Reseña de ‘Cumbres borrascosas’: un clásico atemporal recibe una actualización

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Lo admito: no soy una gran persona literaria. Nunca he leído Cumbres Borrascosas de Emily Brontë, ni siquiera he visto ninguna de las versiones cinematográficas. Para mí, Heathcliff es sólo un nombre que asocio con un gato con rayas naranjas. Entonces, cuando fui a ver la nueva versión de la historia de Emerald Fennell, no me preocupó qué tan cerca seguía el libro. Y después de investigarlo un poco, sospecho que los fanáticos que se preocupan mucho por mantenerse fieles al original podrían sorprenderse con algunas de las decisiones de Fennell. Personalmente no tuve ningún problema con ellos.

La adaptación de Fennel de Cumbres Borrascosas es una película visualmente deslumbrante e intensamente apasionante, marcada por elecciones dramáticas en cada aspecto de su producción. Todos los involucrados claramente se comprometieron plenamente con el proyecto. La película cuenta con colores vivos, vestuario opulento y una banda sonora poderosa, mientras que las estrellas Margot Robbie y Jacob Elordi ofrecen una actuación cruda y físicamente cargada, llena de intensa intimidad.

Esta película está tan centrada en emociones intensas que te hace preguntarte sobre detalles prácticos, ¡como por qué los personajes no se molestan en protegerse de la lluvia! Están demasiado perdidos en su anhelo como para darse cuenta de que están empapados. (Curiosamente, los paraguas se hicieron comunes por primera vez en Inglaterra alrededor del año 1700).

Esta historia se centra en Cathy, la única hija sobreviviente del Sr. Earnshaw, que vive en las imponentes Cumbres Borrascosas, una casa que se asemeja a un antiguo templo de piedra. Earnshaw también acoge a Heathcliff, un joven que encuentra sufriendo en las calles de Liverpool. Aunque el Sr. Earnshaw lucha contra la ira y el alcohol, espera darle a Heathcliff una vida mejor. A medida que Cathy y Heathcliff crecen, forman un vínculo profundo, a pesar de que la familia Earnshaw trata a Heathcliff como a un sirviente. Heathcliff es ferozmente protector con Cathy, y cuando se convierte en la figura imponente interpretada por Elordi, su espalda tiene las cicatrices de muchos azotes que soportó a manos del padre de Cathy mientras la defendía.

Cathy se siente inmediatamente atraída por el escarpado Heathcliff, y con frecuencia admira su físico mientras trabaja en Cumbres Borrascosas. Su atracción se intensifica después de presenciar un momento privado entre dos sirvientes, lo que lleva a encuentros secretos en los páramos. Sin embargo, la llegada del rico y encantador Edgar Linton complica las cosas. Rápidamente se enamora de Cathy y le propone matrimonio, obligándola a elegir entre seguir sus apasionados sentimientos por Heathcliff y asegurar el futuro de su familia con un matrimonio económicamente ventajoso. Si bien casarse por dinero resolvería los problemas de su familia, Cathy lucha con lo que su corazón realmente desea, y la impresionante presencia física de Heathcliff ciertamente no hace que la decisión sea más fácil.

Las fotografías promocionales de esta película deberían darle una idea de cuánta atención se prestó a los detalles visuales de Cumbres Borrascosas. Desde la cinematografía atmosférica y confusa de Linus Sandgren hasta los elaborados decorados diseñados por Suzie Davies y el llamativo vestuario de Jacqueline Durran, todo parece cuidadosamente considerado. Se podrían escribir artículos enteros sobre el uso del color rojo, que aparece en la ropa de Cathy de manera sutil: primero como una mancha de sangre de cerdo y luego, gradualmente, apoderándose de sus vestidos más elegantes a medida que su vida cambia. Es fácil que una película se vuelva demasiado visualmente dramática, pero Cumbres borrascosas, con opciones como papel tapiz en tonos carne (¡con lunares!), utiliza con éxito un estilo audaz y realzado para combinar con las intensas emociones de los actores.

