Con los Oscar acercándose, la ambiciosa película de Paul Thomas Anderson, Una batalla tras otra, es una de las principales contendientes. Inspirada en la novela Vineland de Thomas Pynchon, la película está protagonizada por Leonardo DiCaprio como un exrevolucionario que lucha por proteger a su hija, Willa (interpretada por Chase Infiniti), mientras su pasado amenaza con desentrañar su presente. La película ha recibido 13 nominaciones al Premio de la Academia y es una de las favoritas para ganar, gracias tanto a su elenco estelar como al hábil trabajo del equipo creativo detrás de escena.
La película Una batalla tras otra cambia dramáticamente de tono, lo que podría resultar discordante para los espectadores, pero la hábil edición de Andy Jurgensen, junto con la visión del director Paul Thomas Anderson, lo impide. Jurgensen ha sido nominado a su primer Oscar y trabajó por primera vez con Anderson en 2014 como asistente de edición en Inherent Vice. Desde entonces se ha convertido en un colaborador frecuente y también edita Phantom Thread y Licorice Pizza.
Jurgensen, en una conversación con Todd Gilchrist en ScreenRant, analizó elementos clave de la película Una batalla tras otra. Explicó su enfoque en el desarrollo de personajes, usando una escena fundamental entre Perfidia (Teyana Taylor) y Lockjaw (Sean Penn) como ejemplo. También destacó el papel crucial que jugó la música en el proceso de realización cinematográfica y compartió la historia detrás de cómo el personaje Sensei (Benicio del Toro) terminó admitiendo haberse tomado “unas cervecitas”.
Una batalla tras otra recorre una delgada línea entre lo serio y lo serio. El satírico
ScreenRant preguntó: Al editar las películas de Paul Thomas Anderson, ¿usted y él discuten el significado más profundo y cómo moldear la comprensión de los personajes por parte de la audiencia? ¿O su papel es principalmente técnico: simplemente ensamblar el metraje mientras él dirige?
Es una combinación de cosas, en realidad. Siempre empiezas mirando las actuaciones de los actores y viendo lo que aportan a la escena. Luego, como es tan bueno trabajando con actores, naturalmente empiezan a probar diferentes enfoques y a mejorar a medida que avanza la filmación, hasta que todos se sienten seguros. Empiezas a reconocer cuándo realmente han encontrado su ritmo y luego te concentras en usar esas tomas.
Esta película tenía muchas cosas que hacer, con una historia compleja y un ritmo rápido. Fue complicado encontrar los momentos adecuados para reducir el ritmo y darle un respiro al público. También tuvimos que manejar cuidadosamente los cambios de tono, asegurándonos de que no fuera demasiado divertido en algunos lugares o no lo suficientemente intenso en otros. Lo descubrimos observando la reacción del público ante la película durante las proyecciones de prueba.
Recientemente, mucha discusión en torno a esta película se ha centrado en sus temas políticos. Sin embargo, veo esa política como simplemente preparar el escenario para lo que es fundamentalmente una historia sobre un padre y una hija. Tenía curiosidad por saber cómo decidiste presentar a los revolucionarios; parecía un delicado equilibrio entre hacerlo satírico y mantenerlo basado en la seriedad.
El comienzo de la historia fue un desafío porque necesitábamos establecer mucha información de fondo sobre Perfidia y su personalidad antes de que desapareciera en gran medida de la narrativa hasta el clímax. Nuestro objetivo principal era presentar a todos los actores clave y luego profundizar en la perspectiva de Perfidia, trazando su viaje. Tuvimos que representar su lucha contra la depresión posparto, el robo al banco y sus consecuencias y, lo que es más importante, cómo su decisión de informar sobre todo el mundo altera dramáticamente el curso de los acontecimientos.
