La peor película de cada década, según Letterboxd

Sorprendentemente, a algunas personas sólo les interesa ver películas de alta calidad. Se mantienen alejados activamente de las películas que tienen críticas negativas o que, en general, se consideran malas.

Yo llamo a estas personas “tontos”.

Seamos honestos: a veces una película verdaderamente terrible es exactamente lo que necesitas. Si bien una buena película es genial, hay un placer especial al ver algo hilarantemente malo: diálogos torpes, actuaciones extrañas, trabajo de cámara inestable y una trama que no tiene sentido. ¡Incluso puede resultar inspirador! Podrías pensar: ‘Oye, si ellos pueden hacer una película, ¡tal vez yo también pueda!’ En esos momentos, una película pulida y bien hecha simplemente no da en el clavo. Necesitas algo maravillosamente horrible.

Cuando tengo curiosidad por saber qué películas fracasaron, me dirijo a Letterboxd, una excelente aplicación de redes sociales para los amantes del cine. Utilizo su enorme base de datos de más de un millón de películas para encontrar las películas con las calificaciones más bajas cada año. Al ordenar por puntuación promedio y año de estreno, puedo ver fácilmente la película con peores críticas de cada década desde el comienzo del cine. He elaborado una lista de estas películas que cubren poco más de un siglo de historia cinematográfica.

Me da un poco de vergüenza decir que hasta ahora solo he visto ocho de las diez películas peor clasificadas de la lista. Sin embargo, la buena noticia es que ahora tengo un plan claro sobre qué ver la próxima vez que tenga ganas de ver películas realmente horribles.

La peor película de cada década, según Letterboxd

Década de 1920: La melodía de Broadway (1929)

Con una puntuación media de 2,4 en Letterboxd, The Broadway Melody es conocida como una de las ganadoras del Oscar a la Mejor Película más decepcionantes. Esto explica por qué es la película de la década de 1920 con la puntuación más baja del sitio. Si bien no es necesariamente la peor película de la década, es sorprendentemente popular hoy en día simplemente porque a la gente le gusta ver todas las películas que ganaron el Oscar a la Mejor Película, ¡y ésta no se sostiene bien!

Década de 1930: Locura por los refrigerados (1938)

Con una puntuación media de Letterboxd de 2,1, esta película es notoriamente mala. Es una historia con moraleja, originalmente titulada Cuéntaselo a tus hijos, destinada a asustar a la gente y alejarla de la marihuana. Es la fuente del término “locura por los porros” y es increíblemente exagerado, incluso para su época, 1938. Hoy en día, se considera ridículo y, irónicamente, muchas personas disfrutan viéndolo mientras consumen marihuana.

Década de 1940: Acuso a mis padres (1944)

La puntuación media de Letterboxd para esta película es 2,0. Una de las razones de las puntuaciones bajas, especialmente en películas más antiguas, es Mystery Science Theatre 3000 (MST3K). El programa, conocido por sus divertidos comentarios sobre malas películas, es una excelente manera de descubrirlas. Acuso a mis padres es un episodio particularmente famoso y querido; Joel Hodgson, el creador de MST3K, a menudo lo menciona como uno de los favoritos y constantemente ocupa un lugar destacado en las encuestas de espectadores.

Década de 1950: Rey Dinosaurio (1955)

La película King Dinosaur recibió una puntuación media en Letterboxd de 1,8. Se emitió originalmente en Mystery Science Theatre 3000 en 1990 y fue una producción típica de bajo presupuesto del director Bert I. Gordon. Gordon era conocido por hacer películas perfectas para MST3K, incluidas The Amazing Colossal Man, Earth vs. the Spider, War of the Colossal Beast, The Magic Sword, Tormented, Beginning of the End y Village of the Giants.

Década de 1960: Monstruo A Go-Go (1965)

Con una puntuación media de Letterboxd de sólo 1,5, Monster A Go-Go es considerada una de las peores películas jamás realizadas. Dirigida (sin acreditar) por el cineasta de explotación Herschell Gordon Lewis, esta película de terror de ciencia ficción de bajo presupuesto fue satirizada en un episodio de la cuarta temporada de Mystery Science Theatre 3000. La trama, sobre un astronauta que se transforma en un monstruo, es casi incomprensible debido a que está filmada en dos segmentos separados e inconexos. Incluso antes de su aparición MST3K, Monster A Go-Go tenía una reputación terrible, y esa notoriedad sigue llamando la atención en Letterboxd.

