Si ha estado manteniendo su suscripción de cable, puede encontrarse ligeramente desconcertado al navegar a través de los canales de HBO en este momento. Muchos de los canales familiares que está acostumbrado a haber sufrido una transformación y deportivo de identidades nuevas.
Aquí están los nuevos nombres y sus antiguas identidades entre paréntesis.
- HBO Hits (anteriormente HBO2)
- Drama de HBO (anteriormente HBO Signature)
- películas de HBO (anteriormente Zona HBO)
La compañía también renombró a la familia de canales Cinemax. Esos nombres de noticias son
- cineMax golpes (anteriormente Moremax)
- Cinemax Action (anteriormente ActionMax)
- Cinemax Classics (anteriormente 5starmax)
La declaración sugiere que HBO decidió reorganizar sus canales para garantizar una distinción clara entre ellos, destacando sus ofertas de contenido únicas.
Desde su debut en 1991, he sido parte de HBO 2, o como se lo conocía brevemente a fines de los 90, HBO Plus. En las últimas tres décadas, el canal se ha mantenido consistente con su nombre original, salvo esa transformación de corta duración. De hecho, HBO Signature y HBO Zone, ambos lanzados el mismo año, también han sido parte de la familia HBO desde entonces.
Como entusiasta del cine, he estado siguiendo la reciente transformación de los canales de HBO bastante de cerca. Curiosamente, este movimiento de cambio de marca tiene lugar menos de cuatro meses después de anunciar el cambio en el nombre de su servicio de transmisión, que originalmente se llamaba HBO Max pero ahora se conoce simplemente como Max. Puede que te preguntes, como lo hice, ¿qué hay en un nombre? Bueno, al igual que la película de 1979 “The Rose” protagonizada por Bette Midler, son las historias atemporales y las actuaciones cautivadoras las que realmente importan, independientemente del título que llevan.
Si eres un suscriptor de HBO Max que disfruta de la programación en vivo a través de su aplicación, también encontrarás estos nuevos nombres de canales en la sección “Canales”. El cambio puede parecer intimidante al principio, pero con el tiempo, todos nos acostumbraremos a ver los éxitos de HBO como un sustituto adecuado de HBO2.
Si tan solo pudieran reintroducir esos créditos de apertura cautivadores que convirtieron cada película de HBO en una obra maestra épica histórica.
Las 40 mejores películas de los últimos 40 años (1985-2024)
40. The Fugitive (1993)
Una película como “The Fugitive”, que es muy entretenida y agradable de ver varias veces, a menudo se pasa por alto al hacer listas porque no tiene temas profundos y estimulantes o simbolismo complejo. Sin embargo, esta película hace que las películas de persecución a gran escala parezcan fáciles. Crear una película con un misterio tan apasionante, escenas de acción claras y actuaciones sobresalientes, particularmente de Tommy Lee Jones como el determinado mariscal de EE. UU. Sam Gerard, requiere un alto nivel de habilidad y artesanía que no es común incluso para los estándares actuales, y mucho menos en 1993. Esta película es tan agradable porque se hizo con un talento excepcional y profesionalismo.
39. Holy Motors (2012)
Como cinéfilo, proclamo de todo corazón que la obra maestra de Leos Carax, “Holy Motors”, es un viaje cinematográfico inolvidable que se siente como un sueño vívido del que te despiertas, aún persistente en tu memoria. Esta película es una explosión estimulante de subconsciente crudo, desenfrenado o tal vez superconsciente, y sirve como un homenaje conmovedor y agridulce al arte del cine, la actuación y la vida misma. La película postula que estos tres elementos están entrelazados, casi indistinguibles el uno del otro.
En esta extraordinaria película, Denis Lavant ofrece una asombrosa variedad de 11 actuaciones notables como Oscar, un hombre que navega por las bulliciosas calles de París en una limusina, deslizándose sin problemas en varios roles, desde un artista de captura de movimiento hasta un gángster e incluso un mendigo. La esencia de la profesión de Oscar sigue siendo enigmática en todo momento, sin embargo, el poder de los “motores sagrados” radica innegablemente en su exploración del encanto duradero y el potencial no realizado del cine, incluso en una era en la que las experiencias tradicionales de cine se desvanecen y los nuevos métodos de distribución enfrentan sus propios desafíos.
38. Hard hervido (1992)
En la escena de apertura de “Hard Hervid” de John Woo, se prepara un cóctel, comenzando con tequila seguido de refrescos, que luego se mezclan violentamente al caer en la barra. Esta secuencia simboliza los eventos explosivos que se desarrollan a lo largo de la película, donde las fuerzas aparentemente dispares chocan y crean una reacción extraordinaria. Del mismo modo, los actores Chow Yun-Fat y Tony Leung brillan de forma independiente, pero cuando se combinan, generan brillantez cinematográfico.
