La rara transformación de Lost Star en el papel de villano explicada por el director y director de He Bled Neon. Elenco

Josh Holloway está de regreso en el cine después de más de diez años con la película He Bled Neon, y asume un papel que no se parece a nada que haya hecho antes.

Josh Holloway es un actor más reconocido por sus papeles de Sawyer en el programa de televisión Lost y Will en Colony. Estuvo por última vez en una película importante en 2014, apareciendo junto a Arnold Schwarzenegger en el thriller Sabotage, donde interpretó al agente de la DEA Eddie Jordan. Desde entonces, se ha centrado principalmente en la televisión, con apariciones en programas como Yellowstone como villano y la comedia de HBO Max Duster.

El primer largometraje de Drew Kirsch, He Bled Neon, sigue a Ethan, un joven que lucha con la pérdida de su hermano, quien comienza a sospechar que su muerte no fue accidental. Ethan, que escapó de un pasado turbulento en Las Vegas, debe regresar y poner en pausa su vida en Los Ángeles para investigar, enfrentarse a sus viejos demonios y descubrir el lado oscuro de la ciudad.

Joe Cole, conocido por su papel en Gangs of London, protagoniza He Bled Neon como Ethan. El elenco también incluye a Holloway, la cantante Rita Ora, el jugador de la NFL Marshawn Lynch (ahora actor), Ismael Cruz Cordova de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder y Paul Wesley de The Vampire Diaries. La película, escrita por Tim Cairo y Jake Gibson, y basada en una historia del productor Nate Bolotin, se estrenó en SXSW el 16 de marzo de 2026, como parte de la sección Narrative Spotlight.

En el festival SXSW, Ash Crossan de ScreenRant habló con el elenco y el equipo de He Bled Neon, incluidos Josh Holloway, ZHU, Joe Trapanese, Ismael Cruz Cordova, Nate Bolotin y Drew Kirsch. Durante la entrevista, hablaron sobre sus papeles en la película y la conversación se centró en el personaje de Josh Holloway, lo que marca un punto de partida para el actor, conocido por interpretar héroes a lo largo de su dilatada carrera.

Holloway afirmó en broma que él es “la estrella hasta que las cosas van terriblemente mal” y explicó que las motivaciones del villano, tal como las describe Cordova, son sorprendentemente identificables. Córdova señaló que el personaje, como muchas personas, se guía por la familia y actúa basándose en razones comprensibles, aunque quizás equivocadas.

Me acerqué al personaje centrándome en sus motivaciones y encontrando un sentimiento de empatía por él. Para mí, no se trataba de interpretar simplemente a un villano típico. Las acciones de este personaje surgieron de un profundo sentimiento de pérdida: su familia fue asesinada, y eso incluía a un hermano, a pesar de que ese hermano no era una buena persona. Todos habían trabajado para lograr un objetivo específico desde la infancia y, en sus mentes, lograrlo era su versión del éxito. Se trataba de supervivencia y justificaron sus acciones como necesarias. Necesitaba entender por qué hizo lo que hizo, e incluso encontrar una manera de ver cómo podría haberlo disfrutado, para que el personaje pareciera real y complejo.

El actor, conocido por su papel en Lost, explicó que su personaje de He Bled Neon ha influido profundamente en su perspectiva: siente que si alguien daña a su familia, disfrutaría de vengarse. También admitió que rara vez interpreta un papel verdaderamente villano (quizás nunca) y, por lo tanto, tuvo que equilibrar cuidadosamente el hecho de hacer que su personaje fuera identificable y, al mismo tiempo, retratarlo como genuinamente malvado.

Se trata de cómo miras las cosas. No importa desde qué ángulo mires al personaje. Trabajar en esto fue realmente interesante y divertido, pero también un desafío. Cuando recibí el guión por primera vez, tuve que descubrir cómo llegaba el personaje a sus momentos clave. Empecé a leer y, alrededor de las páginas 60 o 61, me preguntaba dónde encajaba mi parte. Entonces, de repente, ahí estaba: ¡un monólogo de cuatro páginas! Fue entonces cuando lo entendí. El personaje causó una fuerte impresión cuando fue presentado. Trabajar con Joe fue fantástico y filmamos escenas de lucha toda la noche. Definitivamente fue un desafío actuar frente a alguien mucho más joven: ¡él tenía 28 años y yo 50! En general, fue una experiencia increíble y estoy emocionado de ver finalmente cómo resultó todo.

Nate Bolotin y su equipo He Bled Neon querían mostrar el lado sucio de Las Vegas

ScreenRant: Solo dime de dónde vino el origen de la idea y cómo llegamos hasta aquí.

