La directora Marta Mateus quiso alterar la “imagen banal de la guerra” presentada por los medios de comunicación con su reproductor de Locarno “Fogo do Vento”

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Como cinéfilo con un profundo aprecio por las películas que desafían la norma y profundizan en las complejidades de la existencia humana, me sentí completamente cautivado por el primer largometraje de Marta Mateus, «Fogo do Vento». Esta película es un testimonio del poder del arte y la paciencia necesaria para hacer realidad una visión.

La primera película de Marta Mateus, «Fogo do Vento», está ricamente imbuida de mística imaginativa y meticulosamente basada en la cultura humana, lo que plantea importantes desafíos al medio cinematográfico.

La película, que abarca más de cuatro años de producción, no carece de ambición ni de precisión; por el contrario, es increíblemente breve, apenas dura unos 70 minutos. Estas cualidades dan a la película una intensidad única y un enfoque nítido.

En el Festival de Cine de Locarno, donde se presentó su cautivador trabajo debut en la competición principal, EbMaster expresó que su enfoque del cine es similar a dirigir un «estudio de arte» (atelier). De hecho, la película en sí parece más una obra de arte creada minuciosamente que una película convencional, lo que enfatiza aún más la perspectiva de Mateus.

La naturaleza inmóvil de la cámara en la película contribuye a darle a cada escena la sensación de haber sido cuidadosamente construida o escenificada. «Una vez, un cineasta comentó sobre mi trabajo diciendo: ‘Hiciste esa película en la que nada se movía’. Al principio no lo entendí, pero luego me di cuenta de que era porque la cámara rara vez se mueve».

Como cinéfilo apasionado, nunca estudié cine formalmente, sino que incursioné en la filosofía, el teatro y la música. Esta era mi manera de apostar a que estos diversos campos enriquecerían mi perspectiva sobre el cine a largo plazo. A la sombra de un árbol en el jardín de Locarno, compartí este pensamiento: «He profundizado en numerosos temas, pero el cine no era uno de ellos. Decidí evitarlo, porque sabía que quería hacer películas yo mismo. No quería que nadie más dictara mi enfoque».

En la película de Mateus basada en el bosque, filmada predominantemente durante el día, la luz del sol ocupa un lugar central. Ilumina intensamente a los trabajadores que cuidan los viñedos y se desliza entre el follaje de los árboles mientras encuentran refugio de un toro callejero en las ramas de arriba. Mientras conversábamos, Mateus describió vívidamente los desafíos de trabajar con luz natural en constante cambio y no ajustarse a ningún horario para captarla perfectamente. En repetidas ocasiones, Mateus y su equipo volvieron a visitar los mismos lugares, esforzándose por lograr autenticidad en cada toma.

«Con frecuencia me concentro en las imágenes mentales que surgen. Con el tiempo, cuando fotografío, estas imágenes se almacenan en los rincones de mi mente. A veces, pueden surgir nuevas imágenes durante el rodaje, lo que requiere cambios en la trama, pero como cineastas, entendemos y adaptarse a este proceso dinámico.»

En la obra de arte «Fogo do Vento», la luz cambiante sirve como el símbolo más llamativo de lo efímero. Sin embargo, las creaciones de Mateus trascienden las meras representaciones de encarnación y presencia. En cada fotograma, parece haber una sutil evocación de la historia, insinuando una interpretación materialista de acontecimientos pasados.

«La obra titulada ‘Fogo do Vento’ abarca temas de comunidad, nación y conflicto, al mismo tiempo que funciona de forma independiente como una obra de arte. Resuena en escalas personales y profundamente históricas».

«Mateus señala que cada uno de nosotros alberga un mundo vasto e interconectado dentro de nosotros, y que somos responsables de este vínculo histórico». Las fotografías antiguas que representan la guerra colonial africana, presentadas por Maria Catarina, o la presencia fantasmal de João de Encarnação, bisabuelo del director, retratado como un joven soldado de la Guerra Mundial, parecen subrayar la influencia duradera del eco espectral de la historia. .

La película trasciende las historias nacionales y contribuye a un choque más amplio de imágenes. Además, Mateus pretendía reflexionar sobre cuán comunes se han vuelto recientemente las imágenes de guerra. A medida que aumentan las disputas políticas, el cine sirve como plataforma para presentar una imagen alternativa a la violencia que a menudo se representa en los principales medios de comunicación.

«La historia también está moldeada por lo visual. Es crucial decidir qué imágenes queremos preservar, ya que las representaciones de la guerra fomentan más imágenes bélicas. El cine debería servir como disruptor en este ciclo, proporcionando una perspectiva sobre los aspectos que a menudo se pasan por alto». humanidad.»

La película está profundamente conectada con una región antigua, casi espiritual, el Alentejo en Portugal, que sirve de telón de fondo para imágenes simbólicas. Un toro amenazador deambula por los campos, obligando a agricultores y trabajadores a buscar refugio en los árboles, añadiendo así una nueva perspectiva al concepto de resiliencia colectiva.

El director comparte que pasaron su infancia en una zona remota de Portugal, una zona donde las tradiciones orales tienen un valor significativo. Según ellos, contar cuentos (leyendas y mitos) era una parte integral de nuestra existencia diaria.

Mi historia personal se entrelazó significativamente con la descripción simbólica de la historia que hace la película y el potencial para romper el ciclo del dolor: el sueño de una revolución y libertad. «El sol existe desde hace mucho más tiempo que los cimientos sobre los que descansa nuestra historia».

En épocas anteriores, las películas militantes solían utilizar imágenes sorprendentes para provocar conflictos y provocar que los espectadores tomaran partido. Por el contrario, Mateus elige una forma distinta de resistencia: una interpretación meticulosa de la fuerza cinematográfica y un diálogo rítmico y poco ortodoxo que recuerda a los cánticos, que refleja cómo las culturas orales perciben el mundo. Esto es sorprendentemente diferente de la forma contemporánea, lineal y capitalista de interpretar la realidad.

Ella cree que las películas de hoy tienen una importancia inmensa, pero a menudo no reconocemos este impacto. Tienen un poder simbólico y despiertan nuestra creatividad de maneras que tal vez no comprendamos del todo. Las películas pueden ser perturbadoras y esclarecedoras, provocando una respuesta emocional o sentimental en nuestro interior: una nueva conciencia sobre algo. En este proceso, generan algo nuevo. Ella enfatiza que cómo y por qué una película resuena contigo es igualmente importante, y anima a los espectadores a dejar que su película transmita su mensaje de forma independiente.

2024-08-14 15:47