Diane Keaton, estrella de comedia ganadora del Oscar, muere a los 79 años

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Ha muerto una de las estrellas más emblemáticas del mundo del cine de los últimos 50 años.

Diane Keaton murió el sábado 11 de octubre en California, según un informe de la *Revista People*. Su familia ha solicitado privacidad y no se han revelado más detalles sobre su muerte. Tenía 79 años.

Diane Keaton, nacida como Diane Hall el 5 de enero de 1946, se crió en Los Ángeles. Adoptó el nombre artístico de Keaton porque otra actriz ya estaba usando su nombre de nacimiento en el sindicato de actores; Keaton era el apellido de su madre. Después de estudiar actuación en Nueva York y actuar en Broadway, protagonizó junto a Woody Allen su obra de 1969, *Play It Again, Sam*. Posteriormente, la obra fue adaptada a una película dirigida por Herbert Ross, con Keaton repitiendo su papel teatral. Su actuación le valió una nominación al premio Tony como Mejor Actriz de Reparto.

Diane Keaton realmente comenzó a ganar reconocimiento cuando consiguió el papel de Kay Adams en *El Padrino* de Francis Ford Coppola. Fue una actuación fantástica y aportó una vulnerabilidad real al personaje. Lo que es aún más impresionante es que ella no fue una excepción; regresó tanto para *El Padrino II* como para *El Padrino III*, consolidando realmente su lugar en esa icónica saga cinematográfica.

Después de su papel en *El Padrino*, Diane Keaton se convirtió en la coprotagonista más frecuente y reconocible de Woody Allen a lo largo de la década de 1970. Apareció en muchas de sus películas más exitosas de esa época, incluidas *Sleeper*, *Love and Death*, *Manhattan* y su comedia romántica aclamada por la crítica, *Annie Hall*. Estrenada en 1977, *Annie Hall* fue una gran ganadora de premios, llevándose a casa cuatro premios Oscar: Mejor Película (superando a la *Star Wars* original), Mejor Director, Mejor Guión Original y Mejor Actriz por la interpretación de Keaton como Annie Hall.

Si bien Diane Keaton es mejor conocida por sus papeles icónicos en *El Padrino* y *Annie Hall*, protagonizó películas constantemente a lo largo de su carrera, hasta el año pasado. Apareció en una larga lista de películas queridas y exitosas por la crítica, incluyendo *Buscando al Sr. Goodbar*, *Interiores*, *Reds*, *The First Wives Club*, *Father of the Bride* y su secuela, *Marvin’s Room*, *Something’s Gotta Give*, *The Family Stone*, *Book Club* y su secuela, *Book Club: The Next Chapter*. Incluso recibió nominaciones a Mejor Actriz por sus actuaciones en *Reds*, *Marvin’s Room* y *Something’s Gotta Give*.

Diane Keaton no era sólo una actriz; también dirigió cuatro películas, comenzando con *Heaven* en 1987. Su última vez en la silla de directora fue con la película de 2000 *Hanging Up*. Como actriz, su último papel fue en la película de 2024 *Summer Camp*, donde protagonizó junto a Kathy Bates y Alfre Woodard.

Diane Keaton fue una actriz notablemente versátil y querida, que cautivó al público de diferentes generaciones. Su fallecimiento es una pérdida significativa para los fanáticos del cine, y es difícil imaginar las películas de la década de 1970 (o los años siguientes) sin su presencia.

Las 40 mejores películas de los últimos 40 años (1985-2024)

40. El fugitivo (1993)

Al compilar listas de grandes películas, es fácil pasar por alto películas puramente divertidas que puedes ver repetidamente sólo por diversión, especialmente si no tratan de ideas profundas o complejas. Sin embargo, *El fugitivo* hace que los thrillers de acción aparentemente simples parezcan sencillos. En realidad, es un desafío notable crear una película con un misterio tan apasionante, una acción clara y actuaciones sólidas, particularmente de Tommy Lee Jones como el implacable mariscal estadounidense Sam Gerard. Esta película se puede volver a ver sin cesar porque está diseñada con un nivel de habilidad y atención al detalle que era poco común en 1993 y que es aún más raro hoy en día.