Estamos explorando varios enfoques de la revolución a través de diferentes personajes. Sensei, por ejemplo, es un revolucionario por derecho propio: tranquilo, sereno y muy diferente del impulsivo Bob. Lockjaw, por su parte, busca pertenecer a un grupo establecido. Todas estas diversas personalidades contribuyen a la historia mientras preparamos a Willa para asumir un papel de liderazgo.
La escena del accidente automovilístico que involucra a Lockjaw está filmada con una sola toma realmente impresionante, pero no es una explosión exagerada y llena de acción como se podría ver en una película de Michael Bay. ¿Hubo una discusión sobre cómo mostrar mejor este momento y aun así contar la historia de manera efectiva?
La secuencia del accidente automovilístico se filmó de manera realista, con cámaras montadas dentro del vehículo. Evitamos intencionalmente metraje excesivo y seleccionamos solo los momentos más impactantes desde los distintos ángulos que capturamos. La secuencia final consta de cuatro planos y siempre planeamos concluirla así. Logré extender ligeramente la escena cambiando entre diferentes ángulos de cámara, manipulando efectivamente la duración de tiempo percibida. Era crucial mantener una comprensión clara del diseño de la escena (la zanja, la posición del auto azul y sus movimientos) para garantizar que todo tuviera sentido.
Mira, no soy partidario de la edición demasiado llamativa. Esta película en realidad tiene un montón de cortes rápidos en el clímax, pero lo que siempre buscamos es contar la historia de la manera más poderosa posible y, sorprendentemente, eso a menudo significa usar menos cortes. Honestamente, es un acto de equilibrio constante. Mantener una toma por más tiempo se siente más real, menos como si te estuvieran engañando. Siempre estamos tratando de encontrar ese punto ideal: mantener las cosas emocionantes sin sentirnos manipuladores.
Nos concentramos principalmente en conseguir el audio perfecto y seleccionar las tres o cuatro tomas más fuertes antes de seguir adelante. La naturaleza inesperada de la escena a menudo sorprende a los espectadores: no están preparados para algo tan impactante, como preguntarse si un personaje ha muerto. Debido a que la revelación es tan impactante, evitamos exagerarla intencionalmente.
Cómo una toma puede cambiar el arco de un personaje
Still courtesy of Warner Bros.
Noté más matices en los sentimientos y motivaciones de Perfidia durante una nueva visualización de su escena con Lockjaw. Los pequeños detalles, como un gesto o una expresión facial, realmente pueden cambiar la forma en que los espectadores entienden a un personaje. ¿Recuerda algún momento específico en el que los realizadores discutieron y refinaron esos detalles para asegurarse de que el personaje se transmitiera como Paul pretendía?
A una toma en particular la apodamos ‘El Paseo de la Vergüenza’ porque era un momento clave para mostrar el conflicto interno del personaje. Incluso si otras tomas no acertaban, siempre mantuvimos esta: resaltaba sus sentimientos secretos y la complicada dinámica entre ella, Bob y Lockjaw.
Cuando trabajamos en Lockjaw, buscamos un equilibrio. A menudo se lo retrata como increíblemente poderoso y queríamos aceptar eso, pero también crear un personaje completamente realizado. Nos centramos especialmente en esto durante escenas como la prueba de ADN con Willa y la escena del hospital con Perfidia. Sean Ryan, el actor, ofrece una actuación muy sólida y confía en nuestro director, Paul, por lo que, naturalmente, se inclina hacia esos momentos más importantes. Sin embargo, a veces necesitábamos reducir sutilmente su actuación para asegurarnos de que los momentos posteriores más íntimos de la escena tuvieran un mayor impacto.
Trabajamos mucho para hacer que su personaje fuera complejo. Aunque haga cosas horribles, acabas sintiendo lástima por él. El actor Sean aportó mucho al papel: sus pequeñas risas insinuaban el trágico final que se avecinaba y, en última instancia, interpretó a un personaje verdaderamente desgarrador.
ScreenRant pregunta si la película logró equilibrar su humor con el peligro genuino que enfrentan los personajes Bob y Willa, o si la comedia socavó la tensión. Se preguntan si fue difícil lograr ese equilibrio.