La escena inicial de “Hard hervido” dirigida por John Woo muestra la mezcla de una bebida, tequila seguido de refrescos, mezclada con fuerza al dejar caer sobre la barra. Esta imagen caótica presagia la narrativa de la película, que se centra en el poderoso choque entre las fuerzas contrastantes que finalmente resulta en un resultado extraordinario. Al igual que las estrellas Chow Yun Fat y Tony Leung, que deslumbran por su cuenta, pero juntas crean una notable sinergia que cautiva al público.
37. Matinee (1993)
En Matinee, Joe Dante realiza un viaje sentimental a través de las películas B de 1960, utilizándolas como una plataforma para profundizar en el contraste entre el miedo auténtico y el horror sensacional vendido por el personaje de John Goodman, el cineasta de Schlock Lawrence Woolsey y sus compañeros. Sin embargo, uno podría preguntarse cómo una película sobre un productor llamativo podría ser tan perspicaz.
La película ofrece una representación conmovedora de un adolescente llamado Gene (Simon Fenton), que vive con su madre y su hermano menor en una base militar, con su padre ausente debido a los deberes de la Armada durante la crisis de los misiles cubanos. Con su madre a menudo abrumada, Gene asume la responsabilidad de cuidar a Dennis (Jesse Lee). Debido a las reubicaciones relacionadas con el trabajo de su padre, los hermanos son extraños constantes en la escuela. El cine sirve como santuario de alegría en medio de sus problemas “.
“Matinee es un tributo nostálgico a las películas B de 1960 que explora la distinción entre el terror real y el horror sensacional retratado por el personaje de John Goodman, Lawrence Woolsey, un cineasta de Schlock. Sorprendentemente, la película sobre un productor de un productor profundo. La crisis de los misiles cubanos a menudo abrumó, Gene cuida a su hermano menor Dennis (Jesse Lee).
36. Volver al futuro (1985)
En una nueva redacción fresca y atractiva, permítanme proponer: “Volver al futuro” explora hábilmente una curiosidad común entre los adolescentes, preguntándose cómo eran nuestros padres a nuestra edad. Esta pregunta atemporal sirve como base para uno de los cuentos más compatibles en la historia cinematográfica. El personaje interpretado por Michael J. Fox, una posible estrella de rock llamada Marty McFly, es impulsado a 1955 en el auto de Delorean no convencional de su amigo científico. La narración se desarrolla mientras Marty trabaja para arreglar la línea de tiempo y asegurar su propia existencia, después de interrumpir accidentalmente el encuentro inicial de sus padres en ese fatídico día. El humor, peculiar, diseñado artísticamente y editado por expertos, representa un ejemplo casi perfecto de las ofertas de entretenimiento pop de Hollywood de la década de 1980.
35. Jackie Brown (1997)
En términos más simples,
Los personajes de “Jackie Brown” son retratados de una manera refrescante humana más que como rudas estereotípicas. Max Cherry, por ejemplo, se representa como un hombre común con cabello adelgazante en lugar de un gángster suave con un traje negro. Del mismo modo, Jackie Brown no se presenta como un criminal experimentado, pero alguien que se prepara antes de una confrontación crucial, mostrando vulnerabilidad y relatabilidad. Personajes como Louis Gara incluso olvidan cosas simples durante los atracos, recordándonos que son solo personas.
Algunos espectadores podrían haber estado esperando que “Jackie Brown” sea tan llamativo o complejo como “Pulp Fiction”, pero a pesar de la falta de complejidad abierta, la representación de los personajes de la película es acertada, según el autor. Los créditos iniciales, inspirados en “The Graduate”, proporcionan una visión profunda del personaje de Jackie sin que ella necesite decir una palabra. Escenas como la que Ordell establece cuentas con Beaumont son particularmente notables. Además, la película termina con un beso icónico que no es de naturaleza sexual pero imperfecta, lo que aumenta su encanto.
34. Los Fabelmans (2022)
Como cinéfilo, debo confesar mi afición inquebrantable por el thriller repleto de acción “The Fugitive” (1993). Si bien algunos pueden argumentar en contra de su inclusión en una lista de películas estimulantes debido a su falta de temas pesados o metáforas intelectuales, esta película muestra magistralmente las complejidades de las secuencias de persecución a gran escala. Es casi engañosamente simple cómo maneja el material que incluye un misterio apasionante, escenas de acción clara y actuaciones sobresalientes, particularmente Tommy Lee Jones como el implacable mariscal estadounidense Sam Gerard.
