Diez obras maestras de la década de 1990 que olvidaste que existían

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Las películas a menudo se juzgan por la cantidad de dinero que generan, y la década de 1990 no fue diferente. Los mayores éxitos de esa década incluyeron Jurassic Park, Titanic y Star Wars: Episodio I – La amenaza fantasma. Aunque directores como Steven Spielberg y James Cameron crearon constantemente películas populares y aclamadas por la crítica, muchas otras películas excelentes de los años noventa se han desvanecido en la oscuridad.

La década de 1980 también trajo la creciente popularidad del video casero, que comenzó a afectar la cantidad de dinero que generaban las películas y permitió que más personas vieran películas fuera de los cines. Si bien esto ayudó a salvar algunas grandes películas del olvido, la mayoría aún no recibió la atención que merecían, y eso fue cierto para las películas realizadas en Hollywood y en todo el mundo.

The Birdcage es una obra maestra de la comedia antes que nada

The Birdcage combina con éxito el humor y el corazón de películas como El Rey León, con Nathan Lane ofreciendo una actuación destacada. En esencia, es una película muy divertida sobre la familia. Se destacó en una época en la que las historias LGBTQ+ no se veían con frecuencia, al mostrar que todos, independientemente de su identidad, están motivados por las mismas emociones básicas. Tanto los padres homosexuales como los heterosexuales simplemente quieren lo mejor para sus hijos cuando se acercan al matrimonio, incluso si lo expresan de manera diferente.

La película de Mike Nichols de 1996 es una mirada divertida, onírica y que invita a la reflexión sobre una pareja gay y sus familias. Aunque puede que hoy en día no se discuta tanto, las actuaciones de Nathan Lane y Robin Williams son inolvidables y hacen que la historia se sienta relevante y conmovedora.

A pesar de una trama trepidante y a menudo hilarante llena de momentos conmovedores y frenéticos, The Birdcage nunca pierde su núcleo emocional genuino. La película combina payasadas y diálogos ingeniosos con comentarios políticos mordaces que reflejan las actitudes de la década de 1990, al mismo tiempo que presenta un retrato audaz y positivo de la vida LGBTQ+.

El primer plano transforma la verdad y la identidad en un cine fascinante

Abbas Kiarostami, un cineasta iraní, obtuvo reconocimiento internacional por su trabajo. Su película de 1990, Close-Up, que mezclaba documental y ficción, demostró la alta calidad del cine iraní. La película cuenta la historia de un hombre que se hace pasar por un director famoso, engañando con éxito a una familia que son fans, antes de que finalmente se revele su engaño.

En Close-Up, cada papel lo interpretan las propias personas, lo que añade un notable nivel de realismo y hace que la película sea increíblemente creíble. Es ampliamente considerada una obra maestra del cine y aparece en muchas listas de “mejores películas”. Irónicamente, la película ganó popularidad fuera de Irán gracias al reconocimiento internacional.

La película de Kiarostami, Close-Up, explora cuidadosamente lo que es real y cómo encontramos significado, y lo hace mezclando inteligentemente diferentes técnicas cinematográficas. La película sugiere que las películas no simplemente muestran la realidad; Influyen activamente en cómo nos vemos a nosotros mismos y al mundo que nos rodea. Es raro encontrar una película que capture con tanta fuerza el deseo humano de comprender quiénes somos, y Close-Up hace precisamente eso.

Bound demostró claramente los talentos emergentes de los Wachowski

Antes de que las hermanas Wachowski se hicieran famosas por The Matrix, hicieron una película debut más pequeña llamada Bound. Esta película policial, protagonizada por Gina Gershon y Jennifer Tilly, ofreció más que una simple trama. Los críticos de Rotten Tomatoes señalaron que la fuerte dirección y actuación de Bound eran en realidad más atractivas que su contenido sugerente.

Si bien Bound comparte similitudes con el trabajo de los hermanos Coen, fue una película verdaderamente innovadora para la década de 1990. Llevó la representación lésbica a la corriente principal sin depender de estereotipos desgastados y revitalizó el género criminal con las magistrales técnicas cinematográficas de las Wachowski.

La interpretación de Joe Pantoliano como César es intencionalmente inquietante, muestra a un personaje consumido por una paranoia creciente y lo convierte en un villano memorable de las películas negras de los noventa. En última instancia, la película Bound demostró que las películas independientes pueden ser aclamadas por la crítica y ofrecer una representación matizada.