Andy Jurgensen sintió que podrían haber sido un poco reservados en las ediciones iniciales. Enfatizaron constantemente los aspectos cómicos, particularmente en las escenas de Christmas Adventurer, utilizando una expresión inexpresiva para resaltar la tontería inherente. También confiaban en que las llamadas telefónicas de Bob obtendrían constantemente una buena reacción del público.
Una vez que comenzamos a mostrar la película para probar al público, comenzamos a centrarnos en lo que funcionaba bien: las escenas que provocaban risas, por ejemplo. Luego, pensábamos en formas de agregar aún más momentos que resonaran en los espectadores. No teníamos miedo de cambiar el tono, pero queríamos asegurarnos de que esos cambios se sintieran naturales y no confundieran a la gente. Las proyecciones para el público confirmaron que la gente seguía la historia y entendía los cambios de humor y estilo.
La actuación de Benicio del Toro como Sensei fue lo más destacado de la película, combinando exitosamente profundidad emocional con comedia manteniendo el suspenso de la historia. Jurgensen también reveló un detalle sorprendente sobre cómo se desarrolló su personaje.
La actuación de Sensei fue excelente, así que comenzamos a pensar en formas de ampliar su función. La parte sobre las “cervezas pequeñas” no estaba originalmente en la película; lo agregamos más tarde. No es esencial para la historia: podría simplemente haberse marchado y desaparecido por un tiempo. Pero decidimos darle a la audiencia un poco más de Sensei, ya que fue un momento divertido.
Inicialmente agregamos mucho a esa sección, incluida una escena en la que Bob cuestiona el nombre de alguien en un carromato. Al final, esa escena no fue necesaria: podríamos haber ido directamente a la comisaría. Sólo estábamos tratando de ver si podíamos agregar más y extender la secuencia. Ahora que la frase sobre “unas cuantas cervezas pequeñas” se está volviendo tan popular, estoy muy feliz de que la hayamos mantenido. Es un final apropiado para su personaje y demuestra que la experimentación puede conducir a grandes resultados.
ScreenRant preguntó sobre un momento específico de la película: la reacción de Lockjaw después de recibir los resultados de su prueba de ADN. Simplemente dice “Uh-oh”, lo que indica a la audiencia que parte de la historia ha terminado. Luego, la escena se vuelve negra, pero se revela inteligentemente que esto se debe a que un personaje, Penn, está parado entre Chase y la cámara. El entrevistador tenía curiosidad sobre el razonamiento detrás de estas elecciones específicas.
La escena de las pruebas de ADN pasó por muchas revisiones. Originalmente era mucho más largo y reorganizamos el diálogo para controlar el ritmo. De hecho, el actor dijo algunas líneas más después de la reacción inicial, pero sentimos que la escena había llegado a su conclusión. Recortamos repetidamente los resultados de las pruebas visualmente, y cuando todo finalmente se alinea, es una gran sorpresa, y luego la escena termina.
Dado que ese momento creó una sensación de peligro inmediato, necesitábamos sacarlo rápidamente de la situación. La técnica de edición específica que utilizamos permitió una fuga rápida. Luego intentamos fortalecer la conexión entre Willa y Bob en la siguiente escena, particularmente durante el diálogo de Bob sobre su cabello. Nuestra intención era terminar con un primer plano del rostro de Willa y luego pasar inmediatamente a un primer plano del rostro de Bob. Ese fue el núcleo de nuestro enfoque.
La toma de él alejándose enmarcada en negro parecía una forma sorprendente de hacer avanzar la escena. Es un poco inquietante, te hace preguntarte qué está pasando, y eso en realidad es algo bueno. Un final ligeramente extraño puede ser realmente efectivo y, en este caso, la rareza realmente funciona.
La impresionante actuación de Chase Infiniti como Willa influyó mucho en el proceso de filmación, y Jurgensen no tardó en reconocer su talento.