El atractivo perdurable de esta película radica en su artesanía excepcional, una calidad rara aún más difícil de alcanzar que cuando se lanzó por primera vez. Una y otra vez, me encuentro cautivado por la gran habilidad en exhibición, haciendo de “The Fugitive” una alegría absoluta de volver a visitar.
33. Barb y Star van a Vista del Mar (2021)
Kristen Wiig y Annie Mumolo han regresado con su muy esperado sucesor de comedia de “Bridesmaids”, protagonizada por dos amigos que viven en un entorno en forma de convento en Soft Rock, Nebraska, que pierde sus trabajos en Jennifer Convertibles. Sin otras opciones, deciden derrochar su indemnización en un lujoso viaje a Florida. Allí, ambos se enamoran de un enigma atractivo (Jamie Dornan, satirizando brillantemente su propia personalidad como un hombre musculoso de damas) que es parte de un complot para arruinar la ciudad usando mosquitos letales genéticamente modificados. Sí, lo adivinaste, un viejo tropo. Wiig y Mumolo brillan en sus roles, explorando con humor temas como la ropa de Tommy Bahama y el encanto del nombre Trish, y el guión está destinado a ser citado hasta el día de la invasión de mosquitos asesinos. En estos tiempos desafiantes, “Barb y Star van a Vista del Mar” llegó como un par de culottes brillantes, brillando brillantemente para guiarnos fuera de la penumbra.
32. Inside Out (2015)
Pete Docter, antes de ser el director creativo de Pixar, era conocido como el genio del estudio. Escribió guiones para películas icónicas como Toy Story, Toy Story 2 y Wall -E, y dirigió algunas de las películas más aclamadas del estudio: Monsters, Inc., Up y Inside Out. Este último es una historia cuidadosamente diseñada que explora el funcionamiento interno de la mente de una niña de 11 años. Cuando Riley se muda con su familia desde Minnesota a San Francisco, experimenta agitación, lo que lleva a un conflicto entre sus emociones personificadas dentro de su cerebro. La representación del paisaje de cerebro de Riley es imaginativamente innovadora; Cada escena ofrece imágenes intrigantes. Además, Inside Out se destaca como una de las películas más perspicaces sobre la importancia de la tristeza y la pérdida en nuestras vidas.
31. El rey de Kong: un puñal de cuartos (2007)
Donkey Kong representa un reflejo desafiante de la vida, lleno de obstáculos y contratiempos, incluso cuando posee habilidades excepcionales. La fortuna puede favorecer o abandonarlo en cualquier momento. Puede triunfar sobre la adversidad, pero en última instancia, la muerte es inevitable. Este juego refleja la experiencia humana, demostrando que a pesar de los logros, no hay una verdadera victoria, solo una lucha constante contra el destino “.
“The King of Kong” no es simplemente un documental sobre competir por el título de jugador de Kong Kong superior; Simboliza los desafíos y pruebas más amplios que enfrentamos en la vida.
30. Memento (2000)
Como cinéfilo, advertiría contra subestimar el poder del “recuerdo”. Si bien es cierto que su compleja estructura narrativa, que incluye plazos entrelazados y flashbacks frecuentes, podría considerarse un truco cinematográfico por algunos, esta complejidad tiene un propósito más profundo. Ofrece un vistazo a la conciencia fragmentada de nuestro protagonista, Leonard Shelby (Guy Pearce), que lidia con una forma inusual de amnesia que le impide crear nuevos recuerdos.
A pesar de su condición, Leonard persigue incansablemente al hombre que asesinó a su esposa. Inicialmente, la película parece sugerir que tiene éxito en su búsqueda, pero a medida que se desarrolla la historia, nos llevan de vuelta durante los días anteriores para revelar la verdad. Este enfoque único de narración de historias catapultó a Christopher Nolan en el centro de atención como un nuevo director prometedor, pero no hay nada glamoroso en el propio Leonard. Debajo de su implacable persecución se encuentra un personaje trágico impulsado por los más humanos de las motivaciones: el anhelo de creer que su vida importa.
A lo largo de su carrera, Nolan ha seguido experimentando con la forma y llevado a cabo muchos de los temas y motivos de “Memento”. Sin embargo, parece haber dejado atrás el humor negro que impregnaba esta película, desde la escena en la que Leonard no está seguro de si es el cazador o el cazado, hasta el nombramiento irónico de su hotel, el “Inn de descuento”, mientras pasa la película cuestionando las cuentas de Sammy Jenkins, un hombre con una condición médica similar.