39. Santos motores (2012)

*Holy Motors* de Leos Carax se siente como el sueño más increíble que jamás hayas experimentado mientras estás despierto. Es un tributo tremendamente imaginativo y conmovedor al cine, la actuación y la vida misma, lo que sugiere que todos están interconectados. Denis Lavant ofrece once interpretaciones fantásticas como Oscar, un hombre que conduce por París en una limusina, transformándose constantemente en diferentes personajes, desde un artista de captura de movimiento hasta un gángster y un mendigo. Si bien la naturaleza exacta del trabajo de Oscar sigue siendo un misterio, la película demuestra poderosamente la magia duradera y las posibilidades no realizadas del cine, especialmente en un momento en que los métodos tradicionales de asistencia al cine y distribución están cambiando.

38. Duro (1992)

*Hard Boiled* de John Woo comienza con una escena simple: se prepara una bebida. Se vierte tequila y refresco en un vaso, luego el vaso se golpea contra la barra, mezclando el contenido. Esta apertura no se trata sólo de bebidas; insinúa la idea central de la película. La película explora lo que sucede cuando dos personas muy diferentes se juntan. Tanto Chow Yun-Fat como Tony Leung son grandes actores por sí solos, pero cuando trabajan juntos, el resultado es explosivo e inolvidable: pura magia cinematográfica.

37. Matiné (1993)

*Matinee* de Joe Dante no es sólo un viaje divertido al pasado; Examina inteligentemente la diferencia entre el miedo genuino y las emociones fabricadas que ofrecen las películas de terror cursis y el productor de la película, Lawrence Woolsey (John Goodman). Es sorprendente lo reveladora que puede ser una película sobre un cineasta de bajo presupuesto.

La cálida mirada retrospectiva de la película a las películas B de los años 60 se equilibra con la comprensión de que el mundo real, tanto entonces como ahora, puede ser un lugar difícil. La historia se centra en Gene (Simon Fenton), un adolescente que vive con su madre y su hermano en una base militar mientras su padre está en el mar durante la Crisis de los Misiles en Cuba. Gene suele cuidar de su hermano menor Dennis (Jesse Lee) mientras su madre (Lucinda Jenney) lucha por sobrellevar la situación. Los constantes cambios debido al trabajo de su padre hacen que los hermanos se sientan como extraños en la escuela. Para ellos, el cine local ofrece un escape muy necesario y una sensación de felicidad.

36. Regreso al futuro (1985)

En esencia, *Regreso al futuro* explora una pregunta que tienen muchos adolescentes: ¿Cómo eran mis padres cuando eran jóvenes? La película construye brillantemente una historia en torno a esta idea. Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, es un adolescente despreocupado que viaja al año 1955 en un DeLorean que viaja en el tiempo creado por su excéntrico amigo científico. Una vez allí, accidentalmente interfiere con la primera reunión de sus padres, amenazando su propia existencia y obligándolo a arreglar la línea de tiempo. Con su humor, estilo único, bellas imágenes y edición trepidante, *Regreso al futuro* es un ejemplo casi perfecto del entretenimiento de Hollywood de los años 80.

35. Jackie Brown (1997)

Lo que realmente aprecio de *Jackie Brown* es lo realistamente defectuosos que son los personajes. Max Cherry no es un gángster genial e intimidante; es simplemente un tipo normal, con un poco de mala suerte. Y Jackie Brown no es una mente criminal: ¡incluso practica sus habilidades para sacar armas! Incluso Louis Gara tiene un momento identificable, cuando olvida dónde estacionó durante un robo. Se sienten como personas reales y creo que algunas de las películas posteriores de Tarantino podrían beneficiarse de ese mismo nivel de humanidad. Cuando *Jackie Brown* salió por primera vez, algunos espectadores se sintieron decepcionados de que no fuera tan llamativo o intrincado como *Pulp Fiction*, pero las elecciones más sutiles de Tarantino son exactamente las que lo hacen funcionar. Los créditos iniciales, que recuerdan a *El Graduado*, establecen inmediatamente el personaje de Jackie, y escenas como la de Ordell y Beaumont son fenomenales. Además, la película concluye con un beso verdaderamente memorable, no porque sea abiertamente sensual, sino porque se siente genuino e imperfecto.

34. Los Fabelman (2022)

Lo que más te sorprende de *Los Fabelman* es lo absoluta y bellamente enamorado que sigue Steven Spielberg de las películas. Al ver esta película, te das cuenta de que el pequeño Sammy Fabelman, el niño cautivado por *El espectáculo más grande del mundo*, en realidad nunca lo abandonó. Desde entonces, Spielberg se ha convertido claramente en un maestro cineasta y ha aprendido a utilizar imágenes y sonido para evocar todas las emociones imaginables. Pero no ha perdido de vista *por qué* hace películas en primer lugar.

