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Como artista multifacético con una profunda pasión por contar historias, me conmueve profundamente el enfoque cinematográfico de Takeshi Kaneshiro. Su dedicación a las narrativas atemporales y su fusión única de varios elementos creativos (palabras, música, imágenes y efectos de sonido) es verdaderamente inspiradora.
Juno Mak, conocido por sus habilidades como artista, músico y diseñador de moda, hizo una sorprendente entrada en la dirección cinematográfica con la película de terror sobrenatural de 2013 «Rigor Mortis». Más tarde reveló planes para una segunda película que pretendía ser aún más ambiciosa. Sin embargo, parecía (al menos desde una perspectiva pública) que este proyecto podría haber sufrido algunos retrasos.
Más recientemente, Mak surgió con la noticia de que la película que antes faltaba está casi terminada y se espera que se estrene ya en 2025.
Además, cabe destacar que su reparto principal está formado por cuatro pesos pesados del cine del este asiático: Takeshi Kaneshiro, Tony Leung Ka-fai, Sean Lau y Louis Koo. Además, la escalofriante reinvención de Hong Kong de Maks ha tenido un alto precio de 50 millones de dólares, lo que la hace más cara que el reciente éxito de acción «Twilight of the Warriors: Walled In».
Justo antes del inicio del Mercado Asiático de Contenidos y Cine, donde Distribution Workshop planea reiniciar el procedimiento de ventas, Mak compartió con EbMaster detalles sobre su método de producción y la sensación distintiva de la película.
¿Cómo se detuvo esta película y luego se reinició?
En 2017, completé nuestra filmación principal y posteriormente entramos en una fase de postproducción de casi dos años. Sin embargo, cuando llegó el COVID-19, todo se detuvo momentáneamente. No fue hasta después de la pandemia que se reanudó la producción. Los retrasos se debieron a obstáculos técnicos más que a la necesidad de reconsiderar nuestra historia.
¿Lo llamas un thriller policial futurista?
Esta película puede describirse como una versión única del género criminal, que se aleja de los estereotipos típicos del cine de Hong Kong. A diferencia de otras películas, ‘Sons of the Neon Night’ es independiente y ofrece una perspectiva e interpretación nuevas. La narrativa abarca temas como la codicia, la búsqueda de poder, la adicción a las drogas (incluidos los medicamentos recetados) y las relaciones familiares complejas.
A continuación se muestra una forma posible de reformular la oración original, buscando un lenguaje natural y fácil de leer:
La película tiene lugar en Hong Kong, que le sirve de escenario, pero no es un documental realista. En cambio, presenta un mundo único creado por mí que experimenta nevadas. Este universo ficticio es el telón de fondo de una narrativa que explora el efecto mariposa: una serie de eventos desencadenados por la decisión de un personaje, que provocan perturbaciones en el escenario de la historia y alteran su equilibrio.
¿Cómo conseguiste reunir un reparto tan sensacional?
Me encontré profundamente agradecido por esta situación. Tras la finalización de «Rigor Mortis», discutir una continuación fue bastante sencillo. Definitivamente hubo interés por parte de inversores y distribuidores por un proyecto de este tipo. Sin embargo, creía que la esencia y el contenido que pretendía transmitir ya estaban presentes en la película inicial, haciendo innecesaria una secuela o precuela en ese momento.
Durante nuestro viaje de Venecia al Festival de Cine de Toronto con «Rigor Mortis», experimentando desfase horario, me encontré redactando las secuencias iniciales de «Sons of the Neon Night». Me llevó un total de cuatro años completar el guión.
Inicialmente, concebí numerosos personajes en mi imaginación y posteriormente viajé para interactuar con los actores y actrices. Fue «Rigor Mortis» lo que despertó su interés, pero necesitaba aclarar que se desviaba de sus percepciones pasadas sobre mí. Este proyecto se distingue porque carece de aspectos fantasmales o sobrenaturales. Los roles que quería que encarnaran no se parecían a nada que hubieran asumido antes, a pesar de su amplia experiencia.