29. L.A. Confidencial (1997)
¿En qué etapa de disección nostálgica estamos actualmente con la película “L.A. Confidential”? Está ambientado en la década de 1950, sin embargo, se hace eco del estado de ánimo de “Chinatown” de la década de 1970, y se produjo a fines de la década de 1990 cuando todavía era factible crear un drama criminal de gran escala con pocas estrellas prominentes (con Kevin Spacey y Kim Basinger siendo las excepciones). Similar a su novela fuente de James Ellroy, “L.A. Confidential” rompe la ilusión de que la década de 1950 era una era idílica y despreocupada en los soleados Los Ángeles. Como sugiere un personaje, esta imagen nos ha sido comercializada; La realidad se había mantenido en su mayoría escondida hasta que Ellroy y el director Curtis Hanson lo sacaron a la luz.
28. El prestigio (2006)
El prestigio “: en esta obra maestra de Christopher Nolan, estructuras de tiempo complejas, giros inesperados, personajes moralmente ambiguos y temas recurrentes como la pérdida de seres queridos se unen para formar una narrativa más convincente de lo que sugieren los elementos individuales. Establecido en Londres victoriano, dos rivales, dos rivales, retratados por Bale y Hugh Jackman, participan en una competencia intensa que empujan hacia los que se encuentran a los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times, los Times. Brink of Murder.
27. La red social (2010)
En este análisis, es discutible cómo con precisión David Fincher y Aaron Sorkin describieron la fundación de Facebook en su interpretación. Sin embargo, no hay duda de que capturaron efectivamente un tipo particular de individuo, como lo ejemplificó el personaje de Jesse Eisenberg, Mark Zuckerberg: brillante, enojado, derecho y anhelando afecto y aprobación.
La película de Fincher sobre Facebook en 2010 ahora puede verse como un sucesor espiritual para luchar contra el club, otra historia con un hombre descontento y aislado que encuentra que desahogar su ira tiene consecuencias imprevistas.
El casting de Justin Timberlake, un músico de la vida real, como fundador de Napster y el primer ejecutivo de Facebook, Sean Parker, es crucial para la narrativa de la película. Parker se desempeña como contraparte de Zuckerberg, al igual que Tyler Durden en Fight Club. Timberlake y Eisenberg comparten un parecido sorprendente, siendo su cabello rizado una de las similitudes más notables: si uno ganó la lotería genética y el otro se en blanco. Mark aspira a ser como Parker. Y sin embargo, se acerca tan cerca pero se queda corto.
26. Nickel Boys (2024)
En este trabajo, a menudo puedes ver muchas películas buenas e incluso excepcionales. Sin embargo, es raro encontrarse con uno que se sienta realmente novedoso o revolucionario, empujando el medio de la película a territorios inexplorados. Pero luego viene una película como “Nickel Boys”, que es fresca, audaz y única en la perspectiva, en este caso, desde dos puntos de vista distintos.
Esta no es una película cualquiera; Es una adaptación innovadora de la novela ganadora del Premio Pulitzer de Colson Whitehead. El compañero de escritor y director Ramell Ross se atrevió a filmar la película principalmente desde la perspectiva de sus personajes principales, utilizando tomas de punto de vista. Junto con el director de fotografía Jomo Fray, Ross emplea hábilmente un trabajo de cámara POV, sumergiendo a los espectadores en las mentes y las experiencias de dos jóvenes que soportan una escuela de reforma de Florida en la década de 1960. (No puedo evitar preguntarme por qué Fray no fue nominada para un Oscar a la mejor cinematografía). Si bien esta técnica podría convertirse en un truco que distrae, en las manos capaces de Ross, ofrece una perspectiva realmente refrescante en el mundo y posiblemente incluso un vistazo al futuro del cine.
25. Vidas pasadas (2023)
En una conmovedora mezcla de belleza y tristeza, este drama profundiza en las influencias invisibles que dan forma a nuestras vidas, ya sea que los etiquetemos con el destino, el destino o simplemente _in-yun_. Estas fuerzas unen a las personas pero también las separan, al igual que los imanes sujetos a leyes inquebrantables de la física. La narración gira en torno a dos personajes: Nora, una escritora retratada por Greta Lee, y Hae Sung, un ingeniero interpretado por Teo Yoo. A pesar de su incapacidad para mantener una relación, están obligados por una intensidad que evita que se separen. Sus caminos se cruzan varias veces, como niños, estudiantes universitarios y adultos, y cada encuentro ocurre en un contexto de circunstancias cambiantes. Sin embargo, la relación central persiste, incluso cuando Nora está casada con un estadounidense llamado Arthur (John Magaro). ¿Elegirá quedarse con Arthur o Sae cantará su último destino? La resolución desgarradora de este discreto triángulo amoroso deja un impacto profundo, haciendo que uno reflexione sobre los momentos y elecciones decisivas que han esculpido sus propias vidas, incluso si su importancia solo se revela en la retrospectiva.
