Las primeras películas fueron increíblemente importantes a la hora de crear las películas de gran presupuesto que amamos ahora. Pero algunos de esos clásicos más antiguos no han resistido el paso del tiempo. Lo que entonces era innovador a menudo contiene ideas obsoletas e incluso inquietantes que no sientan bien al público actual.
Cineastas como John Ford y John Wayne fueron muy influyentes, pero sus películas frecuentemente contienen representaciones dañinas y ofensivas de mujeres y nativos americanos. A pesar de ser ampliamente estudiadas y celebradas, estas películas pueden ser difíciles de ver hoy en día debido a estos problemas.
The Wild Bunch es más violento que matizado
Cuando se estrenó en 1969, The Wild Bunch se consideró increíblemente impactante debido a su violencia realista y brutal, en particular los intensos tiroteos y las escenas de matanzas generalizadas mostradas en cámara lenta. Si bien fue innovador en su momento, ese mismo nivel de violencia ahora puede parecer exagerado y deprimente en lugar de invitar a la reflexión.
La película retrata en gran medida a personajes mexicanos como luchadores desechables o figuras corruptas. Las mujeres también están limitadas a roles de trabajadoras sexuales o víctimas. Si bien The Wild Bunch intenta subvertir los tropos tradicionales occidentales, en última instancia repite la violencia y la falta de desarrollo significativo de los personajes que se encuentran en otras películas de su época, sin ofrecer una complejidad moral genuina.
La escena inicial de Cimarrón lo dice todo
La película Cimarrón fue el primer western en ganar Mejor Película, pero mirando hacia atrás, esa decisión no se sostiene bien. La película comienza glorificando la expulsión forzada de los nativos americanos durante la fiebre de tierras de Oklahoma de 1889, esencialmente preparando el escenario para una historia que retrata a los colonos blancos como héroes que toman posesión de tierras supuestamente vacías. Los nativos americanos se muestran como una presencia silenciosa y peligrosa en los márgenes de la historia, sin voz ni personalidad real.
La película Cimarrón quiere que los espectadores alienten a Yancey Cravat, su personaje principal, pero él es un periodista que se lucra con el desplazamiento de los nativos americanos. Es esencialmente una glorificación de la expansión hacia el oeste presentada como una gran historia cinematográfica, y el hecho de que los Premios de la Academia la reconocieran revela mucho sobre los valores de esa época.
Apache es un casting racista en su peor momento
Muchas películas antiguas no se han mantenido bien debido a la forma en que retratan a los nativos americanos. Un ejemplo particularmente problemático es la película Apache, donde Burt Lancaster interpreta a un guerrero nativo americano llamado Massai con una actuación dura y ofensiva. Su maquillaje exagerado y su vestuario estereotipado, combinados con una representación simplista del pueblo apache, arruinan por completo cualquier buena intención que pudiera haber tenido la película.
Si bien Lancaster realizó una actuación dedicada, su elección como personaje apache se basa en una fantasía estereotipada y, en última instancia, dañina. Esta elección es especialmente problemática dada la sólida historia de la narración apache y el hecho de que actores indígenas con comprensión cultural genuina y experiencia personal podrían haber desempeñado el papel con mucha más autenticidad.
Siete novias para siete hermanos es un caso del síndrome de Estocolmo
Como fanático de las películas musicales clásicas, debo admitir que Siete novias para siete hermanos realmente ofrece un espectáculo. Las canciones son hermosas, el baile es fantástico y es una película visualmente impresionante. Sin embargo, y esto es importante, la historia es… salvaje. Es un musical occidental donde los hermanos Pontipee literalmente secuestran mujeres y luego usan una avalancha para mantenerlas cautivas. Es una película bellamente hecha con una premisa seriamente problemática, y eso es por decirlo suavemente.
Lo que parece un dulce romance en los musicales clásicos, donde las mujeres se enamoran y todos tienen un final feliz, hoy se ve muy diferente. Ahora reconocemos comportamientos que alguna vez se consideraron encantadores como potencialmente dañinos, incluso parecidos a situaciones como el síndrome de Estocolmo y acciones depredadoras. La película de 1954 Siete novias para siete hermanos es un excelente ejemplo; sus personajes femeninos tienen notablemente poca independencia, incluso dentro del contexto de la película. Números musicales enérgicos como “Sobbin’ Women”, aunque pegadizos, en realidad glorifican la agresión masculina y retratan a las mujeres como premios que se pueden ganar.
Los tambores a lo largo del Mohawk están encalados
Drums Along the Mohawk ilustra perfectamente cómo una película estadounidense que alguna vez fue importante puede volverse problemática con el tiempo. Si bien es históricamente importante por su impresionante uso del color y su fuerte actuación, su historia y sus valores subyacentes hacen que sea difícil disfrutarlo según los estándares actuales.
La película retrata una versión simplificada y sesgada del oeste americano, mostrando a los colonos blancos como víctimas y a los nativos americanos como simplemente atacantes violentos. Se centra en una pareja de recién casados, Gil y Lana Martin, que están amenazados por enemigos nativos americanos anónimos, ignorando las complejas razones históricas por las que los pueblos indígenas fueron desplazados de sus tierras.
Ya en 1939, la película Drums Along the Mohawk presentaba un retrato simplista e insensible de los nativos americanos. John Ford describió el valle Mohawk como una tierra deshabitada lista para ser “civilizada” por colonos blancos, ignorando el hecho de que ya era el hogar de una sociedad floreciente. La película esencialmente promueve la idea del Destino Manifiesto y funciona como un reflejo de creencias puritanas y propaganda racista, y en última instancia celebra la apropiación de tierras de los pueblos indígenas.