En ese momento, ¿ya habíamos finalizado el guión para ellos o todavía estabas presentando una idea o concepto?
Era un guión completo.
¿Qué relación tiene esta película con tu arte, tu posición como cantante y músico? Más específicamente, ¿cómo se relaciona esto con las importantes transformaciones en la escena del mundo real de Hong Kong desde 2017?
En esta historia, que tiene lugar en un Hong Kong ficticio, el período de tiempo no es crucial. Ya sea una producción de 2018 o de 2028, o incluso una película ambientada en la década de 1920, es flexible. Al redactar un guión para cualquier película o álbum que creo, me esfuerzo por lograr la atemporalidad. Esto significa que no debe limitarse ni distraerse por el período de tiempo específico que estamos viviendo actualmente.
En las primeras etapas de mi carrera como cantante y productor musical, me encontré particularmente en sintonía con los sonidos. Cuando llegó el momento de dirigir ‘Rigor Mortis’, estaba entrevistando a un elenco experimentado que me preguntó si tenía alguna referencia visual, generalmente algo que había filmado anteriormente. Admití abiertamente que no había filmado nada antes, ni siquiera con mi teléfono. Sin embargo, lo que sí tenía a mi disposición era una banda sonora completa. Les ofrecí varias indicaciones de audio, música que yo mismo había compuesto o que había colaborado con otros compositores para crear.
Cada cineasta tiene su enfoque único al crear películas. Esta diversidad es lo que hace que el cine sea tan fascinante; es una mezcla de guión, melodía, imágenes y efectos de audio que al final se unen armoniosamente.
¿Qué parte del proceso de realización cinematográfica te parece más interesante y más desafiante?
Cada esfuerzo creativo, ya sea una película, un álbum, una obra de teatro o un libro, sigue un ciclo de vida específico. Para mí, este proceso es realmente cautivador.
La producción de nuestra película fue bastante extensa y duró un total de 142 días, lo cual es relativamente poco común en el cine de Hong Kong. Con un reparto tan grande, de entre 20 y 30 personajes, parecía que estábamos rodando varias películas simultáneamente. Realmente disfruté la experiencia de asumir varios roles y ser el principal punto de contacto para todas las comunicaciones, incluso con inversores y agentes de ventas. Este viaje único fue particularmente encantador para un director que se embarcaba en su segunda película.
¿Qué intentabas lograr con la estilización?
Antes de comenzar nuestro trabajo, compilé una biblia completa que describe los detalles sobre la vestimenta de cada personaje, el escenario de cada escena y captura la atmósfera única de la película. Sólo después de este paso preparatorio pasamos a la fase de producción, incluida la búsqueda de locaciones. También construimos numerosos decorados para fines específicos.
Desde mi perspectiva como cinéfilo, la película se desarrolla gradualmente, evitando el papel dinámico, casi sensible, que la cámara suele asumir en las producciones a gran escala de Hong Kong. En cambio, la cámara de esta película actúa como un observador silencioso, capturando las intrincadas interacciones entre sus personajes, manteniendo un distanciamiento más artístico.
También hay una frialdad inusual en esta película en comparación con la mayoría de Hong Kong, dada su ubicación tropical. He construido intencionalmente un escenario donde hace mucho frío, lo que afecta las decisiones tomadas por los personajes. Lo considero una nueva perspectiva de la escena cinematográfica de Hong Kong.
Si esta película te llevara casi diez años, ¿harías alguna vez otra película?
He estado desarrollando varias narrativas a lo largo de los años, y cada proyecto está destinado a diferentes medios: algunos como álbumes de música, otros como representaciones teatrales y otros destinados a películas o incluso miniseries de televisión. Para decirlo de otra manera, me encanta crear, no sólo producir un artículo específico.
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2024-10-05 01:17