mostrar al grupo como un todo unificado, Eisenstein sorprendentemente utiliza primeros planos que resaltan brevemente a los individuos, creando un fugaz pero poderoso sentido de identidad personal dentro de la multitud en general.
Desde la devastadora pérdida de una madre hasta el aterrador casi accidente de una abuela y el puro horror en el rostro de un espectador, El acorazado Potemkin utiliza magistralmente escenas emocionalmente poderosas para llevar a los espectadores a la brutal realidad de la violencia contra la gente común.
El ritmo perjudica al acorazado Potemkin más que la tecnología
En comparación con las películas mudas en blanco y negro de la década de 1920, el público moderno no aceptaría una película casi sin color, como El acorazado Potemkin, que sólo tenía una bandera roja para el color. Pero esa ni siquiera es la razón principal por la que los espectadores de hoy en día podrían encontrar la película desafiante.
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El ritmo lento puede hacer perder audiencia fácilmente, y Battleship Potemkin a veces se siente lento, especialmente durante las tomas extendidas de la maquinaria del barco. Sin embargo, estos momentos son comprensibles considerando el contexto de la película. Destacan la importancia de la industria y la mano de obra para el gobierno soviético, e incluso podrían verse como una muestra de la avanzada ingeniería naval del país. El diseño de sonido de la película sigue siendo fuerte, manteniéndose fiel a la preferencia de Eisenstein por la música impulsada por el ritmo, que complementa perfectamente la tensión dramática cuando el barco se enfrenta al peligro. Este enfoque musical se ha mantenido constantemente en todas las versiones de la película.
Si planeas ver El acorazado Potemkin, será útil comprender el clima social y político de la época en que se hizo. Incluso sin ese contexto, la película sigue siendo poderosa, pero es posible que la veas simplemente como una película antigua en lugar de reconocer su propósito original: influir en las creencias de las personas.
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2025-12-21 17:03