Década de 1970: El especial navideño de Star Wars (1978)

El especial navideño de Star Wars es ampliamente considerado como uno de los peores medios de Star Wars jamás creados. Si bien a muchos fanáticos no les gusta The Rise of Skywalker, es una obra maestra en comparación con esta infame película para televisión de 1978. Realizado rápidamente entre la primera película de Star Wars y El Imperio Contraataca, son 100 minutos dolorosos llenos de canciones tontas, chistes malos y extraños cameos de celebridades (¡como Art Carney y Bea Arthur!). Incluye una caricatura decente que marca la primera aparición de Boba Fett. A pesar de que nunca se lanzó oficialmente en video casero, el especial navideño se ha vuelto legendario por lo malo que es. Se ha convertido en un punto de referencia cultural: si se compara algo con él, es realmente terrible y vergonzoso.

Década de 1980: Yendo por la borda (1989)

Con una puntuación media de Letterboxd de sólo 1,4, la primera película de Adam Sandler, Going Overboard, se considera un gran fracaso. Esta “comedia”, ambientada en un crucero con concursantes de un concurso de belleza, no tiene nada de divertida. De hecho, según IMDb, la producción de la película se aceleró: el guión se escribió en solo tres días, el casting tomó un día, la preparación duró dos días y la filmación se completó en seis. A pesar de ese cambio increíblemente rápido, sigue siendo peor de lo que cualquiera podría esperar.

Década de 1990: Mortal Kombat: Aniquilación (1997)

Con una puntuación media de 1,5 en Letterboxd, Mortal Kombat: Annihilation es ampliamente considerada una película terrible. A pesar de tener un presupuesto que casi duplica el de la primera película de Mortal Kombat, luce sorprendentemente mal: los efectos especiales son tan pobres que ni siquiera serían aceptables para una escena de un videojuego de los 90. Esto demuestra que un gran presupuesto no garantiza una buena película. Si bien el Kombat original no fue una obra maestra, al menos se podía ver. Annihilation es tan horrible que parece hecho deliberadamente para ser malo, casi como un plan para estafar a los inversores, similar a la trama de The Producers.

Década de 2000: Dragon Ball Evolución (2009)

Con una puntuación media de Letterboxd de sólo 0,9, la película de acción real Dragonball de 2009 se considera la película con la puntuación más baja de la década de 2000 en la plataforma. La adaptación de la popular serie de manga y anime fue fuertemente criticada por elegir actores blancos para papeles que originalmente pertenecían a personajes asiáticos y por desviarse significativamente del material original. El guionista, Ben Ramsey, se disculpó públicamente más tarde por su trabajo en la película, admitiendo que le faltaba pasión por el proyecto y que el resultado fue un fracaso. Sin embargo, esta disculpa no ha mejorado la recepción de la película entre los usuarios de Letterboxd.

Década de 2010: deslizado

Con una puntuación media de Letterboxd de sólo 1,1, esta comedia de Noah Centineo se ha vuelto infame. La película, sobre un estudiante universitario que recluta a su incómodo compañero de cuarto para crear una aplicación de citas, ha superado a The Last Airbender de M. Night Shyamalan como la película con la calificación más baja de la década de 2010 en la plataforma. Como dijo un crítico, es una película que la gente ve cuando está enojada: ¡una evaluación dura, por decir lo menos!

Década de 2020: La guerra de los mundos (2025)

Esta nueva versión de La guerra de los mundos de H.G. Wells está protagonizada por Ice Cube, pero el verdadero héroe no es una persona, es Amazon. Básicamente, la película convierte a Amazon en la empresa que salva a la Tierra de los extraterrestres. Por ejemplo, un dispositivo clave necesario para luchar contra la invasión solo puede entregarse al personaje de Ice Cube a través del servicio de entrega con drones de Amazon, Prime Air. El repartidor incluso se toma un momento para anunciar el servicio como “el futuro de la entrega”. Es sorprendente, dado todo esto, que la película haya recibido críticas tan negativas en Letterboxd.

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20. Un hombre para todas las estaciones (1966)

La película Un hombre para todas las estaciones se centra en Sir Thomas More, un hombre de sólidos principios que se encontró en desacuerdo con el deseo del rey Enrique VIII de casarse con Ana Bolena. A pesar de enfrentar ofertas tentadoras y serias amenazas, More se niega rotundamente a comprometer sus creencias. La película retrata de manera convincente su lucha por navegar una situación peligrosa, defendiéndose mientras evita cuidadosamente cualquier declaración que pueda interpretarse como traición y conducir a su ejecución. En última instancia, es una exploración fascinante del derecho y de la delicada habilidad de comunicarse sin revelar la verdadera postura, una habilidad que, como muestra la película, tiene sus límites.