Al crecer en Las Vegas, siempre me ha fascinado la atmósfera única de la ciudad y quería capturar eso de manera auténtica en un proyecto. La idea de esta película realmente comenzó hace unos 20 años, cuando mi hermanastro y mi mejor amigo murieron trágicamente por una sobredosis de drogas. Recibí un mensaje de texto similar a uno de la película y tuve que regresar a casa para lidiar con la pérdida y reconectarme con personas de mi pasado. Años más tarde, comencé a pensar en una clásica historia de venganza negra: un escenario de “qué pasaría si” acerca de alguien que regresa a su ciudad natal y descubre que las cosas no son como las recuerda. Eso despertó la idea inicial de la película. Entonces comencé a pensar en quién podría dirigirlo. Drew había estado haciendo un trabajo increíble con videos musicales y resultaba que era cercano a mi hermano: crecieron juntos. Sentí una conexión a través de esa educación en Nevada y creí que su estilo sería perfecto para este proyecto. Nos comunicamos con Drew y, a partir de ahí, la película empezó a tomar forma. Por supuesto, hubo muchos pasos a lo largo del camino, pero así empezó todo.

ScreenRant preguntó si filmar con todas las luces brillantes y el entorno de Las Vegas presentaba algún desafío inesperado o que fácilmente se pasa por alto.

Como fan, siempre me encantó cómo resaltaban las imágenes de esta película. Desde el principio, los realizadores evitaron intencionadamente el Strip principal de Las Vegas. Querían mostrar un lado diferente de la ciudad: una versión más cruda y texturizada de las luces de neón que encontrarías justo al lado de la calle principal. Parecía una combinación perfecta porque el estilo del director ya es muy vibrante y colorido, y creó un telón de fondo increíble para la historia. ¡El título en sí parecía unir todo maravillosamente!

ScreenRant me pidió que presentara a los personajes y explicara a quién interpreto y cómo encaja mi personaje en la historia.

Ismael Cruz Córdova describe su personaje como complejo y reservado, alguien que revela nuevas capas con cada visualización y actuación. Intencionalmente retrató al personaje como si albergara secretos más allá de lo que se muestra explícitamente en la película, generando una sensación de profundidad interna. En esencia, el personaje está impulsado por un fuerte código personal y una comprensión única de la familia, forjada a través de dificultades y experiencias compartidas, en lugar de ideales tradicionales. Esta “familia encontrada” es su principio rector. Cordova encontró el papel emocionante y quedó satisfecho con cómo el proceso de edición mejoró aún más los matices del personaje, permitiéndole experimentar la película como un espectador.

ScreenRant le preguntó al actor cuánto disfrutaba creando una sensación de misterio en la película, donde casi todos los personajes parecen potencialmente poco confiables. Destacaron la frase “No sabemos en quién confiar” y se preguntaron qué tan satisfactorio era presentar esa ambigüedad a la audiencia.

Realmente conecté con los personajes defectuosos del programa. Me atraen las personas complejas, incluso desagradables: aquellas que están destrozadas, que luchan o son moralmente ambiguas. No creo que la mayoría de las personas sean inherentemente “buenas” y estos personajes se sienten más realistas porque todos tenemos esos pensamientos e impulsos fugaces y más oscuros. Explorar esos tonos de gris, incluso a través de personajes ficticios, puede ayudarnos a comprendernos mejor a nosotros mismos.

Trabajar con Drew Kirsch fue fascinante. Interpretó a un personaje con muchas capas, y pasamos mucho tiempo en el set discutiendo la mejor manera de abordarlo, intercambiando ideas e incluso debatiendo algunas de las opciones más complicadas. Honestamente, ¡editar sus escenas fue difícil! Cuando junté todo por primera vez, realmente tuve que concentrarme en mantener el misterio de su personaje y evitar revelar demasiado demasiado pronto. Parecía un papel realmente exigente, pero lo logró absolutamente.

ScreenRant preguntó a los actores qué esperaban encontrar en un nuevo papel, considerando que ambos son conocidos por personajes específicos. Querían saber qué objetivos profesionales los llevaron a emprender este proyecto en particular.

No busqué el puesto; me llegó. Como actor, que te ofrezcan un papel siempre es halagador: significa que la gente está notando tu trabajo y que algo que has hecho ha conectado con ellos. Este papel, sin embargo, fue particularmente interesante porque el personaje tiene muchos defectos e incluso es terrible. Me encantó esa complejidad; fue un quebrantamiento que disfruté explorando. Vemos muchas historias diseñadas para animarnos, pero esas historias son populares porque la vida no siempre es feliz. Me atrae retratar los lados más oscuros y difíciles de la vida, y este personaje conlleva mucho dolor. Está buscando respuestas que yo no puedo darle y ese viaje fue increíblemente gratificante, aunque jugarlo fue un desafío. Tuve que contenerme mucho, sin insinuar nada que pudiera revelar lo que sucede más adelante en la historia. Fue un esfuerzo constante por controlar mi desempeño. Si hubiera leído el desglose de los personajes para las audiciones, habría estado ansioso por probar el papel. Por eso, me emocionó que me ofrecieran el puesto y me comprometí a dar el mejor desempeño posible.

ScreenRant y yo hablamos recientemente sobre mi trabajo en The Bluff y El señor de los anillos, y compartieron su entusiasta apoyo y dijeron que estoy haciendo un trabajo fantástico.

