Es bastante difícil destacar una película destacada de los años 70 como el mejor absoluto, dada la abundancia de excelentes películas de esa época. Sin embargo, si tuviera que tomar una decisión, sería “Dog Day Afternoon”, lanzado en 1975, que presentaba a Al Pacino y John Cazale en papeles protagonizados.
De hecho, la década de 1970 puede considerarse como la era de Francis Ford Coppola, dado que muchas de sus películas más notables fueron lanzadas durante este tiempo. En particular, también vimos el estreno de películas como Jaws, Star Wars y Taxi Driver en los años 70.
De hecho, toda esta información es precisa. Sin embargo, a pesar de mi profundo afecto por la película “The Warriors”, que a menudo se considera el epítome del cine de los años 70, creo firmemente que la “tarde del día del día” de Sidney Lumet se destaca como la mejor película de esa década. Permítanme explicar por qué considero que la “tarde del día del perro” es la mejor representación de los años 70 en la película.
En esta versión, he usado un lenguaje más natural y conversacional para transmitir el mismo significado que su texto original, al tiempo que proporciona una explicación más clara de por qué piensas que la “tarde del día del perro” es superior.
En primer lugar, se basa en una historia real, pero sigue siendo increíblemente fascinante
En general, prefiero las películas inspiradas en eventos de la vida real, pero a veces encuentro que estas películas pueden ser excesivamente lentas. No siempre es el caso, ya que disfruto de muchas biopics. Sin embargo, algunas películas de historias verdaderas tienden a tener secciones donde profundizan demasiado en los detalles del evento en lugar de centrarse en los aspectos más cautivadores.
La película “Dog Day Tartery”, inspirada en un verdadero robo de banco llevado a cabo por John Wojtowicz y Salvatore “Sal” Naturile, no tiene dificultades para mantener la tensión. Durante su duración de 125 minutos, la película sigue siendo atractiva, posiblemente debido al hecho de que los eventos reales son más extraordinarios que cualquier trabajo de ficción, lo que lo convierte en una historia cautivadora.
Como crítico de cine, debo decir que la representación de Al Pacino de Wojtowicz como Sonny Wortzik, la mente maestra detrás de un audaz atraco de banco, es nada menos que fascinante. Sonny, sin duda, emerge como el líder carismático en esta operación de alto riesgo. Sin embargo, el plan da un giro dramático para peor cuando uno de sus parejas, Stevie (traído a la vida de Gary Springer), sucumbe al temor y abandona el barco. Esto deja a Sonny y su fiel confidente, Sal, interpretado brillantemente por John Cazale, para navegar las consecuencias caóticas dentro de las paredes del banco.
Ninguno de ellos no tiene idea de sus acciones, y lo que inicialmente comienza como un robo se convierte en una crisis de rehenes. El resto de la película gira en torno a las negociaciones para su lanzamiento. Al igual que la obra maestra menos conocida de Spielberg, “The Sugarland Express”, hay un aire de inevitabilidad hacia la narrativa, donde comprende que los delincuentes no escapan indemotos, sin embargo, no obstante, simpatizas con ellos. Es un trabajo cautivador.
Además, dado que se basa en un hombre que quería un cambio de sexo, todavía se siente increíblemente moderno
Profundizar más profundamente en el verdadero relato de la vida de John Wojtowicz revela narraciones contrastantes. Por ejemplo, un artículo de The Village Voice sugiere que la mafia puede haber jugado un papel en el fallido robo bancario. Sin embargo, la narrativa inicial y la retratada en la película se centran en el novio de Wojtowicz en busca de una operación de cambio de sexo.
En la película, descubrimos las intenciones genuinas de Sonny a la mitad de la mitad, y es su novio, Leon (retratado por Chris Sarandon), quien desea una cirugía de reasignación de género. Curiosamente, tanto Pacino como Cazale, así como Leon, están inspirados en individuos reales. El personaje de Leon se modela después de Elizabeth Eden, una mujer transgénero en la realidad.
Como defensor de los derechos transgénero, me pareció notable, dado su origen de los años 70, cuán progresiva fue esta película. Inicialmente cautivador, la película se volvió aún más intrigante una vez que se reveló la motivación detrás del atraco.
A pesar de ser una defensora de Emilia Pérez, reconociendo sus numerosos defectos, todavía encuentro que la tarde del día del perro es notablemente contemporánea, teniendo en cuenta que se hizo en los años 70. Esto solo muestra el impacto atemporal de esta película clásica.
