Gattaca de Ethan Hawke aún ofrece una de las mejores escenas finales en la historia del cine

by

La primera película de Andrew Niccol, Gattaca, estrenada en 1997, ha resistido verdaderamente la prueba del tiempo. Cuando se estrenó, esta ciencia ficción negra inteligente y visualmente impactante era diferente de la mayoría de las películas. Si bien las películas de acción grandes y ruidosas eran populares, Gattaca ofrecía una mirada tranquila y estimulante a lo que los humanos son capaces de hacer. La película está protagonizada por Uma Thurman y Jude Law, que apenas comenzaba a ganar reconocimiento, y su descripción del futuro parece notablemente realista, casi como si fuera un recuerdo de algo que ya sucedió.

A pesar del fracaso inicial del público y la crítica, la película Gattaca se ha convertido en un clásico de la ciencia ficción, elogiada por científicos de la NASA y expertos en bioética como la película de ciencia ficción más realista jamás realizada. Pero su impacto duradero no es sólo la precisión con la que predijo la discriminación genética: es el final poderosamente conmovedor e inolvidable de la película. Ethan Hawke lo considera uno de sus papeles más importantes y es fácil ver por qué. Gattaca es una historia atemporal sobre la fuerza del espíritu humano, y su final resuena aún con más fuerza hoy que cuando se estrenó la película por primera vez, lo que la convierte en una de las mejores conclusiones de ciencia ficción jamás filmadas.

La reputación que Gattaca no se ganó en el momento de su lanzamiento

La premisa parece sencilla, pero la historia explora un futuro no tan diferente del nuestro, donde la ingeniería genética está fácilmente disponible. Esto ha creado una sociedad marcadamente dividida: los ‘válidos’ son individuos genéticamente perfeccionados, mientras que los ‘inválidos’ son humanos nacidos naturalmente que son más vulnerables a las enfermedades y tienen una esperanza de vida más corta.

Vincent, nacido con una discapacidad y una esperanza de vida limitada, desea desesperadamente viajar al espacio, algo que su genética le impide. Para lograr su sueño, asume la identidad de Jerome Eugene Morrow, un ex campeón de natación que ahora está paralizado. Vincent proporciona el impulso, mientras que Jerome proporciona las muestras biológicas necesarias para pasar controles de seguridad estrictos y constantes.

El equipo que hizo esta película tenía un talento increíble, aunque sus habilidades no fueron apreciadas del todo en aquel entonces. Fue la primera vez que Andrew Niccol dirigió una película y fue producida por Danny DeVito, quien tenía un sentido sorprendentemente bueno para las películas que desafiaban la norma.

Bien, mirando retrospectivamente a Gattaca, el casting fue simplemente brillante. Uma Thurman interpretó a Irene, este interés amoroso realmente genial y reservado y, sinceramente, se podía sentir la química entre ella y Ethan Hawke, lo cual tiene sentido, ¡porque en realidad comenzaron a salir durante el rodaje! Es curioso, porque ahora ambos son grandes estrellas, pero en aquel entonces eran relativamente desconocidos. No era un éxito garantizado de ninguna manera: aún no se habían ganado esa reputación de “atraer en taquilla”. Realmente fue un riesgo que valió la pena, viendo lo grandes que se volvieron ambos unos años después.

La película fracasó en taquilla. A pesar de que su realización costó 36 millones de dólares, solo ganó 12,5 millones de dólares en Estados Unidos. La principal razón de su fracaso fue una mala estrategia de marketing. En 1997, el público esperaba que la ciencia ficción fuera como Hombres de Negro o Starship Troopers, llena de extraterrestres, láseres y acción trepidante. Gattaca, sin embargo, ofreció una experiencia muy diferente y más moderada.

La película Gattaca era un thriller que invitaba a la reflexión, que recordaba a las películas negras de los años 50 en su grabación lenta y visualmente impresionante, como algo sacado de una revista de arquitectura. Si bien los avances sugirieron un asesinato misterioso, la película en realidad exploró temas de clase social. Los espectadores que esperaban acción se sorprendieron al encontrar una película más tranquila, con una de las escenas más intensas en la que aparecía un hombre limpiando meticulosamente su teclado.