24. Boyhood (2014)
Todos los años durante 12 años, Richard Linklater y un pequeño equipo filmaban en secreto escenas sobre la vida de un niño (Ellar Coltrane), su madre (Patricia Arquette) y su hermana (Lorelei Linklater). Algunos pueden ver esta película como el experimento autobiográfico de Linklater, pero ofrece una mirada cautivadora a la vida estadounidense a principios del siglo XXI a través de la lente del amor, las luchas y los sacrificios de una familia.
El aspecto único de la infancia radica en su relación con el tiempo, a medida que los actores envejecen visiblemente durante toda la película. Esto agrega una profundidad emocional a ciertas escenas y una resonancia más profunda para otras. Cuando Patricia Arquette reflexiona sobre su vida al final de la película, habla desde un lugar de experiencia y emoción genuina que abarca durante una docena de años.
Roger Ebert dijo una vez que las películas proporcionan un vistazo a través de las paredes de nuestra limitada “Caja de espacio y tiempo”. En mi opinión, la infancia puede ser una de las pocas películas que abren esas paredes más amplias que cualquier otra.
23. Atrápame si puedes (2002)
En una mezcla inusual, “Atrápame si puedes” se destaca como una pieza deliciosamente entretenida pero estimulante en la filmografía de Spielberg, ofreciendo una exploración profunda de la soledad y la familia. La película cuenta con uno de sus conjuntos más fuertes, con Leonardo DiCaprio que retrata al astuto artista de la estafa Frank Abagnale Jr., Christopher Walken como su problemático padre, Jennifer Garner y Amy Adams como dos de los intereses románticos de Frank, y el iniftorable Tom Hanks como diez espíritu sin humor, agente de la FBI cargada de Hanratty.
22. Mad Max: Fury Road (2015)
La película “Mad Max: Fury Road” es ampliamente considerada como la mejor película de persecución de automóviles de este siglo debido a sus increíbles secuencias de acción. Sin embargo, lo que lo hace verdaderamente único es su matices espirituales e incluso bíblicos. La historia sigue a un grupo de mujeres fuertes, dirigida por Imperator Furiosa interpretada por Charlize Theron, en un viaje a través del desierto en busca de un nuevo paraíso, al igual que el éxodo de Sodoma y Gomorra. El personaje de Tom Hardy, Max, sirve como su guía, ayudándoles a encontrar seguridad, aunque no puede compartir su destino final con ellos. La creación magistral de George Miller de caos demuestra que las películas de acción pueden ser emocionantes e inteligentes. Si alguien trata de discutir lo contrario, debe decirles con confianza “Eso es absurdo.
21. asesinos de la luna de la flor (2023)
Con más de 80 años, Martin Scorsese continúa desafiándose a sí mismo y a sus espectadores, provocando actuaciones de actuación extraordinarias, profundizando en temas recurrentes que han caracterizado muchas de sus obras maestras: el encanto y la destrucción forjados por la riqueza y las sombras de la oscuridad y la tragedia ocultas dentro de la historia estadounidense. La narración se desarrolla en la década de 1920, en medio del “reinado del terror” que se cobró la vida de numerosos miembros de la Nación Osage, luego de su descubrimiento de tierras ricas en petróleo en Oklahoma que los convirtió en un objetivo para sus vecinos blancos, incluido uno (Lille DiCaprio de Leonardo DiCaprio) que se casó con un Osage Oil Tycoon (Mollie de Lilystone’s Moldstone. Parece que cada vez que Scorsese lanza una nueva película, me encuentro escribiendo esto, pero puede ser más preciso para asesinos de Flower Moon que nunca: si este es su trabajo final, sirve como una culminación impresionante a una carrera sobresaliente.
20. Chungking Express (1994)
19. Boogie Nights (1997)
La película de Paul Thomas Anderson combina perfectamente el humor, la tragedia y una mirada a la industria del porno en el sur de California de la década de 1970. Personajes como el director porno fallido de Burt Reynolds y el problemático líder del grupo de Julianne Moore, Amber Waves, son retratados hábilmente, ofreciendo un elenco intrigante. La elección de nombre para las ondas de ámbar puede no ser accidental, ya que Anderson parece profundizar en más que solo estos individuos; Captura la esencia de América, su belleza, sexualidad, desesperación y adicción a las drogas, durante esta época.