John Cazale protagonizó cinco películas nominadas al Premio de la Academia, y este es posiblemente su mejor papel
¿Has encontrado “el beso de Fredo” antes? Este término se origina en ‘The Godfather Part II’, donde Michael Corleone (interpretado por Al Pacino) planta un beso a su hermano Fredo (Cazale) en los labios y dice: “Sabía que eras tú, Fredo. ¡Has destrozado mi corazón. Esta escena se considera una de las más impactantes en la historia cinematográfica, y muchos creen que es la mejor actuación de Pacino.
Vale la pena señalar que, si bien muchos podrían no dar la misma evaluación, John Cazale realmente brilló en su interpretación del hijo de Corleone. Su actuación fue excepcional, sin embargo, como su personaje, a menudo es subestimado en las películas de los padrinos. El momento más inolvidable asociado con él es, sin duda, su escena de la muerte. Curiosamente, a pesar de aparecer solo en cinco películas de larga duración, estas incluyen las mejores imágenes nominadas como Godfather 1 y 2, la conversación, la tarde del día del perro y el cazador de ciervos.
A pesar de la tercera colaboración entre Pacino y Cazale, es evidente que esta vez, Pacino parece captar más atención. En contraste con su bulliciosa actuación, Cazale en esta película es tranquilo y compasivo. Si bien Pacino es ruidoso y rimbástico (aunque no tan descarado como en Scarface, todavía bullicioso), Cazale sigue siendo de voz suave y empática.
A pesar de mantener un comportamiento reservado, logra eclipsar cada escena en la que se encuentra, dejando una impresión conmovedora durante toda la película. Su interpretación lleva una corriente subterránea de la tristeza, lo que lo convierte en la única actuación que permanece en su mente mucho después de que termine la película, y es su rostro lo que permanece grabado en su memoria.
Probablemente nunca haya una película que físicamente se sintiera más caliente que la tarde del día del perro
¡Dios mío, esta película es ardiente! Otras películas con el sol como elemento clave no pueden compararse con la intensidad de la ‘tarde del día del perro’. De hecho, realmente se destaca en ese sentido.
El artículo de la revista Life, titulado “The Boys in the Bank”, retrata con precisión a las personas vinculadas al crimen (ya que sirvió como base para el guión de la película), pero se centra principalmente en los involucrados en lugar del evento en sí. Por el contrario, la película parece concentrarse más en el día, específicamente ese caluroso día de verano, cuando ocurrió el crimen.
Este artículo realmente se distingue, ya que evoca una vívida imaginación del intenso calor e incluso fuera del banco, quemando bajo el sol de la calle. A diferencia de muchas películas que no pueden agitar respuestas emocionales o físicas, ¡esta logra hacerlo!
En términos más simples,
Empatizo con todos en ese banco, ya sean criminales o rehenes, pero al mismo tiempo, estoy increíblemente incómodo debido al intenso calor retratado en esta película. Hace tanto calor que parece que puedes sentir que el sudor gotea de tu pantalla. Francamente, no creo que haya otra película que te haga anhelar una ducha fría tanto como esta, y encuentro ese aspecto bastante atractivo.
El final se quedará contigo por el resto de tu vida
En última instancia, el final de la película es indudablemente desgarrador y puede permanecer en su memoria durante bastante tiempo. Si bien no revelaré detalles específicos para evitar spoilers, tenga la seguridad de que las escenas de cierre me han dejado una impresión duradera, al igual que el final de la masacre de la sierra de la cadena de Texas. Si aún no lo has visto, te animo a que experimentes este viaje emocional para ti.
Las respuestas de los personajes son las que realmente tienen un impacto. Solo la expresión de un personaje dice mucho, y se demora, dejándote con una sensación de melancolía hasta que lleguen los créditos finales.
La escena final de “Midnight Cowboy” es algo similar a lo que estoy pensando ahora. En este conmovedor final, la cara sin vida de Dustin Hoffman se representa en un autobús, mientras que Jon Voight se aferra tiernamente a él. A medida que la música de la armónica melancólica se desvanece, la película se hunde gradualmente en la oscuridad, dejando una impresión inquietante.
De hecho, la conclusión conlleva una profundidad de melancolía que puede permanecer en sus recuerdos para siempre, si elige permitirlo.
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2025-08-10 16:59