Y *Los Fabelman* es, en esencia, su historia de origen: una mirada a los lados brillantes y oscuros tanto del cine como de la vida misma. Para el joven Sammy, las películas no eran sólo entretenimiento; eran una manera de lidiar con sus ansiedades y soledad, aunque a veces también profundizaban su aislamiento. Dirigir se convirtió en una forma de conectarse con su madre increíblemente artística, brillantemente interpretada por Michelle Williams, pero también corría el riesgo de revelar un doloroso secreto familiar. Ahora, décadas después, Spielberg ha creado esta increíble y profundamente personal historia, llena de vida, amor, alegría y, sí, tristeza: todo lo que siempre son las mejores películas.

33. Barb y Star van a Vista Del Mar (2021)

Kristen Wiig y Annie Mumolo, las creadoras de *Bridesmaids*, se reunieron para otra divertida comedia, *Barb and Star Go to Vista Del Mar*. Interpretan a dos mejores amigos que pierden sus trabajos en una tienda de muebles en Nebraska y deciden gastar sus paquetes de indemnización en unas vacaciones en Florida. Mientras están allí, ambos se enamoran de un apuesto extraño (Jamie Dornan, burlándose juguetonamente de su imagen de rompecorazones) que secretamente es parte de un complot ridículo para desatar mosquitos asesinos genéticamente modificados en la ciudad. Wiig y Mumolo son fantásticos, con diálogos ingeniosos que abarcan todo, desde las camisetas de Tommy Bahama hasta el poder del nombre Trish; su guión seguramente será citable al instante. En tiempos difíciles, *Barb and Star* llegó como un escape brillante y alegre, que ofrece una dosis muy necesaria de diversión y optimismo.

32. De adentro hacia afuera (2015)

Pete Docter era conocido como la fuerza creativa de Pixar incluso antes de convertirse en su director creativo. Contribuyó como escritor a películas queridas como *Toy Story*, *Toy Story 2* y *WALL-E*, y dirigió algunas de las películas más aclamadas de Pixar, incluidas *Monsters, Inc.*, *Up* e *Inside Out*. *Inside Out* es una historia notablemente imaginativa sobre las emociones dentro de la mente de una niña de 11 años llamada Riley. Cuando Riley se muda de Minnesota a San Francisco, su vida se ve alterada, lo que genera un conflicto entre sus emociones personificadas dentro de su cerebro. La descripción que hace la película del mundo interior de Riley es visualmente impresionante y constantemente atractiva. Más allá de su creatividad, *Inside Out* es una película profundamente reveladora sobre el papel vital que desempeñan la tristeza y el dolor en nuestras vidas.

31. El rey de Kong: Un puñado de monedas de veinticinco centavos (2007)

El juego *Donkey Kong* es un reflejo sorprendentemente preciso de la vida. Es increíblemente desafiante, a menudo injusto y el éxito a menudo se siente como una cuestión de suerte. Puede que a veces triunfes, pero también es probable que te aplasten obstáculos inesperados, como un gorila que te roba a tu pareja. Incluso lograr grandes cosas no ofrece una victoria duradera; En última instancia, el fracaso es inevitable. Y a veces incluso tienes que lidiar con personas extrañas e impredecibles.

Es por eso que *The King of Kong* no es sólo un documental sobre el competitivo *Donkey Kong*; Es una película sobre la experiencia humana.

30. Recuerdo (2000)

No descartes *Memento* como un simple truco inteligente. Si bien es cierto que la película tiene una estructura muy compleja, posiblemente una de las más complicadas jamás creadas, la forma en que saltan las líneas de tiempo no es solo para mostrar. Desorienta deliberadamente al espectador, colocándolo dentro de la mente de Leonard Shelby (Guy Pearce), el protagonista de la película, que sufre una rara forma de amnesia que le impide formar nuevos recuerdos.