Ya sabes, todo el mundo siempre habla de lo fría que se siente la película, y críticos como el New York Times definitivamente se dieron cuenta de eso. Pero, sinceramente, al principio me sentí… distante. Recuerdo que cuando salió, la gente no entendía esas escenas que ahora son famosas, como las carreras de natación entre Vincent y Anton, o incluso la lucha de Jerome con el alcohol. Parecían lentos, incluso deprimentes. Me tomó mucho tiempo, y creo que a muchos espectadores, darme cuenta de que el aburrimiento era en realidad el punto. Ese vacío no era un defecto, era la tensión creciente, mostrándote lo increíblemente alto que había en juego: un mundo donde incluso un pequeño error podría ser fatal.

La perfección es una trampa en Gattaca

Lo que hace que la película Gattaca sea tan convincente no son sus elementos de ciencia ficción, sino más bien su mensaje que invita a la reflexión sobre las presiones de luchar por la perfección. Muchas historias muestran a los desvalidos venciendo a poderosos opresores, pero Gattaca adopta un enfoque diferente. Revela que incluso aquellos en la cima –los genéticamente “perfectos”- experimentan su propio tipo de sufrimiento, como todos los demás.

La historia de Jerome Morrow demuestra perfectamente este punto. Su parálisis no fue el resultado de un accidente; se lastimó intencionalmente. Jerome se puso deliberadamente delante de un coche, no por una discapacidad física, sino porque, a pesar de ser genéticamente ideal, sólo consiguió el segundo puesto.

Esta idea subyacente lo convierte en un personaje lamentable, víctima de su propia genética. Él encarna el mensaje más sombrío de la película: cuando alguien es creado para ser perfecto, cualquier defecto se ve como un fracaso personal. Está abrumado por las expectativas incorporadas en su ser y vive una vida donde el éxito está garantizado pero la verdadera realización es imposible.

Vincent, por otro lado, encarna la arriesgada liberación que conlleva no tener nada a qué aferrarse. Las ideas centrales de la película quedan claras durante la famosa escena de natación entre Vincent y su hermano genéticamente modificado, Anton. Si bien a menudo se la recuerda por su acción emocionante, la conversación en esa escena en realidad explica el mensaje subyacente de toda la película.

Cuando Anton, completamente agotado y luchando en el agua, le pregunta a Vincent cómo ganó, Vincent responde: “No me guardé nada”. Esto revela el diferente enfoque de la vida de Vicente. Aquellos que van a lo seguro, como Anton y Jerome, siempre se concentran en conservar energía, vivir mucho tiempo y evitar riesgos; siempre están pensando en lo que podría suceder más adelante y preparándose para ello.

Siempre me ha sorprendido cómo vive Vincent: completamente libre de miedo, sabiendo que su vida no sería larga. Es esta voluntad de arriesgarlo todo, de priorizar la pura voluntad sobre la seguridad, lo que creo que realmente lo distingue. Es lo que los científicos, con todos sus análisis genéticos, simplemente no pudieron medir. Y ese sentimiento de una hermosa imperfección, de alguien que no encaja del todo en el molde, se repite con tanta fuerza en la escena del pianista que tiene doce dedos: simplemente refuerza la idea de que el espíritu de Vincent es algo verdaderamente único.

Bien, hay una escena increíble en la película en la que Vincent e Irene van a un concierto. El pianista empieza a tocar y es simplemente… imposible. En serio, la música es tan compleja que Irene señala que se necesitarían doce dedos para tocarla. Al principio, parece una muestra extraña, casi inquietante, de perfección genética, como una retorcida historia de éxito de la eugenesia. Pero luego te das cuenta de que es una trampa. La belleza de la música no proviene de los dedos adicionales, sino de la pura pasión que el pianista pone en ella. Realmente me pareció un comentario inteligente sobre cómo a menudo valoramos lo que alguien puede hacer por encima del por qué lo hace, ¿sabes? Se trata de intención, no sólo de capacidad.

Así como un pianista puede necesitar una composición genética única para crear música hermosa, las luchas de Vincent (sus imperfecciones, desesperación, miedo y pasión) fueron esenciales para quién era. La película sugiere que nuestros defectos no son debilidades, sino más bien las mismas cosas que nos hacen humanos. Incluso los pequeños detalles, como la escalera de caracol del apartamento de Jerome, contribuyen a esta idea. La escalera, con forma de doble hélice de ADN, representa visualmente el difícil ascenso de Jerome para superar sus limitaciones genéticas, un ascenso que finalmente lo lleva a su caída.