A veces, simplemente hay que centrarse en la actuación del actor. Su expresión en esa toma en particular fue fantástica: realmente transmitía miedo. Después de eso, tuvimos que decidir cómo capturar mejor eso en la toma, lo que nos llevó a intentar usar una técnica de marco negro.
Andy Jurgensen revela detalles sobre la evolución de sus colaboraciones con la PTA
Still courtesy of Warner Bros.
El estilo cinematográfico de Paul Thomas Anderson ha evolucionado desde Boogie Nights, pero todavía incluye elementos de su enfoque anterior, más extravagante. Es conocido por filmar con frecuencia escenas desde el interior de automóviles, una técnica que no he visto a nadie usar con tanta frecuencia. La pregunta es si disuadirlo de confiar demasiado en estas técnicas familiares, o aceptarlas y celebrarlas como guiños a su trabajo anterior.
A menudo incluimos referencias y guiños a otras películas en nuestro trabajo. Al decidir cómo mostrar el título de la película, inicialmente consideramos mostrarlo en una pantalla negra, pero nos dimos cuenta de que ya habíamos usado esa técnica en nuestras dos películas anteriores. Así que optamos por un enfoque diferente y colocamos el título más adelante en la película.
Aprecia las tomas creativas, como las de la puerta del auto, pero siempre deben estar al servicio de la historia. Sólo los incluimos si realzan una escena. Por ejemplo, la toma de Willa cerrando la puerta del auto y alejándose al comienzo de la secuencia del río de las colinas fue perfecta porque parecía auténtica y creó una fuerte apertura para esa parte de la película. Simplemente encajó y funcionó muy bien.
ScreenRant me preguntó si, después de haber colaborado con Paul varias veces, reviso el trabajo anterior de editores como Dylan Tichenor para comprender qué prefiere Paul. Querían saber si trato de igualar ese estilo o si me concentro en desarrollar mi propio enfoque de edición independientemente del trabajo anterior.
Estoy familiarizado con todas las películas anteriores, por supuesto. También conozco bien a Dylan y Leslie Jones: ambos han trabajado en bastantes películas de Paul en el pasado.
Comencé mi trabajo con Paul Thomas Anderson como asistente de edición en ‘Inherent Vice’, donde colaboré con Leslie y observé el proceso de realización cinematográfica. Más tarde trabajé con Dylan en ‘Phantom Thread’. Observar la dirección que Paul daba tanto a Leslie como a Dylan me enseñó mucho. Paralelamente a esos proyectos, también trabajé en vídeos musicales y películas más pequeñas, lo que me permitió desarrollar una sólida relación de trabajo con él.
Habiendo trabajado con Anderson durante mucho tiempo, Jurgensen entiende instintivamente cómo aborda su trabajo.
Empiezas a comprender sus preferencias (a qué responde y qué no le funciona) y tienes una idea de lo que naturalmente lo atraerá o lo hará sentir fuera de lugar durante una actuación. Prefiere que las cosas sean un poco imperfectas, porque eso es lo que hace que una escena sea cautivadora. Es importante aceptar esas peculiaridades e imperfecciones.
Estoy increíblemente agradecido por mi relación laboral de 12 años con Paul y estoy muy orgulloso de lo lejos que hemos llegado. Hemos crecido juntos, incluso a través de grandes cambios, como pasar de un proyecto más pequeño, Licorice Pizza, a su (y la mía) película más grande hasta el momento. Ambos fuimos descubriendo cosas a medida que avanzábamos.
Sin embargo, lo más conmovedor de la respuesta de Jurgensen fue el elogio que le dio a todas las personas con las que colaboró creativamente, incluso a aquellos que no participaron en Una batalla tras otra.