Leonard está en una búsqueda para encontrar al asesino de su esposa, y la película comienza aparentemente mostrando su éxito, luego retrocede para revelar la verdad. *Memento* rápidamente estableció a Christopher Nolan como un director prometedor, pero la película en sí no se trata de frialdad; Es una historia trágica sobre un hombre que intenta desesperadamente encontrarle sentido a su vida. Aunque Nolan continuó experimentando con técnicas cinematográficas y explorando temas similares en sus trabajos posteriores, dejó atrás en gran medida el humor negro presente en *Memento*: desde la confusa escena de persecución donde no está claro quién persigue a quién, hasta el nombre irónico del hotel de Leonard, el “Discount Inn” (un guiño a cómo Leonard constantemente descarta la historia de otro hombre con problemas de memoria).

29. LA Confidencial (1997)

¿Cuántas capas de referencias nostálgicas están en juego con *L.A. Confidencial*? La película está ambientada en la década de 1950, claramente inspirada en el clásico de la década de 1970 *Chinatown*, y se realizó a finales de la década de 1990, una época en la que todavía eran factibles dramas criminales costosos y a gran escala con actores en su mayoría desconocidos (siendo Kevin Spacey y Kim Basinger las únicas estrellas establecidas). Al igual que la novela de James Ellroy en la que se basa, *L.A. Confidential* desmantela la idea de que la década de 1950 fue una época más sencilla e idílica en Los Ángeles. Como señala un personaje, se trata de una imagen fabricada y la historia real estuvo en gran medida oculta hasta que Ellroy y el director Curtis Hanson la sacaron a la luz.

28. El prestigio (2006)

*The Prestige* de Christopher Nolan combina a la perfección su estilo característico (líneas de tiempo complejas, giros inesperados) con sus intereses recurrentes, como héroes imperfectos y el impacto de la pérdida, para crear una película verdaderamente poderosa. Ambientada en el Londres victoriano, la película sigue a dos magos en competencia, interpretados por Christian Bale y Hugh Jackman, cuya rivalidad escala a niveles peligrosos, empujándolos a innovar y cometer actos terribles. *The Prestige* es una historia dentro de una historia, que explora los sacrificios que los artistas hacen por su oficio y la dualidad inherente de la naturaleza humana. Sigue siendo increíblemente gratificante verlo, incluso conociendo los impactantes giros, ya que cada visualización revela nuevos detalles y la brillantez de los presagios cuidadosamente elaborados de Nolan, si se presta mucha atención.

27. La red social (2010)

Está abierto a discusión si la descripción que hacen David Fincher y Aaron Sorkin de los inicios de Facebook es completamente precisa. Sin embargo, es innegable que capturaron un tipo de personalidad específico con Mark Zuckerberg, interpretado por Jesse Eisenberg: un individuo brillante, frustrado y privilegiado que anhela conexión y validación. Muchos cuestionaron la elección de Fincher de hacer una película sobre Facebook en 2010, pero ahora es evidente que fue una continuación espiritual de *Fight Club*, otra historia de un hombre resentido y aislado cuyo estallido de ira tiene resultados imprevistos. Un elemento crucial de la película es la elección de Justin Timberlake como el fundador de Napster, Sean Parker, esencialmente el alter ego rebelde de Zuckerberg. Timberlake y Eisenberg comparten un parecido sorprendente: podrían ser hermanos si la fortuna hubiera favorecido a uno sobre el otro. Mark claramente admira el carácter de Timberlake y siente que está casi al alcance de ese mismo éxito y poder.

26. Chicos de níquel (2024)

Es raro ver una película verdaderamente original, que parezca genuinamente nueva y traspase los límites del cine. Pero a veces aparece una película como *Nickel Boys*. Esta película es audaz, única y ofrece una perspectiva distintiva; en realidad, dos. El director y coguionista RaMell Ross tomó una decisión sorprendente: filmar casi toda la adaptación de la novela ganadora del Premio Pulitzer de Colson Whitehead desde los puntos de vista de los dos personajes principales. El increíble trabajo de cámara de Ross y el director de fotografía Jomo Fray te sumerge en las experiencias de estos jóvenes mientras luchan por sobrevivir en un reformatorio de Florida en la década de 1960. Es desconcertante que Fray no haya sido nominado al Oscar. Esta técnica podría fácilmente parecer efectista, pero en manos de Ross crea una forma genuinamente nueva de ver el mundo y tal vez un vistazo al futuro del cine.