18. Ran (1985)
Entre todas las películas del aclamado director Akira Kurosawa, “Ran” se destaca como mi mejor opción. A pesar de ser lanzado al final de su carrera y ser una película en color a diferencia de la mayoría de sus otras obras maestras, es esta singularidad lo que adoro. Su uso excepcional del color, particularmente en los trajes vibrantes de sus personajes, sirve como un toque final exquisito para cada declaración cinematográfica, lo que lo hace realmente único en su tipo.
17. The Matrix (1999)
Una de las pocas ventajas de envejecer es tener la oportunidad de observar cómo las películas mantienen su atractivo con el tiempo. Vi la matriz durante su primer fin de semana con una anticipación mínima, y fue un encuentro electrizante que todavía puedo recordar el teatro, el auditorio específico dentro del multiplex y la ubicación de mi asiento. Las vistas previas fueron intrigantes, pero la película en sí misma me cautivó y me sorprendió.
Incluso más de 20 años después de su lanzamiento, continúa impresionándome. Mi única queja sobre esta película: no es aconsejable dejarlo jugando en segundo plano mientras intentas concentrarte en el trabajo, ya que inevitablemente te encontrarás viendo la matriz por 65ª vez en lugar de completar tus tareas.
16. La campana de buceo y la mariposa (2007)
En 2007, se lanzaron numerosas películas notables, pero entre ellas, una película se destaca en mi corazón: “The Diving Bell & the Butterfly”, dirigida por Julian Schnabel. Esta película es una adaptación de las memorias de Jean-Dominique Bauby que detalla su lucha con el síndrome bloqueado. La historia de la vida de Bauby y la lección de abrazar la vida de todo corazón tuvieron un profundo impacto en mí. Al salir del cine, me inspiró al instante para proponerle a mi novia, una decisión que ha llevado a 15 años juntos y a dos hermosos hijos. Volviendo a verlo recientemente, su impacto sigue siendo tan poderoso como siempre.
15. Die Hard (1988)
¿Es realmente necesario para mí discutir por qué ‘Die Hard’ se considera una de las mejores películas de todos los tiempos? Es bastante obvio, ¿no es, vaquero? Hay ciertas cosas que no necesitan explicación. Por ejemplo, la excelente actuación de Bruce Willis como John McClane, un policía de Nueva York de vacaciones; la fantástica dirección de acción de John Mctiernan; y el hecho de que es una película navideña inolvidable completa con ametralladoras.
14. Primer plano (1990)
En esta película iraní, el director Abbas Kiarostami cuenta la notable historia de un hombre que se hace pasar por un conocido director y engaña a una familia en Teherán. La película presenta a personas reales jugando a sí mismas, combinando elementos del caso judicial real que siguió y las escenas recrearon antes de la llegada de Kiarostami. _Close-UP_ destaca por su combinación única de narración documental y ficticia, profundizando en estos géneros mientras explora temas de fama y clase social dentro de una narrativa más grande.
13. The Truman Show (1998)
Quizás somos de hecho parte de una existencia simulada. Porque si no lo somos, entonces la película “The Truman Show” parece haber predicho nuestra realidad llena de vigilancia, saturada del producto, estresante y artificialmente brillante de una manera que parece inverosímil. En particular, mientras que esta película se centra en un hombre atrapado dentro de una producción de televisión masiva, las luchas experimentadas por Truman durante las etapas iniciales de la historia reflejan estrechamente los sentimientos de desilusión y confusión asociadas con el alcance de la mediana edad y las preguntas: “¿Es esta mi vida genuina?”
La película “The Truman Show” parece haber predicho la vigilancia, el consumismo, el estrés y la plasticidad de nuestra sociedad moderna de una manera que parece imposible si no estamos viviendo en una simulación. Además, si bien la película se trata principalmente de un hombre atrapado en un programa de televisión, también sirve como una representación relatable de una crisis de mediana edad, donde uno podría preguntarse: “¿Cómo es esta mi vida real?