Seamos realistas, la gente no va a Cumbres Borrascosas por su apariencia. Todos estamos aquí por la conexión entre Robbie y Elordi: ¡la química simplemente salta de la pantalla! Hay tantas escenas hermosas e íntimas, y las canciones originales de Charli XCX realmente contribuyen al ambiente. Ambos actores son fantásticos, pero Robbie me cautivó especialmente. Ella interpreta a Cathy con un exterior tranquilo, pero puedes sentir la lucha y la pasión en el fondo, como si apenas pudiera mantener todo junto. Es realmente convincente.

Jacob Elordi enfrenta un papel más desafiante como Heathcliff, quien oscila entre ser un amante gentil y una figura cruel. Elordi retrata sutilmente esta dualidad a través de su voz: un tono bajo y retumbante que resulta a la vez atractivo e intimidante. Hay una escena memorable en la que eleva dramáticamente al personaje de Robbie en el aire, que probablemente se volverá icónica. El ritmo de la película se ralentiza un poco después de que Heathcliff abandona Cumbres Borrascosas, reflejando el estado emocional de Cathy en ese momento, aunque no está claro si esta caída de energía es intencional.

Incluso sin saber mucho sobre Cumbres Borrascosas más allá de un rápido vistazo a Wikipedia, esta película se parecía mucho a Saltburn de Emerald Fennell: otra historia que explora temas de riqueza, clase social y el dolor del afecto no correspondido, particularmente cuando se trata de Jacob Elordi y su increíble cabello. A pesar de estar ambientadas en épocas diferentes, ambas películas de Fennell retratan la alta sociedad como una situación cautivadora pero, en última instancia, ineludible.

Definitivamente prefiero Cumbres Borrascosas. Es visual y auditivamente impresionante, combina su apasionada historia de amor con inesperados momentos de humor (¡como ese extraño fondo de pantalla!) y se siente increíblemente seguro de sí mismo, muy parecido a su inquietante y romántico héroe. Puede que no tenga el gusto más refinado, pero sé lo que me gusta.

CALIFICACIÓN: 7/10

Películas esenciales en Netflix que todo amante del cine debería ver

La noche de los muertos vivientes (1968)

Si bien Netflix tiene mucho contenido, no tiene muchas películas clásicas o de importancia histórica. Una excepción notable es La noche de los muertos vivientes de George A. Romero, una innovadora película de terror sobre un brote de zombis. Más allá de los zombies en sí, la película es significativa porque Romero la hizo de forma independiente y se convirtió en un gran éxito, marcando un punto de inflexión en el cine independiente.

El aguijón (1973)

A menudo considerada incluso mejor que Butch Cassidy and the Sundance Kid, The Sting es una película cautivadora pero agridulce sobre dos estafadores. Robert Redford interpreta a un joven estafador que solicita la ayuda del veterano estafador Paul Newman para vengar el asesinato de su amigo a manos de un mafioso despiadado, interpretado por Robert Shaw. La película presenta excelentes actuaciones de los tres protagonistas y está llena de giros y vueltas inteligentes, aunque también retrata de manera conmovedora el aislamiento de la vida durante la Depresión. The Sting ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en 1973 y sigue siendo un clásico del cine de Hollywood de los años 70.

La masacre de la motosierra de Texas (1974)

La película de terror de 1974 que inició una serie de larga duración se agregó recientemente a la colección de la Biblioteca del Congreso en 2024 debido a su impacto duradero en la cultura, la historia y el arte. (Ese año también se estrenó un documental sobre la película, llamado Chain Reactions). Si solo conoces las secuelas o remakes, muchos de los cuales no son muy buenos, ahora es el momento de ver la original, que es una película sangrienta, brutal y bellamente realizada, en Netflix.

Ficción pulp (1994)

Si bien Pulp Fiction puede no ser la película más copiada de la década de 1990 en la actualidad, fue muy influyente durante un tiempo. El hecho de que tantos intentos de copiarlo no hayan tenido éxito pone de relieve cuán talentoso es Quentin Tarantino, tanto entonces como ahora.

Pulp Fiction es una extraña mezcla de cosas que realmente no deberían encajar. Es a la vez una gran historia sobre el crimen en Los Ángeles y una mirada íntima a sus personajes. Salta entre lo tremendamente fantástico (como maletines misteriosos y clubes secretos) y lo cotidiano, con conversaciones sobre cosas simples como masajes para los pies y comida rápida internacional. Es épico y de pequeña escala, divertido y triste, violento y caricaturesco. Eso es lo que lo convierte en Pulp Fiction.