Ethan Hawke y Jude Law llevaron el final poético

El final de Gattaca es tan poderoso gracias a las actuaciones de Ethan Hawke y Jude Law. Aportan emoción genuina a las complejas ideas de la película, retratando personajes que son esencialmente dos caras de la misma moneda: Vincent tiene el impulso pero no los dones físicos, mientras que Jerome tiene el cuerpo pero carece de voluntad. La película concluye con estos dos personajes finalmente uniendo sus fortalezas y luego tomando caminos separados.

El carácter de Vincent se revela en gran medida a través de expresiones sutiles y un control deliberado de sus emociones. Es un hombre que constantemente intenta pasar desapercibido y su seguridad depende de parecer normal: mantener bajo control su ritmo cardíaco, su sudor y sus reacciones. Ethan Hawke muestra brillantemente las luchas internas de Vincent con pequeños detalles, como un breve destello de miedo durante un examen médico y la tensión en su mandíbula al enfrentar a su hermano.

Hawke creó intencionalmente una imagen pública perfecta para Vincent, al tiempo que insinuaba sutilmente su confusión interna para los espectadores. Pero en los momentos finales de la película, esa fachada cuidadosamente construida desaparece. Cuando Vincent dice: “Para alguien que nunca estuvo destinado a este mundo, debo confesar que de repente me está costando dejarlo”, no dice la frase con la típica fuerza heroica. Más bien, es una declaración tranquila y emocionalmente agotadora.

Frente a él se sienta el personaje que convirtió a Jude Law en una estrella de Hollywood. Retrata a Jerome como tremendamente divertido y aparentemente orgulloso, pero debajo de esa fachada se esconde una inseguridad y un odio hacia sí mismo ocultos. En realidad, Jerome se ve perjudicado por el mundo privilegiado del que se beneficia. Estaba preparado para el éxito, y cuando no llegó a la cima, eso lo devastó.

Para retratar de manera convincente a su personaje, Jude Law pasó tiempo con personas que tienen parálisis y aprendió cómo se movería alguien sin el uso de las piernas. Esto añadió una dimensión física realista a su actuación. A lo largo de la película, Law insinúa sutilmente el resultado final, revelando que la ira de su personaje en realidad es autodirigida. La frase “Solo te presté mi cuerpo. Tú me prestaste tu sueño” marca un punto de inflexión en el que su personaje encuentra la paz. Entiende que su supuesta perfección genética no significa nada sin el propósito y la ambición que encarna Vincent.

Durante la escena del incinerador, la presencia física de Law es clave. Entra en la cámara no por miedo, sino con el porte orgulloso de un atleta que acepta un premio. Al ponerse su medalla –símbolo de su fracaso pasado– la recupera y la convierte en una señal de su propio control. Él está eligiendo activamente cómo terminan las cosas. El impacto de la escena proviene de la forma en que el director, Niccol, cambia hábilmente entre planos de los dos actores.

Mientras Vincent sube en el ascensor y luego se lanza al espacio, Jerome se enfrenta a una terrible desaparición y la edición de la película conecta poderosamente sus viajes. La fuerte conexión en pantalla entre Ethan Hawke y Jude Law hace que su relación en evolución parezca genuina; se transforma de un trato comercial a una profunda hermandad, incluso más fuerte que el vínculo que Vincent comparte con su hermano biológico.

La película avanza y retrocede entre dos momentos clave: Vincent abre intensamente un sobre que contiene el cabello de Jerome y las intensas llamas del incinerador que consumen el cuerpo de Jerome. Este emparejamiento visual conecta sus destinos separados, sugiriendo una liberación o libertad compartida.

La película Gattaca no fue acogida inicialmente porque se sintiera adelantada a su tiempo, no porque careciera de emoción. Presentó un futuro donde la composición genética determina el destino y donde la fuerza de voluntad es la única forma de superar ese destino. Como señaló Ethan Hawke, la película ha resonado más con el tiempo, haciéndolo sentir validado en su visión: “Ha sido agradable ver esa película envejecer… porque siento que no estoy loco”.

2025-12-07 05:10