La ganadora de Camerimage, ‘La chica de la aguja’, rinde homenaje al terror psicológico clásico, dice el director de fotografía

Como crítico de cine experimentado con inclinación por el cine europeo y debilidad por las películas en blanco y negro que capturan la parte más oscura de la historia, debo decir que «La chica de la aguja» me dejó completamente cautivado. Esta película es un testimonio del poder de la narración cuando se trata de desenterrar los rincones oscuros de nuestro pasado y arrojar luz sobre ellos para que todos los vean.

Al leer inicialmente el guión de «La chica de la aguja», el galardonado director de fotografía polaco Michal Dymek afirmó que de inmediato surgieron vívidas imágenes mentales: imágenes crudas y envueltas de un barrio pobre danés en ruinas, donde los trabajadores de las fábricas clandestinas durante la Primera Guerra Mundial se encorvaban sobre maquinaria ruidosa.

Observó escenas llenas de encuadres clásicos que mostraban áreas confinadas y en decadencia donde personas angustiadas estaban atrapadas.

Según Dymek, fue «simplemente excepcional y poderoso», que recuerda a los mejores guiones que ha conocido. Inmediatamente tuvo la certeza de que la película debía rodarse en blanco y negro. Explica: «Quería construir una máquina del tiempo, ¿sabes? Dado que nuestro único conocimiento real de esa época proviene de imágenes en blanco y negro, era esencial para nosotros filmarla de esa manera.

Durante los dos años de preparación, mientras el proyecto evolucionaba hacia una colaboración entre Dinamarca, Suecia y Polonia, Dymek afirmó que se eligieron lentes Leica Hugo para mantener las distorsiones características del vidrio antiguo, de acuerdo con las imágenes de archivo auténticas que representan principios del siglo XX. vida del siglo dominada por los capitanes de la Era Industrial.

En este sombrío entorno, no sorprende que surja una narrativa sobre un asesino despiadado, uno que ofrece una solución -aunque a un precio- para las mujeres que luchan por cuidar a bebés no deseados.

«La chica de la aguja», una película escrita por Magnus von Horn y Line Langebek Knudsen, está inspirada en acontecimientos de la vida real de una época sombría de la historia danesa. La narrativa gira en torno a Karoline, una trabajadora de una fábrica textil, cuya vida se vuelve cada vez más peligrosa mientras se esfuerza incansablemente por mejorar sus circunstancias.

Trabajar con von Horn en «Sweat», una historia de 2020 sobre la obsesión y la creación de mitos en las redes sociales, le dejó claro a Dymek que una vez más podían desarrollar un vocabulario visual para transmitir la sensación de fuerzas espeluznantes e inminentes, como él dice.

Para retratar convincentemente el entorno sombrío y ruinoso de Karoline, interpretado con notable y sutil intensidad por Vic Carmen Sonne, Dymek eligió localizaciones cercanas a su alma mater, la escuela de cine de Lodz. Estos lugares, a diferencia de la moderna y elegante Copenhague, conservan un aire de decadencia, ya que todavía muestran signos de estar «torcidos, rotos y desmoronados», muy parecido a cómo apareció Copenhague hace un siglo.

Para crear una atmósfera más confinada y opresiva para la fábrica, la vivienda de Karoline y las habitaciones encima de la tienda de dulces donde el mal se revela, Dymek y van Horn optaron por construir decorados que pudieran manipular por completo. Como explica el director de fotografía: «Tenía que ser estrecho, donde la gente se sintiera atrapada, incapaz de moverse y sin luz ni aire fresco.

Con la cámara Arri Mini LF, equipada con un sensor de color, pueden aplicar filtros a imágenes en blanco y negro, lo que les permite ajustar los tonos de piel y las sombras de oscuridad, según afirma Dymek.

También querían que ese mundo fuera “desagradable”, añade, “y que sintiera sudor, humo, vapor”.

Dymek explica que el ritmo narrativo será consistente y formal, similar al cine polaco de la Nueva Ola, con sus planos largos e ininterrumpidos de actores moviéndose a través de las escenas. Sin embargo, subraya que no se adhirieron estrictamente a ninguna regla o dogma. En cambio, eligen seguir el flujo de las emociones: cortan cuando les parece correcto y mantienen un tiro cuando les parece apropiado.

Y lo que es igual de importante, dice, “permitir que los actores guíen la cámara”.

Las emociones siempre cambiantes de Sonne, que oscilan entre el optimismo, la ansiedad y la tristeza, con frecuencia se retratan sutilmente a través de movimientos menores incluso desde lejos, enfatizados por cambios abruptos de brillo, con momentos de sobreexposición durante escenas de severa agonía, según Dymek.

Mientras tanto, la cámara comparte limitaciones similares a las de la vida de Karoline, realizando solo movimientos limitados, frecuentemente necesarios para mantener la imagen libre de cualquier indicio del siglo XXI.

Los diseños de la escenografía del artista de producción Jagna Dobesz capturan brillantemente la esencia de la época, sumergiendo a los espectadores en la sombría realidad de la indigencia de Karoline, al mismo tiempo que ofrecen una tentadora bocanada de su única oportunidad de conseguir una inmensa fortuna.

Según Dymek, ajustar meticulosamente los espacios y la iluminación dentro de ellos jugó un papel crucial en su trabajo. Mencionó que cualquier pared inicialmente blanca se volvería a pintar inmediatamente, asegurando que la tez de Karoline fuera siempre el tono más brillante de la composición.

En la interpretación que Trine Dyrholm hace del siniestro personaje Dagmar, inspirada en el infame asesino en serie de Copenhague, encontramos una representación más intrincada y multifacética, según Dymek. En lugar de la improvisación fluida de Sonne en el set, Dyrholm adoptó un estilo de actuación más deliberado y metódico. Esto permitió a los realizadores planificar meticulosamente los movimientos de Dagmar mientras ella orquesta hábilmente sus planes mortales en su tienda de dulces.

Inspirándose en obras fundamentales de drama oscuro como «La lista de Schindler» y «A sangre fría», junto con el expresionismo alemán, Dymek y von Horn intentaron honrar estas piezas sobresalientes que profundizan en los reinos de la locura al crear el horror psicológico de «La Chica con la aguja.

El entorno sonoro único y resonante creado por Kim Dalum, Morten Pilegaard y Oskar Skriver también introduce una capa exclusiva que identifica de forma única su trabajo, modernizando los enfoques tradicionales.

Ahora, al recordar la película, Dymek comparte sus pensamientos y dice: «Creo que esta película sirvió como un homenaje a la forma en que nuestros mentores nos guiaron en la apreciación del cine.

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2024-11-25 12:47