Titánico (1997)

Las películas más famosas de James Cameron combinan constantemente varios ingredientes clave: una historia de amor, acción a gran escala, actividades apasionantes y una relación compleja con la tecnología. Si bien Titanic no está tan explosivamente llena de acción como películas como The Terminator o Avatar, aún encarna todos estos temas clásicos de Cameron. Fue una empresa enorme –y un gran éxito– para su época, y está claro por qué. Cameron se destaca por mantener la historia basada en personajes identificables, incluso cuando está rodeado de imágenes y escenarios espectaculares.

Elección (1999)

Reese Witherspoon realmente se abrió paso con la comedia de 1999 Election, donde interpreta a una estudiante de secundaria motivada que choca con su cínico profesor de historia (Matthew Broderick, haciendo referencia sutil a su papel en Ferris Bueller’s Day Off). La película se centra en la divertida rivalidad que surge cuando el personaje de Witherspoon, Tracy Flick, se postula para presidenta del consejo estudiantil. Election es una película oscuramente divertida y reveladora, y a menudo se la cita como lo más destacado de un año fantástico para el cine. Lo que también es inteligente es el título de la película –simplemente Elección, no La Elección – porque en realidad trata sobre el difícil proceso de tomar decisiones en la vida, no sólo el resultado de una elección escolar.

Donnie Darko (2001)

Seamos honestos, si buscas películas genuinamente de culto, Netflix no suele ser el lugar para encontrarlas, a menos que te gusten sus propias producciones más recientes y, a menudo, de bajo presupuesto. Pero de vez en cuando, se escapa una verdadera joya, y ahora mismo esa joya es Donnie Darko de Richard Kelly. Es la película que puso al joven Jake Gyllenhaal en el mapa, y es una historia fascinante sobre un adolescente que evita una tragedia y luego se siente responsable de prevenir algo aún peor. La película está repleta de imágenes inquietantes y un ambiente maravillosamente oscuro y, sinceramente, el final es brillante. Es fácil ver por qué Donnie Darko sigue siendo una de las mejores películas independientes de principios de la década de 2000.

El calamar y la ballena (2005)

La primera vez que me fijé en Noah Baumbach fue su película sobre un joven que se enfrenta al divorcio de sus padres; era una historia muy personal y Jesse Eisenberg estuvo fantástico en ella. Esa película llamó mucho la atención y pareció lanzar a Baumbach a un nivel completamente nuevo de realización cinematográfica, que todavía vemos hoy en día con películas como Historia de un matrimonio y Jay Kelly en Netflix. Fue como un punto de inflexión para él y he sido un fan desde entonces.

Zodíaco (2007)

David Fincher es conocido por dirigir thrillers sobre asesinos en serie, pero Zodiac es más que una simple historia criminal. Es una mirada a San Francisco a lo largo de varias décadas, contada a través de las perspectivas de tres hombres obsesionados con resolver el caso Zodiac Killer. Seguimos a un inspector de policía (Mark Ruffalo), del que se rumorea que inspiró la película Bullitt, a un reportero de crímenes (Robert Downey Jr.) que se convirtió en el objetivo del Zodíaco a través de sus reportajes, y a un detective aficionado llamado Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal) que no puede deshacerse del caso incluso después de que cesan los asesinatos. Lo que hace que Zodiac se destaque es su descripción de cuán devoradora puede ser una obsesión. Fincher sumerge al público en un laberinto de pistas y pistas falsas mediante un inteligente trabajo de cámara y edición. Al final de la película, que regresa a sus momentos iniciales después de dos tensas horas y media, los espectadores comprenden realmente lo que impulsa la incesante búsqueda de Robert Graysmith.

Infancia (2014)

Durante doce años, el director Richard Linklater filmó en secreto escenas con los mismos actores: un niño (Ellar Coltrane), su madre (Patricia Arquette) y su hermana (Lorelei Linklater), unos días al año. Si bien algunos podrían ver esto como un proyecto autoindulgente, el resultado es una mirada fascinante a la vida estadounidense a principios de la década de 2000 y un retrato profundamente conmovedor de los amores, las luchas y los sacrificios de una familia. Todas las películas tratan sobre el tiempo, pero Boyhood tiene una conexión verdaderamente especial con él. Ver a los actores envejecer en la pantalla agrega una capa adicional de emoción a muchas escenas. Cuando Patricia Arquette reflexiona al final sobre su vida, sus palabras llevan el peso de una docena de años de experiencias reales. Como dijo una vez el fallecido crítico de cine Roger Ebert: “Las películas son ventanas a nuestro mundo”. Y no puedo pensar en una película que abra esas ventanas como Boyhood.