25. Vidas pasadas (2023)

Esta conmovedora y conmovedora película explora las conexiones invisibles que dan forma a nuestras vidas, ya sea que lo llames suerte o destino. Se centra en Nora y Hae Sung, dos personas que se sienten profundamente conectadas pero luchan por permanecer juntas. Se cruzan en diferentes momentos de sus vidas (como niños, en la universidad y como adultos) y cada vez, la vida ha cambiado, pero su vínculo permanece. Sin embargo, en su último encuentro, Nora está casada con Arthur. La película retrata con delicadeza este triángulo amoroso, lo que lleva a una conclusión desgarradora que te hará pensar en los momentos y elecciones decisivos de tu propia vida, y en cómo su significado puede que solo se aclare con el tiempo.

24. Infancia (2014)

Durante doce años, el director Richard Linklater filmó en secreto escenas con los mismos actores: un niño (Ellar Coltrane), su madre (Patricia Arquette) y su hermana (Lorelei Linklater), unos días al año. Si bien algunos podrían ver esto como un proyecto autoindulgente, el resultado es una mirada fascinante a la vida estadounidense a principios de la década de 2000 y un retrato profundamente conmovedor del amor, las luchas y los sacrificios de una familia. A diferencia de la mayoría de las películas, *Boyhood* tiene una conexión verdaderamente especial con el tiempo. Ver a los actores envejecer en la pantalla agrega una capa adicional de emoción a muchas escenas, haciendo que los momentos alegres sean más dulces y los tristes aún más conmovedores. Cuando Patricia Arquette reflexiona sobre su vida al final de la película, se basa en doce años completos de experiencias genuinas. Como dijo una vez el fallecido crítico de cine Roger Ebert: “Las películas son ventanas a nuestro mundo”. Y *Boyhood* se siente como una película que abre esas ventanas de par en par.

23. Atrápame si puedes (2002)

A pesar de ser una película divertida y alegre, *Atrápame si puedes* también es una mirada sorprendentemente reflexiva sobre la soledad y la importancia de la familia. Cuenta con un elenco fantástico, que incluye a Leonardo DiCaprio como el inteligente estafador Frank Abagnale Jr., Christopher Walken como su padre frustrado, Jennifer Garner y Amy Adams como sus intereses románticos, y Tom Hanks como el serio y decidido agente del FBI Carl Hanratty.

22. Mad Max: Furia en la carretera (2015)

Muchos consideran que *Mad Max: Fury Road* es la mejor película de persecuciones de autos realizada en este siglo, y es fácil ver por qué. Más allá de la acción emocionante, la película es sorprendentemente espiritual y se hace eco de la historia bíblica del Éxodo. Es como un viaje lejos de un mundo en ruinas, en busca de un nuevo paraíso, con Furiosa de Charlize Theron liderando un grupo de mujeres fuertes. Max, interpretado por Tom Hardy, actúa como su guía, un héroe imperfecto que los ayuda a encontrar seguridad pero que no puede compartir su destino final. La película de George Miller demuestra que las películas de acción pueden ser increíblemente emocionantes e intelectualmente atractivas. Cualquiera que diga lo contrario sólo intenta iniciar una discusión.

21. Asesinos de la luna de flores (2023)

A sus más de 80 años, Martin Scorsese no ha perdido un paso. Todavía se está desafiando a sí mismo (y a nosotros, el público) y continúa obteniendo actuaciones fenomenales de sus actores. Continúa volviendo a las ideas que definen su mejor trabajo: cómo la riqueza puede atraer y destruir, y la parte más sombría de la historia estadounidense. Esta vez, aborda el horrible “Reinado del Terror” infligido a la Nación Osage en la década de 1920, después de que se descubriera petróleo en sus tierras de Oklahoma, lo que los convirtió en blanco de vecinos codiciosos. Vemos esto a través de la historia de Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), quien se casa con un miembro de una familia Osage, específicamente Mollie (Lily Gladstone), una millonaria petrolera. Honestamente, me encuentro diciendo esto con cada nueva película de Scorsese, pero se siente especialmente cierto con *Killers of the Flower Moon*: si esta *es* su última película, es un final sorprendente y apropiado para una carrera extraordinaria.

20. Expreso Chungking (1994)

Más allá de su memorable banda sonora, imágenes sorprendentes y cautivadoras historias de amor, *Chungking Express* retrata brillantemente la sensación de la vida en la ciudad. Capta la soledad que puedes experimentar incluso en un lugar lleno de gente, el anhelo de espacios abiertos, la naturaleza fugaz de las conexiones, el simple placer de una buena canción en un bar y la naturaleza curiosa de las personas con las que te encuentras a altas horas de la noche.