Me ofrecieron esos roles casi al mismo tiempo y tuve que elegir uno, pero terminó funcionando bien. Uno era un marinero encantador y de espíritu libre que tocaba el violín, y el otro era un personaje realmente rudo y poco confiable. Pero lo que me di cuenta es que, en el fondo, ambos son simplemente personas. Como actor, te concentras en encontrar ese núcleo humano, ese pequeño fragmento de verdad dentro del papel y el mundo en el que existe, y no puedes quedar atrapado en el género. En última instancia, los impulsan las mismas cosas básicas: la necesidad de tener una familia y el deseo de defender sus creencias, y eso es lo único que realmente importa.

Absolutamente. Hablemos de la música. Dada su experiencia en música, ¿qué discusiones tuvieron lugar para determinar el sonido general de la película y cómo se decidió por los compositores?

Imaginé un sonido electrónico para el proyecto, inspirado en la sensación de una ciudad. Siempre me ha gustado la música de ZHU y mientras leía el guión repetidamente, seguí escuchando su trabajo a bajo volumen. Hablando con Nate, pensamos que colaborar con él sería una gran opción. Luego, Nate me presentó a Joe Trapanese, cuyo trabajo es increíble. Cuando nos reunimos en su estudio, hablamos de traer a otro artista, algo que Joe ya había hecho antes. Parecía la combinación perfecta, así que decidimos incorporarlos a ambos y así fue como surgió todo.

ScreenRant preguntó sobre las partes de la película que inspiraron el diseño de sonido y qué pretendía el equipo con el audio.

Cuando empezamos a trabajar con ZHU, anticipé que nuestras conversaciones iniciales se centrarían en elementos de la música electrónica como sintetizadores y cajas de ritmos. Sin embargo, rápidamente nos sumergimos en el guión en sí, concentrándonos en cómo crear un mundo creíble e inmersivo a través de sonidos naturales y orgánicos. Todos estuvimos de acuerdo en que la partitura necesitaba energía y ritmo, pero pasamos mucho tiempo explorando el uso de guitarras, baterías acústicas e incluso percusiones únicas con influencias mundiales. El objetivo era hacer que la música se sintiera sólida y texturizada, reflejando el escenario realista y descarnado de la película, en lugar de sonar demasiado pulida o puramente electrónica. Queríamos que tuviera una auténtica sensación de profundidad.

ScreenRant: Y ZHU, ¿cuál fue tu proceso para la música de la película?

Me apasiona crear música que evoque emociones fuertes y quería que este proyecto se sintiera increíblemente crudo y real, reflejando la experiencia de pérdida y la voluntad de sobrevivir. Habiendo perdido personalmente a un amigo, sé lo que es estar en modo de supervivencia, tomando decisiones difíciles. Quería que la música capturara esa intensidad, que fuera poderosa y sin filtros. Combinar el alcance cinematográfico con la energía subterránea me permitió transmitir una sensación que las palabras por sí solas no podían expresar: una sensación de inmersión. Quería que los oyentes, especialmente entre una gran multitud, realmente sintieran esa energía, que comprendieran la historia de supervivencia en su esencia. Eso es lo que busqué con la música de esta película: una experiencia primaria y poderosa.

ScreenRant: ¿Existe algún álbum complementario que podamos comprar y recoger?

Nate Bolotin confirmó que se planea una banda sonora de la película, aunque no han fijado una fecha de lanzamiento ni para la banda sonora ni para la película en sí. Actualmente están buscando socios de distribución y explorando opciones tanto para la película como para la música, con el objetivo de maximizar el potencial del proyecto. Drew y él siempre imaginaron la música como una pieza independiente, algo memorable que la gente continuaría disfrutando y discutiendo. Sintieron que la música era esencial para la película y quedaron muy satisfechos con el resultado final.

Fue un verdadero privilegio participar en el proyecto desde el principio. Empezamos a trabajar en la música incluso antes de que comenzara el rodaje, leyendo el guión y familiarizándonos con la historia, e incluso pudimos visitar el set. Está claro cuánto esfuerzo pusieron todos para hacer de la música una parte clave de la narrativa de la película.

Como actor, el núcleo emocional del personaje siempre estuvo presente. Desde mi primer encuentro con Drew, nos centramos en el alma del personaje. Nos sumergió en el mundo al compartir listas de reproducción antes de las escenas, permitiéndonos experimentar los sonidos y la atmósfera. Fue un proceso maravilloso en el que el personaje se sintió plenamente realizado. No estábamos simplemente representando líneas o un género; estábamos encarnando toda la experiencia y la música jugó un papel muy importante para conectarnos y generar un impacto real.

Creo que se debe a mi experiencia en vídeos musicales. Cuando estás haciendo un video, obtienes la canción y la escuchas repetidamente mientras desarrollas las imágenes. Es reconfortante para mí estar familiarizado con la música de antemano y compartirla con todo el equipo antes de comenzar a filmar.

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2026-03-26 00:32