Latigazo cervical (2014)

Whiplash es una película fantástica que explora la intensa dedicación y los sacrificios que hacen los artistas por su oficio. La película sigue a Miles Teller como un joven baterista de jazz en una importante escuela de música, y su relación desafiante, a menudo abusiva, con su exigente instructor. Si bien lo empuja a sobresalir, esta relación plantea la pregunta de ¿cuánto es demasiado? El director Damien Chazelle equilibra hábilmente la emocionante energía de la película con un toque de oscuridad, culminando en una escena final verdaderamente inolvidable: un enfrentamiento épico entre estudiante y maestro. Sorprendentemente, Whiplash también funciona como una película de terror notablemente eficaz; La calma escalofriante con la que el instructor descarta un error (simplemente dice “no es mi ritmo”) es mucho más aterradora que cualquier cosa que se encuentre en las típicas películas de terror de la década de 2010.

Canta la calle (2016)

¿Qué tan bueno es Sing Street? De hecho, lloré mientras lo veía… ¡en un avión! Incluso en una pantalla pequeña a 35.000 pies, esta inspiradora historia de adolescentes irlandeses que persiguen sueños musicales realmente resonó. Es una película para sentirse bien con diálogos ingeniosos, actuaciones fantásticas y una banda sonora que es incluso mejor que La La Land, algo que a todos nos vendría bien un poco más en estos días. Sin embargo, ten cuidado: el final puede hacerte llorar (¡o dos!). No te sientas avergonzado si es así.

Spider-Man: Un nuevo universo (2018)

Si bien más grande no siempre es mejor, Spider-Man: Into the Spider-Verse sigue siendo una película destacada y posiblemente la mejor de Spider-Man. Cuenta con un gran equipo de Spider-People, incluido el nuevo héroe Miles Morales, la decidida Gwen Stacy y un pesimista Peter B. Parker. La película enfatiza poderosamente el mensaje clásico de Spider-Man (que cualquiera puede ser un héroe) y da vida de manera hermosa a los valores inspiradores de Stan Lee y Steve Ditko a través de una animación impresionante.

Roma (2018)

Recuerdo 2018 como el año en que Netflix realmente comenzó a hacer películas de las que todo el mundo hablaba y, para mí, Roma de Alfonso Cuarón se destacó. Era una película profundamente personal sobre una familia en México y su ama de llaves, Cleo, interpretada brillantemente por Yalitza Aparicio. Cuando se estrenó por primera vez, mucha gente dijo que tenía que verla en un cine para entenderla realmente y, sinceramente, la hermosa filmación en blanco y negro de Cuarón sí se veía increíble en la pantalla grande. ¡Pero también aprecié poder verlo en casa, donde podía llorar sin sentirme cohibido! Realmente me mostró los beneficios de cómo Netflix hace las cosas.

El irlandés (2019)

La frase: “¡Estoy detrás de ti, Jimmy! Hasta el final”, presagia perfectamente dónde se encuentra Frank Sheeran en última instancia. Esta atención al detalle es característica de El irlandés, una película extraordinaria que parece la culminación de la carrera de Martin Scorsese. Los momentos más poderosos ocurren hacia el final, cuando el personaje de Robert De Niro, Sheeran, enfrenta las consecuencias de sus elecciones de vida. Parece estar orgulloso de sus acciones, especialmente de su relación con el líder de los Teamsters, Jimmy Hoffa (Al Pacino), pero también se da cuenta de que su búsqueda de reconocimiento, respeto y riqueza lo ha dejado solo y muriendo en un asilo de ancianos. Un sacerdote intenta ofrecerle perdón, dejando al público preguntándose si será suficiente.