Stagecoach normalizó tropos occidentales dañinos
La película Stagecoach influyó mucho en muchos westerns posteriores, para bien o para mal. Desafortunadamente, su éxito también popularizó el dañino tropo de “vaqueros contra indios”, presentando una visión simplificada y negativa de los apaches como amenazas a los colonos blancos.
La película no logra retratar a los pueblos indígenas como individuos complejos o dentro de su contexto histórico, y este enfoque problemático se extiende también a otros personajes. Personajes como Dallas, la trabajadora sexual, y Doc Boone, el médico alcohólico, parecen figuras planas y estereotipadas. Si bien estas representaciones podrían haber sido pensadas como una forma de comentario social cuando se estrenó Stagecoach en 1939, hoy en día en realidad refuerzan los sistemas dañinos que la película aparentemente intentó criticar.
The Searchers es una posible obra maestra empañada por el racismo
The Searchers de John Ford está considerada una película emblemática, no sólo dentro del género occidental, sino en el cine en su conjunto. Sus impresionantes imágenes (paisajes expansivos y movimientos fluidos de la cámara) influyeron mucho en directores como Steven Spielberg. Sin embargo, la representación de la raza en la película hace que sea incómoda de ver para muchos espectadores.
El western de John Ford, The Searchers, está protagonizado por John Wayne como Ethan Edwards, un veterano de la Guerra Civil que regresa a casa y descubre que su sobrina ha sido capturada y ahora vive con la tribu comanche. La película sigue su incesante y agotadora búsqueda para encontrarla y traerla de regreso.
Bien, hace poco vi The Searchers y, sinceramente, todo me pareció realmente problemático. Ethan, el personaje principal, está claramente impulsado por los prejuicios, pero la película presenta su búsqueda como heroica, lo cual es… extraño. La forma en que se muestra a los comanches es muy variada: a veces se los retrata como nobles, otras veces como simples tipos malos, pero el director John Ford nunca te deja entenderlos como personas, ¿sabes? Muchos críticos ahora dicen que la película trata sobre racismo, pero creo que eso es una lectura importante. Parece que estamos proyectando nuestras opiniones actuales en una película que principalmente celebra las acciones violentas de un soldado confederado. Es difícil de ver, sinceramente.
El único esfuerzo como director de Marlon Brando es un western obsoleto
Muchos consideran que One-Eyed Jacks es una película fundamental en la historia de los westerns, que marca un cambio hacia historias más oscuras y complejas. También fue la única vez que Marlon Brando dirigió una película, y se nota: la película es algo caótica y presenta representaciones problemáticas de raza y género. El personaje principal, Rio, no es el típico pistolero heroico; es una figura problemática e inestable, que lucha por llevar a cabo incluso una búsqueda de venganza cuestionable.
La película intenta abordar cuestiones de raza y género, pero se queda corta. Si bien se da a entender que el personaje de Marlon Brando es mexicano, esto nunca se dice explícitamente, lo que parece un problema importante a lo largo de la película. Más allá de Brando, los personajes mexicanos están poco desarrollados y sólo sirven para sustentar las historias de los personajes blancos. A pesar de parecer innovadora, la película en última instancia refuerza y glorifica estructuras de poder obsoletas.
El hombre que disparó a Liberty Valance es un mito fronterizo autoproclamado
Siempre he pensado en esa frase de El hombre que mató a Liberty Valance: “Cuando la leyenda se convierta en realidad, imprima la leyenda”. Mirando hacia atrás, parece una confesión bastante sencilla de que la película estaba feliz de seguir las historias románticas, pero en última instancia falsas, sobre los pioneros blancos. Básicamente, la película presenta la idea de que hacer a un lado a los nativos americanos y eliminar su forma de vida fue solo una parte lamentable, pero necesaria, del progreso, incluso retratándolo como algo bueno. Es algo difícil de ver ahora, al darte cuenta de cuán casualmente aceptó esa narrativa.
Es particularmente preocupante que la película omita por completo a los personajes nativos americanos: un borrado total de su presencia. La representación de las mujeres también es problemática. El personaje femenino principal, Hallie, es simplemente una elección romántica entre dos hombres y no se desarrolla como una persona compleja con sus propias motivaciones e historia.
La serie de televisión El Llanero Solitario hizo a Tonto miserable
Aunque muchos recuerdan con cariño El llanero solitario, el programa de televisión lamentablemente reforzó estereotipos dañinos sobre los nativos americanos. El personaje de Tonto, el compañero nativo americano del héroe, fue representado con un inglés entrecortado y como una figura servil, lo que contribuyó a décadas de representaciones similares y dañinas en la cultura popular.
Si bien muchas personas probablemente vieron a Tonto, interpretado por el actor Mohawk Jay Silverheels, como un paso positivo para la representación, en realidad a él le resultó difícil el papel. De hecho, a Silverheels supuestamente no le gustaba reforzar los estereotipos sobre la lealtad de los nativos americanos a través del personaje. Según su biografía autorizada, Tonto: The Man in Front of the Mask de Zig Misiak, Silverheels se sentía avergonzado cada vez que tenía que pronunciar las conocidas líneas de Tonto en un inglés entrecortado, como “Me Tonto” y “Kemosabe”.
Como cinéfilo, siempre me ha fascinado cómo el impacto de un programa va más allá de la audiencia inicial. Si bien cosas como las reposiciones y toda la mercancía relacionada definitivamente contribuyen a su legado, lo que realmente se queda con la gente (los momentos que realmente resuenan) son igual de poderosos, si no más.
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2026-02-15 01:09