12. Zodiac (2007)
La película de David Fincher, “Zodiac”, ofrece una exploración única, que profundiza en cuatro décadas de la historia de San Francisco como se ve a través de las perspectivas de tres personas distintas: un inspector de policía (Mark Ruffalo), que está famoso con la película “Bullitt”; un reportero del crimen de Chronicle (Robert Downey Jr.), quien se convirtió en el objetivo del asesino del zodiaco debido a sus artículos; y un detective aficionado, Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal), que sigue obsesionado con el caso incluso después de que cesen los asesinatos. La película retrata magistralmente el incesante agarre de la obsesión que se niega a ser sacudida. Fincher sumerge hábilmente a los espectadores en esta intrincada red de sugerencias y cables engañosos a través de impresionantes trabajos de cámara subjetivos y edición de montaje. Al final del “zodiaco”, después de 157 minutos tensos, cada espectador comparte el viaje emocional de Robert Graysmith.
11. Inside Llewyn Davis (2013)
Como un cinéfilo devoto, diría que cada colaboración cinematográfica entre Joel y Ethan Coen se siente como un dueto armonioso. En su estilo único, “Inside Llewyn Davis” se convirtió en su sinfonía de duetos, pintando una imagen vívida de la escena popular de Nueva York a principios de los años 60. Esta película no es solo una biografía de un músico talentoso (retratado brillantemente por Oscar Isaac, que marca su papel innovador), sino también una exploración conmovedora de la serie de tragedias en miniatura que lo acosan después de la desaparición de su pareja. Es difícil no ver el simbolismo en las excepcionales habilidades vocales y de guitarra de Llewyn, especialmente porque su mejor composición es “THE BIEN”. Por extraño que parezca, parece casi incompleto cuando se juega un solo artista.
10. Lady Bird (2017)
La película “Lady Bird”, dirigida por Greta Gerwig, se centra en múltiples parejas o elementos contrastantes: la protagonista conlleva dos nombres de primeros nombres, y a lo largo de la película tiene dos intereses románticos, dos amigos cercanos, y así sucesivamente. La narración se desarrolla en dos términos escolares, cada uno marcado por su propia producción en el escenario. Hay dos bailes, dos fiestas, dos relaciones importantes para padres e hijas, y ella se aplica a dos universidades mientras asiste a los servicios en dos iglesias. Todas estas dualidades hacen de “Lady Bird” una película profundamente reflexiva sobre elecciones: las decisiones que, a la edad de Lady Bird, parecen que alteran la vida. En cierto sentido, lo son.
9. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)
En una frase diferente:
No puedo recordar la ubicación o la fecha exacta cuando vi por primera vez “Eternal Sunshine”, pero fue hace aproximadamente dos décadas durante mi tiempo viviendo y estudiando en la ciudad de Nueva York. Desde entonces, los detalles de esa proyección han desaparecido, al igual que muchos recuerdos con el tiempo. Sin embargo, esta memoria perdida se suma a mi apreciación de la película hoy en comparación con mis sentimientos en 2004. Una razón por la que encuentro “el sol eterno de la mente impecable”, tan convincente es su uso de un concepto de ciencia ficción (una pareja problemática borra sus recuerdos entre sí) para explorar la idea de la pérdida de memoria natural. La química entre Jim Carrey y Kate Winslet en esta película los convierte en una de las mejores parejas del cine, ya que su relación condenada resuena porque cada relación finalmente termina, como una casa de playa que se arrastra al mar.
8. Pulp Fiction (1994)
7. Haz lo correcto (1989)
En los tiempos contemporáneos, la película de Spike Lee contra las tensiones raciales durante un sofocante día de verano en Brooklyn continúa resonando dolorosamente. El vecindario de Bed-Stuy gira en torno a una pizzería italiana, que sirve como epicentro de disturbios después de que la policía le dispara fatalmente a un hombre negro. ¿Mookie, según lo interpretado por Spike Lee, tomó la decisión apropiada cuando rompió un bote de basura a través de la ventana de pizzería? Esta pregunta en sí misma podría transmitir un mensaje más poderoso que cualquier respuesta potencial.
6. American Movie (1999)
En un lenguaje más simple y accesible,
El documental llamado American Movie , aunque puede parecer alegre e incluso humorístico a veces, ofrece una visión conmovedora y melancólica de la vida del aspirante a cineasta Mark Borchardt. El viaje de Mark para completar su tan esperado proyecto está lleno de luchas, y a pesar de su sincera pasión por crear arte, a menudo no alcanza sus objetivos.
Más allá de exhibir los sueños no realizados de un individuo, la película también destaca el vínculo de la amistad entre Mark y su amigo Mike, que lo ayuda a producir películas de bajo presupuesto. Cuando eres joven, es un reloj agradable; Sin embargo, a medida que envejeces, la película adquiere un tono más desgarrador. Sin lugar a dudas, American Movie se destaca como una de las películas estadounidenses más impactantes de mi vida.