19. Noches de boogie (1997)

La película de Paul Thomas Anderson es una mirada divertida, triste y nostálgica al apogeo de la industria del porno de California. Avanza rápidamente a través de la época, presentando un elenco de personajes memorables, incluido un cineasta que recuerda a Burt Reynolds y una figura materna con problemas interpretada por Julianne Moore. Sin embargo, la película no se trata sólo de estos individuos; es una exploración más amplia de Estados Unidos a finales de la década de 1970: sus sueños, sus defectos y sus deseos ocultos.

18. Corrió (1985)

*Ran* de Akira Kurosawa es mi película favorita de él. Es única porque se hizo más adelante en su carrera y, a diferencia de la mayoría de sus películas, es en color. Me encanta especialmente por cómo utiliza el color (particularmente en los trajes vibrantes) para enfatizar poderosamente los momentos clave, como un dramático toque final a cada escena.

17. La matriz (1999)

Una de las pocas ventajas reales de envejecer es volver a ver películas y ver qué tan bien resisten el paso del tiempo. Recuerdo haber visto *The Matrix* cuando se estrenó por primera vez, y fue una experiencia tan emocionante que todavía puedo imaginarme exactamente el teatro, el auditorio e incluso mi asiento. Los avances eran prometedores, pero la película en sí era realmente cautivadora.

Más de 20 años después, todavía lo es. ¿Mi única queja sobre *The Matrix*? No intentes verlo mientras trabajas; terminarás viéndolo nuevamente por 65ª vez y nunca lograrás hacer nada.

16. La escafandra y la mariposa (2007)

2007 fue un año fantástico para el cine, pero el que realmente se quedó conmigo fue *La escafandra y la mariposa*. Es la hermosa adaptación de Julian Schnabel de las memorias de Jean-Dominique Bauby sobre vivir con el síndrome de enclaustramiento. La historia de Bauby y la forma en que la película captura su mensaje de abrazar la vida tuvieron un profundo impacto en mí. Dejé el teatro ese día y supe que quería proponerle matrimonio a mi novia, y 15 años y dos hijos después, ¡me alegro mucho de haberlo hecho! Al revisar la película recientemente, recordé lo poderosa que todavía es.

15. Duro de matar (1988)

¿Alguien realmente necesita convencerse de que *Duro de matar* es una de las mejores películas jamás realizadas? ¡Es bastante obvio! Piense en la increíble actuación de Bruce Willis como John McClane, el policía de Nueva York que intenta disfrutar de unas vacaciones, o en la fantástica dirección de acción de John McTiernan. Además, es la película navideña perfecta… con muchos disparos.

14. Primer plano (1990)

Considerada una película emblemática del cine iraní, *Close-Up* cuenta la historia real de un hombre que se hizo pasar por un cineasta famoso y estafó a una familia en Teherán. El director Abbas Kiarostami eligió de manera única a las personas reales involucradas para que interpretaran a ellos mismos, filmando ambas partes del proceso legal y recreaciones de los eventos que condujeron a su participación. La innovadora combinación de narración documental y ficticia de la película, y su exploración de temas como las celebridades y la clase social, sigue siendo muy influyente y original.

13. El show de Truman (1998)

Es fácil preguntarse si vivimos en una simulación, especialmente si se tiene en cuenta la precisión con la que la película *El show de Truman* predijo nuestro mundo actual. Parece imposible que una película hubiera podido prever nuestra pérdida de privacidad, la publicidad constante y las ansiedades generales de la vida moderna. Pero más allá de la idea de un reality show de televisión, la primera mitad de la película es una historia sorprendentemente identificable sobre cómo tener una crisis de mediana edad y cuestionarse todo alrededor de los 40 años: esa sensación de darse cuenta de repente: “¿Es esta realmente mi vida?”

12. Zodíaco (2007)

David Fincher es conocido por dirigir thrillers sobre asesinos en serie, pero *Zodiac* es más que una simple historia criminal. Es una mirada a San Francisco a lo largo de varias décadas, vista a través de las perspectivas de tres hombres obsesionados con resolver el caso Zodiac Killer. Seguimos a un inspector de policía (Mark Ruffalo), del que se rumorea que inspiró la película *Bullitt*, a un periodista (Robert Downey Jr.) que se convirtió en el objetivo del Zodíaco, y a un detective aficionado (Jake Gyllenhaal) incapaz de dejar pasar el misterio, incluso después de que cesaron los asesinatos. Lo que hace que *Zodiac* se destaque es su descripción de cuán absorbente puede ser una obsesión. Fincher atrae de manera experta a los espectadores a la compleja investigación con un trabajo de cámara y edición dinámicos. Al final de la película, que hábilmente regresa al principio después de dos horas y media tensas, comprenderás completamente el impulso implacable de Robert Graysmith.