19. Sucedió una noche (1934)

Las comedias, especialmente las románticas, a menudo pasan desapercibidas en los Premios de la Academia. Sin embargo, Sucedió una noche, con Clark Gable y Claudette Colbert, se destaca como una rara y encantadora excepción. La película cuenta la historia de un reportero y una heredera que inesperadamente se enamoran: ¡un clásico de la comedia romántica! Sorprendentemente, Sucedió una noche todavía se siente fresco, divertido y encantador décadas después, a pesar de inspirar a innumerables imitadores.

18. La conexión francesa (1971)

La película The French Connection ofrece una experiencia cruda y emocionante que los Premios de la Academia a menudo pasan por alto. Es conocida por su acción trepidante y su retrato realista de la ciudad de Nueva York, lo que podría explicar su perdurable popularidad entre las ganadoras del Oscar a la mejor película. Si echas una mirada retrospectiva a las películas ganadoras, encontrarás muchos musicales, dramas biográficos e historias de guerra a gran escala, pero solo una French Connection.

17. Rebeca (1940)

Alfred Hitchcock llegó a Hollywood a finales de los años 1930 e inmediatamente alcanzó el éxito con su primera película estadounidense, Rebecca, ganando el Premio de la Academia a la Mejor Película. Sorprendentemente, a pesar de haber hecho muchas más películas aclamadas, nunca volvió a ganar ese premio. Pero eso no disminuye Rebecca, que sigue siendo una historia clásica de Hitchcock sobre la obsesión y los recuerdos persistentes de aquellos que hemos perdido; en realidad, hay múltiples obsesiones en juego en la película.

16. Un americano en París (1951)

Antes de finales de la década de 1960, las películas musicales eran increíblemente populares entre los Premios de la Academia. Durante ese tiempo, varios musicales bastante débiles ganaron el Oscar a la Mejor Película, como The Great Ziegfeld, Gigi y Going My Way. Sin embargo, Un americano en París de Vincente Minnelli fue una película verdaderamente excepcional. Protagonizada por Gene Kelly en su mejor momento como un veterano de la Segunda Guerra Mundial en Europa que se enamora de una mujer francesa (Leslie Caron). La película incluye algunos de los números de baile más famosos de Kelly, canciones clásicas de George e Ira Gershwin, como “Embraceable You”, “I Got Rhythm” y “Love Is Here to Stay”, y culmina con una impresionante secuencia de ballet de 17 minutos.

15. El apartamento (1960)

En El apartamento de Billy Wilder, C.C. Baxter (Jack Lemmon) espera que le asciendan en su oficina de Nueva York si permite que sus jefes utilicen su apartamento para sus asuntos. Sin embargo, las cosas se complican cuando la mujer que ama (Shirley MacLaine) comienza a ver a su jefe (Fred MacMurray) en su departamento. La película se destaca por ser una comedia poco común que gana premios importantes, probablemente porque su humor se mezcla con emoción genuina y verdades identificables.

14. La lista de Schindler (1993)

Steven Spielberg ganó su único Premio de la Academia a la Mejor Película (y uno de sus dos premios al Mejor Director) por este poderoso drama histórico. La película cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que arriesgó todo (su riqueza y su vida) para salvar a cientos de judíos empleándolos en sus fábricas durante la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Ampliamente considerada una de las mejores películas biográficas jamás realizadas, retrata hábilmente tanto la extraordinaria vida de Schindler como el inmenso sufrimiento que padecieron millones de personas durante el Holocausto.

13. Luz de luna (2016)

Los Premios de la Academia 2017 serán recordados para siempre por un error impactante: Moonlight fue en realidad la ganadora de Mejor Película, pero La La Land fue anunciada inicialmente como ganadora por los presentadores Faye Dunaway y Warren Beatty. Este sorprendente giro de los acontecimientos culminó un viaje increíble para Moonlight, una película poderosa y merecedora que pasó de ser una pequeña producción independiente a una de las ganadoras más celebradas en la historia del Oscar. (¡Vale la pena señalar que La La Land también fue una película fantástica!) Moonlight cuenta la historia de la mayoría de edad de un joven negro, siguiéndolo a través de tres etapas importantes de su vida. La película retrata con honestidad y sensibilidad su crecimiento emocional y personal con notable profundidad.