Leslie y Dylan son fantásticos y parece que todavía somos una gran familia. Nuestra conexión con Paul, construida a lo largo de años de trabajo juntos, se extiende a todo el equipo, especialmente al departamento de cámara, que ha estado con él durante cinco películas. Todos hemos estado colaborando durante más de una década, por lo que sabemos muy bien cómo comunicarnos y hacer las cosas. La lealtad de Paul hacia su equipo realmente beneficia a todos los involucrados.
Hacer una elección musical con Paul Thomas Anderson
Still courtesy of Warner Bros.
ScreenRant preguntó sobre el uso de la canción de Jackson 5 en la película, señalando que se intentó en varias escenas antes de finalizarla para la fuga del hospital de Bob. Tenían curiosidad por saber cuántas canciones proporcionó Paul para trabajar durante el proceso de edición y cuánto control creativo tenía el editor para elegir dónde se colocarían esas canciones en la película.
Andy Jurgensen tiene un talento increíble para la música. Constantemente se le ocurrían ideas fantásticas y comenzamos a explorar esas ideas mientras revisábamos las imágenes diarias de la filmación. Reproducíamos pistas musicales potenciales, desde canciones preexistentes hasta versiones tempranas de la partitura, en ese mismo momento, usando su teléfono para reproducirlas a través del sistema de sonido. Esto nos permitió ver rápidamente cómo se sentía la música en cada escena y si encajaba bien.
Mientras trabajábamos en Steely Dan, a menudo poníamos canciones de Jackson 5 durante la revisión diaria del metraje, especialmente durante las escenas con persecuciones de autos. Recuerdo específicamente una toma en la que el equipo de Lockjaw aterrizó desde un helicóptero, informó a la policía y luego se fue mientras lo perseguían. Hicimos muchas tomas de esa escena y, en un momento, estábamos tocando “Ready or Not Here I Come (Can’t Hide from Love)” mientras veíamos el metraje.
La letra de la canción estaba bien por sí sola, pero realmente cobró vida cuando la usamos en la escena del hospital. Resonó en todos y recuerdo que Paul y yo simplemente compartimos una sonrisa. Fue un momento esperanzador y edificante en la música que hizo que la historia avanzara sin problemas.
Jurgensen explicó cómo se agregaron las canciones al álbum One Battle After Another (la mayoría ya fueron elegidas por Anderson) y compartió más detalles sobre cómo se creó el álbum.
Principalmente ayudo con las ideas musicales. Paul tiene una visión muy clara y una lista de reproducción que creó mientras escribía. Experimentamos con diferentes pistas: a veces piezas de las partituras de Jonny Greenwood para películas pasadas y otras veces simplemente canciones aleatorias. Ofrezco sugerencias y probaremos cosas, como diferentes canciones navideñas u otras melodías de Ella Fitzgerald, para ver cuál encaja.
A diferencia de algunas producciones, no recibimos una lista de canciones para empezar. Nuestro supervisor musical selecciona cuidadosamente la música con una visión clara en mente, lo cual es increíblemente útil. Por ejemplo, con ‘Licorice Pizza’, muchas de las canciones ya estaban incluidas en el guión. Si bien todavía exploramos otras opciones, la música es central en el proceso cinematográfico de Paul: la considera durante toda la etapa de escritura.
ScreenRant se pregunta si el final de la película incluye un homenaje al director Jonathan Demme, haciendo referencia específica a una escena de ‘American Girl’ que pudo haber sido particularmente significativa para él.
Sí, hablamos absolutamente de ello. El silencio de los corderos es una película que él y yo amamos mucho. Definitivamente era algo en lo que estábamos pensando.
La canción parecía encajar perfectamente con el final de la película, especialmente durante la escena final. No necesariamente lo elegimos por Jonathan Demme, pero definitivamente estaba en nuestras mentes. Ya estaba en nuestra lista de posibles canciones y, una vez que la usamos, fluyó maravillosamente a lo largo del final y los créditos. Es una buena ventaja que también rinda homenaje al trabajo de Jonathan Demme.
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2026-03-05 22:17