11. Dentro de Llewyn Davis (2013)

Las películas de Joel y Ethan Coen a menudo parecen colaboraciones entre dos voces, y *Inside Llewyn Davis* se centra particularmente en esta idea. La película retrata la escena de la música folclórica de Nueva York de principios de la década de 1960, pero también es una historia sobre las pequeñas desgracias que le suceden a un músico talentoso (Oscar Isaac, en un papel que definió su carrera) después de perder a su compañero musical. Es apropiado que la canción más hermosa que toca Llewyn, “Fare Thee Well”, suene incompleta cuando se interpreta en solitario: realmente necesita otra voz.

10.Lady Bird (2017)

*Lady Bird* de Greta Gerwig realmente me sorprendió por su enfoque en la dualidad. Todo parece ir en pares: nuestro personaje principal tiene dos nombres, navega por dos romances e incluso tiene dos mejores amigos. La película describe maravillosamente un año escolar lleno de dos semestres, dos obras de teatro escolares, bailes y fiestas. Pero es más que una simple repetición; es una forma inteligente de explorar el peso de la elección. Como adolescente, cada decisión (a qué universidad postularse, incluso a qué iglesia asistir) se siente monumental, y Gerwig realmente capta ese sentimiento. Me hizo darme cuenta de que, en muchos sentidos, esas decisiones *son* increíblemente importantes.

9. Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (2004)

No recuerdo exactamente cuándo ni dónde vi por primera vez *Eternal Sunshine*, pero fue hace unos 20 años mientras vivía en la ciudad de Nueva York. Los detalles de esa visión inicial se han desvanecido con el tiempo, como sucede con tantos recuerdos. Irónicamente, eso me hace apreciar la película aún más ahora que cuando se estrenó en 2004. Lo que es tan brillante de *Eterno resplandor de una mente sin recuerdos* es que utiliza una idea de ciencia ficción (una pareja que se borra mutuamente de sus recuerdos) para explorar cómo olvidamos las cosas de forma natural. Jim Carrey y Kate Winslet crean una de las parejas más memorables del cine, en gran parte porque su relación está destinada al fracaso. Al final, todas las relaciones terminan de alguna manera, como una casa en la playa que lentamente es tragada por el océano.

8. Ficción pulp (1994)

Si bien *Pulp Fiction* puede que no sea la película más copiada de los años 90 en la actualidad, fue muy influyente durante un tiempo. La mala calidad de muchos intentos de copiarlo resalta cuán talentoso es Quentin Tarantino, tanto entonces como ahora.

*Pulp Fiction* es una extraña mezcla de cosas que de alguna manera encajan todas juntas. Es una gran historia sobre el crimen en Los Ángeles, pero también una mirada profunda a las personas involucradas. Salta entre elementos tremendamente fantásticos, como maletines misteriosos y clubes secretos, y momentos increíblemente ordinarios, como conversaciones sobre masajes en los pies y comida rápida internacional. Es épico e íntimo, divertido y triste, violento y tonto. Es simplemente *Pulp Fiction*.

7. Haz lo correcto (1989)

La película de Spike Lee, ambientada durante un abrasador día de verano en Brooklyn, explora poderosamente las tensiones raciales y, lamentablemente, sus temas aún resuenan hoy. La historia se centra en un vecindario donde la vida gira en torno a una pizzería de propiedad italiana, que se convierte en el punto focal de un motín después de que la policía mata a tiros a un hombre negro. La película deja a los espectadores preguntándose si Mookie, un personaje clave, tomó la decisión correcta al arrojar un bote de basura por la ventana de la pizzería, y tal vez el mismo acto de cuestionar esa decisión sea más importante que encontrar una respuesta definitiva.