12. Amadeo (1984)

Como cinéfilo, siempre he notado que a los Oscar les encanta una buena película biográfica. Pero Amadeus es diferente. En realidad no se trata de Mozart, el genio. Se trata de Salieri, un compositor talentoso pero en última instancia ordinario que reconoce la brillantez de Mozart y sus propias limitaciones. Eso es algo con lo que la mayoría de nosotros podemos conectar: la sensación de luchar por algo y darnos cuenta de que siempre puede estar fuera de nuestro alcance. Entiendo que la película se toma libertades con los hechos históricos sobre Mozart y Salieri, pero, sinceramente, eso no me molesta. Parece uno de esos casos en los que una película llega a una “verdad más profunda” doblando un poco la realidad, un poco como lo que dice Werner Herzog con la “verdad extática”. Se trata del núcleo emocional, no necesariamente de los detalles históricos.

11. Términos de cariño (1983)

Si bien el impacto emocional de Terms of Endearment puede disminuir para los espectadores modernos debido a su ahora famoso final, sigue siendo una película verdaderamente hermosa, divertida y desgarradora. Destaca por su retrato honesto de relaciones complejas, especialmente el vínculo a menudo difícil entre madre e hija, y las luchas dentro de un matrimonio problemático, algo rara vez visto en Hollywood. James L. Brooks no es conocido por sus imágenes llamativas, pero tiene un talento notable para dirigir y escribir actuaciones convincentes de sus actores.

10. El aguijón (1973)

Pocas películas son tan puramente divertidas como The Sting, un clásico de Hollywood que reunió a Paul Newman y Robert Redford con el director George Roy Hill. Es una continuación notable de su éxito Butch Cassidy and the Sundance Kid, y muchos lo consideran incluso mejor. La película sigue a dos encantadores estafadores mientras planean vengarse de un gángster despiadado (Robert Shaw) que lastimó a un amigo que ambos querían. La historia está escrita inteligentemente, Newman ofrece una interpretación fenomenal y el uso de música ragtime antigua captura perfectamente un sentimiento de nostalgia agridulce. Vi The Sting por primera vez en PBS cuando era adolescente y solía identificarme con el personaje de Redford. Ahora me identifico más con Newman. Mientras no vea nada del carácter de Robert Shaw en mí, supongo que lo estoy haciendo bien.

9. Lawrence de Arabia (1962)

Al crecer como fanático del cine en los años 90, mi primera experiencia con Lawrence of Arabia fue en VHS y, sinceramente, no entendí del todo el revuelo. No fue hasta que la vi proyectada en una gran pantalla de 70 mm que realmente comprendí el impacto de la película. Si bien los videos caseros pueden ser divertidos, la epopeya de David Lean sobre T.E. Lawrence, protagonizada por Peter O’Toole, puede resultar decepcionante. (¡Especialmente si recuerdas haber visto una versión recortada en un televisor viejo!) Sin embargo, verlo en la pantalla grande es una experiencia verdaderamente cautivadora e inolvidable.

8. Parásito (2019)

La película Parasite está meticulosamente elaborada y cada elemento (diálogo, ángulo de cámara, giro de la trama y elección de diseño) cumple un propósito. La película comienza con una toma del estrecho apartamento en el medio sótano de la familia Kim, que resalta su pobreza y presagia la inundación literal que pronto sigue. A medida que los Kim se van infiltrando gradualmente en la vida de una familia adinerada como empleados, se enfrentan a numerosos desafíos. La toma final de la película se conecta poderosamente con la apertura y refuerza la crítica del director Bong Joon-ho a la desigualdad social.

7. El silencio de los corderos (1991)

Muchos thrillers presentan criminales perturbados, pero El silencio de los corderos de Jonathan Demme tiene muchas más capas y es más revelador. Es una mirada sorprendentemente profunda a la agente Clarice Starling (interpretada por la ganadora del Oscar Jodie Foster) mientras navega por un mundo dominado por hombres poderosos, a menudo violentos. Si bien Hannibal Lecter (también ganador del Oscar por Anthony Hopkins) es una figura prominente, la película lo presenta de manera única desde la perspectiva de Clarice, que es lo que realmente la distingue.