5. Take Shelter (2011)
Después de haber luchado personalmente con numerosos ataques de pánico, me siento seguro de afirmar que la película “Take Shelter” es una de las mejores jamás hechas sobre vivir con ansiedad. El protagonista, Curtis Laforche (interpretado por Michael Shannon), disfruta de una feliz vida familiar con su esposa e hija. Sin embargo, está atormentado por sueños inquietantes de tormentas apocalípticas inminentes, temiendo que algún evento catastrófico esté en el horizonte.
Michael Shannon ofrece una actuación sobresaliente en esta película (con Jessica Chastain interpretando a su esposa solidaria). “Take Shelter” retrata vívidamente el brutal ciclo del miedo con una precisión sorprendente: Curtis teme que sucumbiera a un colapso mental, ya que la enfermedad mental tiene una historia en su familia. Sin embargo, este miedo solo exacerba su ansiedad, causándole aún más angustia.
Muchos describirían el final de la película como ambiguo; Sin embargo, me parece inevitable porque capta la realidad de que este tipo de ansiedad no puede ser conquistada. No se puede detener construyendo barreras físicas o emocionales para salvaguardar lo que aprecias ni derrotas directamente. En cambio, solo puede ser comprendido y manejado con la ayuda y la comprensión de amigos y seres queridos.
4. Once Upon A Time in Hollywood (2019)
En la historia “Once Upon A Time in Hollywood”, el actor Rick Dalton, junto con su amigo especialista Cliff Booth, el productor de encuentro Marvin Schwarz en el restaurante más antiguo de Hollywood, Musso y Frank Grill. Marvin propone a Westerns italianos para Rick, pero Rick, sintiendo que su carrera está disminuyendo, reacciona con decepción y desesperación. La cámara luego baja para mostrar el letrero de Musso & Frank Grill que se eleva sobre ellos, destacando su título como el “más antiguo de Hollywood”. Este momento subraya conmovedoramente los sentimientos de Rick de haber pasado su mejor momento, a pesar de que potencialmente aún tiene algunos buenos años por delante. La película es notable por detalles tan perspicaces y sirve como un relato histórico de una era turbulenta en Estados Unidos (y la cultura pop) y un conmovedor homenaje a la disminución de la forma artística del cine en sí.
3. Día de la marmota (1993)
En términos más simples, la película “Día de la tierra” se destaca como una de las comedias más profundas jamás producidas. Bill Murray ofrece una actuación excepcional como el presentador del clima egocéntrico Phil Connors, quien se encuentra atrapado en un pequeño pueblo en Pensilvania durante las celebraciones del Día de la Marmota. Esencialmente, la trama gira en torno a un hombre que inicialmente cree que es superior a otros como un Dios, pero finalmente descubre que puede alcanzar el estatus divino y, lo que es más importante, aprende lo que realmente significa ser humano.
2. Goodfellas (1990)
Han pasado tres décadas, y las “Goodfellas” de Martin Scorsese se encuentran sin lugar a dudas entre las mejores películas de los años 90, una obra de importancia significativa. Emparejarlo con “El irlandés” para una sesión de visualización de maratón es un testimonio de la resistencia cinematográfica. La historia narra el viaje de un aspirante a mafioso, retratado por el difunto Ray Liotta. En un momento está saboreando salsa auténtica con tres tipos de carne, y el siguiente que está haciendo con ketchup y fideos de huevo. Todos los aspectos de la película, la actuación, la escritura de guiones, la edición, la cinematografía y la banda sonora, se ejecutan sin problemas. Es difícil entender cómo “bailados con lobos” podría haber ganado el Oscar mejor foto sobre “Goodfellas”. Solo reflexiona sobre ese pensamiento por un momento.
1. Dreams de aro (1994)
1) En los años 90, Pulp Fiction puede no haber sido la película más impactante, pero por un tiempo, fue una de las más frecuentemente copiadas. La mala calidad de las imitaciones dice mucho sobre los talentos excepcionales de Quentin Tarantino, entonces y ahora.
2) Pulp Fiction es una amalgamación extraordinaria que parece contradictoria a primera vista. Es un retrato grandioso de la escena del crimen de Los Ángeles, pero profundiza en las complejidades de sus personajes. La película abarca elementos tan descabellados como las maletas mágicas y los guaridas subterráneas secretas para BDSM, a las discusiones más comunes sobre masajes de pies y cocina extranjera. Es grande, pequeño, humorístico, deprimente, brutal y caricaturesco, un verdadero testimonio de su esencia única. En pocas palabras, Pulp Fiction es una maravilla cinematográfica.
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2025-09-04 19:41