Gatos (2019)

Seamos honestos, Cats no se compara con las otras películas de esta lista. Sin embargo, para comprender verdaderamente algo grandioso, es útil mirar su opuesto, y Cats cumple perfectamente ese papel. Incluso años después de su estreno, la película sigue planteando muchas preguntas extrañas. ¿Por qué los gatos tienen manos humanas? ¿Dónde está toda la gente? ¿Qué es la “sopa de leche caliente”? ¿Por qué Jennifer Hudson solloza constantemente? ¿Por qué Idris Elba aparece casi desnudo? ¿Y por qué Taylor Swift usa tacones mientras todos los demás están descalzos? Estas preguntas probablemente permanecerán con nosotros para siempre, y eso es lo que hace que la película sea tan extrañamente maravillosa.

El poder del perro (2021)

“El poder del perro” es una película de grabación lenta donde los detalles importantes se desarrollan silenciosamente, por lo que tendrás que prestar mucha atención para captarlos. La historia se centra en Phil Burbank (Benedict Cumberbatch), un duro vaquero que lucha por el cambio después de que su hermano (Jesse Plemons) se casa con una nueva esposa (Kirsten Dunst) y trae a su hijo, Peter (Kodi Smit-McPhee), al rancho. Inicialmente, Phil descarta a Peter, pero la película desafía hábilmente tanto sus suposiciones como las nuestras sobre él, lo que lleva a una conclusión sorprendente e impactante. Con suerte, la directora Jane Campion no tardará otra década en estrenar su próxima película.

RRR (2022)

Esta emocionante película india es un emocionante viaje de tres horas repleto de imágenes impresionantes, un romance arrollador, acción intensa y números musicales enérgicos. Es similar a una película de acción clásica de John Woo, pero ambientada en el sur de Asia y presenta a dos hombres poderosos en lados opuestos de la ley que inesperadamente se unen. Esos hombres son Bheem, un guerrero de la tribu Gond, y Rama, un soldado que trabaja para el Imperio Británico. Bheem viaja a Delhi para encontrar a una niña desaparecida, mientras que Rama tiene la tarea de localizar a quien la esté buscando. En lugar de convertirse en enemigos, un encuentro casual conduce a una amistad improbable. A lo largo de la película, RRR te mantiene en vilo mientras te preguntas cuándo descubrirá cada hombre la verdadera lealtad del otro. Realizan atrevidos rescates (Bheem representa el agua, Rama representa el fuego) y desafían a la prejuiciosa clase dominante británica, mientras muestran increíbles secuencias de baile.

Godzilla menos uno (2023)

Es raro que una precuela realmente destaque, pero Godzilla Minus One es un ejemplo brillante. Al situar la historia de Godzilla en el Japón posterior a la Segunda Guerra Mundial, la película reimagina poderosamente al personaje, devolviéndolo a sus raíces como un símbolo aterrador de la devastación atómica y las heridas psicológicas de la guerra. Y este Godzilla es realmente aterrador: de escala inmensa, inquietantemente enfermo y con un aliento atómico que se siente verdaderamente peligroso.

Pero Godzilla Minus One es más que un simple espectáculo visual. Presenta a un protagonista convincente e imperfecto (Ryunosuke Kamiki) y explora temas complejos relacionados con los pilotos kamikazes, que culminan en un punto de inflexión profundamente emocional. Una parte importante de la película recuerda a una aventura clásica de Howard Hawks, con una tripulación de duros marineros luchando contra un colosal dinosaurio de propulsión nuclear, y es tan increíble como suena.

¿Estás ahí, Dios? Soy yo, Margarita. (2023)

Mientras ¿Estás ahí Dios? Soy yo, Margaret no causó un gran revuelo en los cines, parece destinada a convertirse en una película definitoria para la generación joven de hoy, al igual que Ferris Bueller’s Day Off lo fue para aquellos de nosotros que crecimos en los años 80. Esta fiel adaptación de la novela clásica de Judy Blume está escrita y dirigida por expertos por Kelly Fremon Craig y cuenta con un elenco fantástico que incluye a Rachel McAdams, Benny Safdie y Kathy Bates. Abby Ryder Fortson, que estuvo maravillosa en las películas de Ant-Man, es particularmente impresionante como Margaret. Como padre de dos hijas, no tengo muchas ganas de afrontar estos problemas yo mismo, pero me alegro de que esta película esté aquí para ellas cuando llegue el momento.

2026-02-09 23:01