6. Los mejores años de nuestras vidas (1946)

Si bien algunos amantes del cine pueden no estar de acuerdo, Los mejores años de nuestras vidas es posiblemente incluso mejor que Es una vida maravillosa y sigue siendo una poderosa película estadounidense. Cuenta la historia de tres veteranos, interpretados por Frederic March, Dana Andrews y Harold Russell (un veterano de la Segunda Guerra Mundial que en realidad perdió ambas manos en el servicio), mientras regresan a su pequeña ciudad del Medio Oeste e intentan reconstruir sus vidas. En lugar de celebrar la guerra, el director William Wyler retrata honestamente las dificultades que enfrentan estos hombres, ofreciendo una mirada realista y sorprendentemente moderna a las duraderas heridas físicas y emocionales del combate.

5. No es país para viejos (2007)

Los hermanos Coen son conocidos por sus excelentes películas y No es país para viejos a menudo se considera la mejor. Explora un tema que retoman con frecuencia: la búsqueda dañina y vacía de riqueza. La película sigue a un hombre (Josh Brolin) que encuentra millones de dólares después de que un negocio de drogas sale mal, lo que desencadena una serie de muertes brutales e innecesarias. Hábilmente dirigida por los Coen y basada en la novela de Cormac McCarthy, No Country retrata un mundo duro e impredecible donde el destino parece tan arbitrario como lanzar una moneda al aire.

4. Rocoso (1976)

Las personas que descartan Rocky como una película de boxeo más probablemente no hayan visto la original por un tiempo y la confundan con sus secuelas más débiles. El primer Rocky es más un estudio de personajes realista, similar a las películas neorrealistas italianas, que un típico drama deportivo. Gran parte de la película se centra en las duras realidades de la vida de Rocky en Filadelfia, donde lucha por ganarse la vida cobrando deudas. La película minimiza intencionalmente los grandes momentos, como anunciar el ganador del combate de box, porque cosas como el enamoramiento de Rocky y Adrian son más importantes. Al igual que el propio Sylvester Stallone fue subestimado en la década de 1970 y encasillado injustamente, el Rocky original a menudo se pasa por alto, especialmente porque ganó Mejor Película sobre películas aclamadas como Taxi Driver y Network. La verdad es que algunos años simplemente producen múltiples películas excepcionales.

3. El Padrino Parte II

Mucha gente debate si El Padrino o El Padrino II es la mejor película. Creo que El Padrino es más fuerte en general, aunque Parte II podría haber sido incluso mejor si Richard Castellano hubiera regresado como Clemenza, como quería originalmente el director, Francis Ford Coppola. Hay diferentes historias sobre por qué no regresó, pero su ausencia fue un verdadero revés para la secuela. Los temas de honor y traición en la historia de Michael habrían sido más impactantes con Clemenza involucrada que con el nuevo personaje, Frank Pentangeli, que no estaba en la primera película. Que Clemenza apareciera en ambas películas también habría fortalecido las conexiones entre las historias de Michael y el joven Vito. El Padrino II sigue siendo una secuela fantástica: las escenas del joven Vito que llega a Estados Unidos son especialmente poderosas y conmovedoras para cualquier persona con antepasados inmigrantes. Es una pena que desacuerdos, probablemente sobre dinero o visión creativa, impidieran a Coppola hacer realidad su plan original.

2.Casablanca (1942)

A pesar de estar ambientada durante la Segunda Guerra Mundial y centrarse en una situación muy específica: un estadounidense que vive en el extranjero (Humphrey Bogart) y que decide ayudar a un líder de la resistencia (Paul Henreid) que está casado con la mujer que una vez amó (Ingrid Bergman), la película Casablanca explora temas universales de sacrificio, amor y deber. La conmovedora conexión entre Bogart y los personajes de Bergman, Rick e Ilsa, se suma a su atractivo duradero, al igual que su diálogo increíblemente memorable. Esta combinación hace de Casablanca un clásico querido que continúa resonando entre el público de hoy.

1. El padrino (1972)

No necesitamos otra reseña que explique por qué El Padrino es un clásico. En lugar de eso, considere este único momento que captura perfectamente el poder de la película: cuando Michael Corleone se entera de que le dispararon a su padre, inmediatamente corre a una cabina telefónica para llamar a casa. Hasta entonces, Michael ha afirmado que no quiere tener nada que ver con el negocio familiar. Pero ver los titulares de las noticias cambia algo dentro de él. Deja a Kay, su novia, fuera de la cabina telefónica para hacer su llamada, reflejando cómo su padre hacía negocios en privado, mientras la boda continuaba afuera. Este momento también alude a la escena final de la película. Es una toma simple, pero muestra poderosamente a Michael dando sus primeros y fatídicos pasos hacia un mundo que anteriormente rechazaba.

2025-11-04 23:02