6. Película americana (1999)

Este documental encantador y a menudo divertido sigue a Mark Borchardt, un aspirante a cineasta, mientras intenta terminar una película en la que ha estado trabajando durante años. Es una mirada sorprendentemente conmovedora a la persecución de sueños y la frustración de no siempre alcanzar tus metas. A Mark le apasiona hacer películas, pero constantemente enfrenta obstáculos. La película también es una conmovedora historia sobre la amistad entre Mark y su amigo Mike, quien lo ayuda con sus proyectos de bajo presupuesto. Es una película agradable para los espectadores más jóvenes, pero adquiere una resonancia más profunda y emocional a medida que envejeces. Muchos la consideran una de las mejores películas estadounidenses jamás realizadas.

5. Refugiarse (2011)

Habiendo experimentado ataques de pánico, puedo decir con confianza que *Take Shelter* es una obra maestra al retratar la experiencia de la ansiedad. La película se centra en Curtis LaForche (Michael Shannon), un hombre de familia plagado de aterradoras pesadillas de tormentas catastróficas y una creciente sensación de temor. Impulsada por una actuación fenomenal de Shannon y el trabajo igualmente sólido de Jessica Chastain como su esposa, la película captura perfectamente el círculo vicioso del miedo: a Curtis le preocupa estar perdiendo la cabeza, un miedo empeorado por su historial familiar de enfermedad mental, que crea aún más ansiedad. Si bien muchos encuentran el final abierto a interpretación, yo lo veo como la única conclusión lógica. La película demuestra que este tipo de ansiedad no se puede superar ni bloquear, ni siquiera cuando se trata de proteger a sus seres queridos. Sólo puede gestionarse con comprensión y la ayuda de relaciones de apoyo.

4. Érase una vez en Hollywood (2019)

El actor Rick Dalton y su doble, Cliff Booth, almuerzan con el productor Marvin Schwarz en Musso & Frank Grill. Marvin sugiere que Rick protagonice películas del oeste italianas, pero Rick no está impresionado y se siente profundamente desanimado, creyendo que su carrera ha terminado. Rompe a llorar nada más salir del restaurante. La cámara enfoca el letrero de Musso & Frank Grill, enfatizando su historia como “el más antiguo de Hollywood”.

Si bien Rick no es una noticia vieja, se siente así en este momento, al darse cuenta de que su tiempo como protagonista se está acabando. *Érase una vez en Hollywood* es una película brillantemente elaborada, llena de detalles sutiles como este. Es a la vez una mirada retrospectiva a una época cambiante en la historia de Estados Unidos y un cariñoso homenaje a la época dorada del cine, que a su vez enfrentaba un futuro incierto.

3. El día de la marmota (1993)

Pocas comedias son tan reveladoras como *El día de la marmota*. Bill Murray ofrece una actuación destacada como Phil Connors, un meteorólogo televisivo egocéntrico que, mientras cubre las celebraciones del Día de la Marmota en un pequeño pueblo de Pensilvania, se encuentra reviviendo el mismo día una y otra vez. Esencialmente, la película sigue a un hombre que inicialmente cree que es todopoderoso, gradualmente se transforma en alguien verdaderamente bueno y finalmente descubre lo que significa ser humano.

2. Buenos amigos (1990)

Incluso treinta años después de su estreno, *Goodfellas* de Martin Scorsese es considerada una de las mejores y más influyentes películas de los años noventa. Es una combinación fantástica con su última película, *El irlandés*, si te apetece una larga maratón de películas. La película narra la vida de un joven, interpretado por el fallecido Ray Liotta, mientras asciende en las filas de la mafia, experimentando banquetes lujosos y comidas sencillas y escasas en el camino. Todo lo relacionado con la película (actuación, guión, edición, cinematografía y música) es impecable. Todavía es difícil de creer que *Dance With Wolves* ganó el Oscar a la Mejor Película en lugar de *Goodfellas*.

1. Sueños de aro (1994)

El documental *Hoop Dreams* trata sobre mucho más que sólo baloncesto. Sigue a los chicos no a través de sus carreras de baloncesto, sino hasta sus graduaciones de la escuela secundaria. Como señala Spike Lee cuando visita un campo de reclutamiento universitario, el mundo de los deportes competitivos está fuertemente influenciado por el dinero. La película te deja con la sensación de que en realidad están sucediendo dos juegos: el que se juega en la cancha y un juego separado e injusto que juegan los adultos involucrados. Uno se pregunta qué opciones tenían William y Arthur, y qué más podrían soñar de manera realista con lograr.

2025-10-12 00:07