Hard Boiled se convirtió en la cúspide del cine Gun Fu

El auge de las artes marciales en Hong Kong durante las décadas de 1970 y 1980 finalmente evolucionó hacia un estilo llamado gun fu. La película Hard Boiled presenta a Chow Yun-fat como el inspector ‘Tequila’ Yuen Ho-yan, un personaje similar a Harry el Sucio, un policía que infringe las reglas para hacer el trabajo. Esta fórmula resultó ser muy exitosa para la película.

Los críticos occidentales elogiaron mucho Hard Boiled, reconociendo la nueva visión de Woo del género de acción y sus innovadores efectos especiales; el LA Times incluso lo declaró el mejor director de acción actual. Más allá de su habilidad técnica, el poder emocional de la película fue inmenso, alcanzando a menudo una escala dramática, casi operística.

Esa misma combinación de drama exagerado y violencia cuidadosamente coreografiada definió las películas de acción tanto en Hollywood como en Hong Kong. La acción de la película es impresionante, con escenas memorables como el tiroteo en la casa de té y el ataque al almacén. La escena final del hospital es particularmente impresionante, con un único plano continuo que dura casi tres minutos. Las peleas en Hard Boiled se parecen más a bailes bellamente elaborados, lo que la hace destacar como una de las mejores películas de acción de la década de 1990.

Barton Fink es la obra más inquietante del arte más puro

Si bien películas como No es país para viejos también han recibido elogios generalizados, la película de 1991 Barton Fink se ha desvanecido en gran medida de la memoria. La historia se centra en el dramaturgo Barton Fink, interpretado por John Turturro, y Charlie Meadows, interpretado por John Goodman, y presenta un giro sorprendente que, en última instancia, cambia muy poco.

Barton Fink fue un éxito de crítica, ganando la Palma de Oro en Cannes y premios tanto para su director como para su actor principal. A pesar de no tener un buen desempeño en los cines, la película ofreció una mirada compleja y reveladora al mundo del trabajo creativo, lo que resultó difícil de definir o categorizar claramente.

Figuras conocidas como Larry King y Charlie Kaufman eran fanáticos de la película Barton Fink, y Kaufman la llamó la única película que elegiría tener con él en una isla desierta. Incluso casi 40 años después de su estreno, la gente sigue estudiando y debatiendo sobre Barton Fink, lo cual es una fuerte señal de su brillantez como película.

Criaturas celestiales ve la tragedia del crimen a través de una fantasía romántica

Peter Jackson es mejor conocido por dirigir las trilogías El señor de los anillos y El hobbit. Sin embargo, también lanzó la carrera de Kate Winslet, dándole el primer papel en su filmografía con Heavenly Creatures. En esta impresionante y conmovedora película, Melanie Lynskey, que más tarde se hizo muy conocida, interpretó el papel perfecto del personaje de Winslet.

Esta película, al igual que una verdadera gran obra de arte, no encaja perfectamente en un género. Combina elementos de comedia negra, thriller psicológico, romance fantástico y drama histórico. Inspirada en el caso Parker-Hulme de la vida real que conmocionó a Nueva Zelanda en la década de 1950, la película reinventa la historia como una historia de amor trágica y secreta.

Heavenly Creatures es una película sorprendentemente conmovedora e inquietante. Muestra el impactante asesinato desde la perspectiva de las adolescentes que lo cometieron, retratándolas desesperadas por permanecer juntas sin importar las consecuencias. Kate Winslet y Melanie Lynskey ofrecen actuaciones convincentes como personajes mucho más complejos que los retratados por los medios sensacionalistas, destacando las razones pasadas por alto detrás de sus acciones. Al final, Peter Jackson mereció su primer Oscar por esta película.

Ser John Malkovich redefinió las limitaciones del surrealismo

Cuando el director Spike Jonze presentó por primera vez su idea para Being John Malkovich, New Line Cinema la rechazó y quiso en su lugar una película llamada Being Tom Cruise. Aunque a Cameron Diaz le preocupaba quedar vinculada para siempre a su personaje, la increíble calidad de la película finalmente hizo que el papel valiera la pena.

La película Being John Malkovich se basa en gran medida en el estilo de escritura imaginativo e inusual de Charlie Kaufman, quien más tarde se haría conocido por películas como Eterno resplandor de una mente sin recuerdos y el thriller de Netflix Estoy pensando en poner fin a las cosas. Tanto Kaufman como el director Spike Jonze fueron muy elogiados por el crítico de cine Roger Ebert, quien describió la película como “una película infinitamente inventiva” y le dio cuatro estrellas, impresionado por lo sorprendentemente bien que se desarrolló la extraña historia.

Incluso si sólo se considera lo único que fue, Being John Malkovich claramente redefinió el cine independiente en Estados Unidos como una película oscuramente divertida e inusual. Pero fue la combinación de un guión inteligente, una dirección hábil y una actuación sólida de John Cusack, Catherine Keener y Cameron Diaz lo que realmente lo convirtió en un comentario inteligente y aún relevante sobre la sociedad.

Imperdonable es el western moderno despojado hasta su esencia

Soy fanático del cine desde hace veinte años y es sorprendente ver cómo se redescubre Unforgiven ahora que los westerns vuelven a ser populares. Honestamente, no tengo una reacción tibia. ¡Es una película realmente genial y merece muchos más elogios de los que recibe!

Con un golpe magistral, Unforgiven de Clint Eastwood cambió por completo la forma en que Hollywood retrataba el Salvaje Oeste. La película no es sólo un western; Es una mirada poderosa e inquietante a la violencia misma. A pesar de algunos momentos en los que la historia parece estar repleta de demasiados personajes, ahora se considera un logro histórico en el género.

Habría sido increíblemente difícil para cualquiera que no fuera Clint Eastwood crear una película que rompiera el mito occidental tradicional y ofreciera una mirada matizada a un personaje complicado. Su trabajo anterior le mostró claramente cómo simplificar el género hasta sus elementos centrales. Si bien Unforgiven incluye un tiroteo final, su enfoque principal es desafiar las ideas románticas de honor y heroísmo, sugiriendo que esos conceptos no estaban realmente presentes en el verdadero Viejo Oeste.

Happy Together rinde homenaje a lo queer auténtico

Wong Kar-wai es famoso en todo el mundo por su película de 2001, In the Mood for Love, considerada un clásico del cine. Sin embargo, ya en los años 90 era un cineasta muy cualificado, como lo demuestra Happy Together. Esta película muestra perfectamente su talento combinado con la impresionante cinematografía de George Doyle, creando una experiencia visual consistentemente impresionante.

Si bien Wong Kar-wai no calificó a Happy Together como una “película gay”, la intensa historia de amor entre sus dos protagonistas masculinos resonó profundamente tanto en el público como en la crítica. Muchos creen que la película fue aún más honesta y cruda emocionalmente que Moonlight, ofreciendo una mirada poderosamente íntima al amor, el deseo y las luchas de sus personajes.

Crear una película verdaderamente significativa es un desafío, pero Wong dio un paso más al centrarse en las vidas de los inmigrantes de Hong Kong que luchan en los barrios pobres de Buenos Aires. Esto le permitió explorar un delicado equilibrio en sus vidas. Si bien el título Happy Together parece irónico al final de la película, los mensajes más amplios de la película sobre la felicidad y la esperanza resuenan con más fuerza que la historia de amor finalmente fallida.

La trilogía de los tres colores enfatiza el ciclo de la condición humana

Tres colores de Krzysztof Kieślowski es una trilogía cinematográfica con la que muchos amantes del cine quizás no estén familiarizados. Las tres películas, Tres colores: azul, Tres colores: blanco y Tres colores: rojo, se estrenaron entre 1993 y 1994, y cada color simboliza una parte de la bandera francesa. Aunque las películas no siguen una historia simple, exploran poderosamente ideas relacionadas con la Revolución Francesa del siglo XVIII.

Considerada una obra maestra del cine, Tres colores explora los ideales fundamentales de libertad, igualdad y fraternidad: los principios detrás de la Constitución francesa original de 1791. Si bien cada película funciona como una historia independiente, la trilogía está poderosamente conectada a través de ideas compartidas, imágenes repetidas y una narrativa bellamente estructurada.

Mientras que Azul y Blanco son convincentes, Rojo alcanza un poderoso pico emocional. La relación de la película entre una modelo y un juez evoluciona hacia una exploración que invita a la reflexión sobre la empatía y el destino. Tres colores: rojo concluye con un final sorprendente que cambia la forma de ver toda la serie, creando una conexión significativa entre las tres películas y toda la gama de emociones humanas.

2025-12-03 00:14