Los Oscar se están mudando de ABC después de muchos años a un nuevo hogar en YouTube, lo que refleja el cambio en la forma en que la gente mira televisión.
Los Oscar se transmitirán por YouTube a partir de 2029, anunció la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Sin embargo, ABC seguirá transmitiendo la entrega de premios durante los próximos tres años. El nuevo acuerdo con YouTube se extiende hasta la 105ª ceremonia de los Premios de la Academia en 2033.
Como fanático del cine, ¡estoy muy entusiasmado con este nuevo acuerdo! Significa que veremos mucho más de los Premios de la Academia que solo la ceremonia principal. Están poniendo todo (los premios Governors, las nominaciones reveladas, incluso eventos para estudiantes de cine) directamente en el canal de YouTube de los Oscar. Además, prometen entrevistas con cineastas y actores, programas educativos sobre cine y podcasts. Es como obtener un pase de acceso total al mundo de los Oscar y creo que es fantástico para cualquiera que ame las películas.
Aquí estaba la declaración del director ejecutivo de Acadmy, Bill Kramer, y la presidenta Lynette Howell Taylor sobre las noticias:
Nos complace anunciar una amplia asociación con YouTube, que lo convertirá en el nuevo hogar de los Oscar y de todos nuestros programas de la Academia. Como organización internacional, la Academia quiere llegar a la audiencia global más amplia posible, beneficiando a nuestros miembros y a toda la comunidad cinematográfica. Esta asociación combinará los Oscar y nuestros programas con el enorme alcance de YouTube y las nuevas formas de conectarse con los fanáticos, sin dejar de respetar nuestra historia. Juntos podremos celebrar las películas, inspirar a futuros cineastas y compartir la historia del cine con más personas en todo el mundo que nunca.
El nuevo acuerdo plantea varias preguntas sin respuesta. Por ejemplo, ¿la transmisión seguirá incluyendo comerciales? ¿Los Oscar mantendrán su duración habitual de tres horas? Y dado que el programa no tendrá un horario fijo en YouTube y podría durar tanto tiempo como la Academia y la plataforma quieran, ¿es posible que la transmisión sea más larga de lo habitual?
Dado que los Oscar apuntan a aumentar los índices de audiencia, ¿la Academia recuperará premios previamente recortados, como los Oscar honoríficos? Más allá de eso, ¿qué otros cambios podemos esperar? Una gran pregunta es si intentarán atraer a una audiencia más joven, tal vez atrayendo a los espectadores en plataformas como YouTube. ¿Podría alguien como MrBeast siquiera presentar un premio, como el de Mejor Película?
Como amante del cine, tengo mucha curiosidad por ver cómo se desarrollan las cosas, pero 2029 parece que será un gran año para las películas y, especialmente, para la temporada de premios. ¡Definitivamente es una cita para ver!
Los mejores ganadores del Oscar a la mejor película de todos los tiempos
20. Un hombre para todas las estaciones (1966)
La película Un hombre para todas las estaciones se centra en Sir Thomas More, un hombre de sólidos principios que se enfrenta a una decisión difícil. El rey Enrique VIII quería casarse con Ana Bolena y Moro se negó a apoyar la decisión. La película sigue a More mientras navega por presiones y amenazas, manteniéndose fiel a sus creencias incluso mientras se protege a sí mismo. Es una historia convincente sobre el derecho y el delicado equilibrio de comunicarse sin revelar demasiado, una habilidad que, en última instancia, tiene sus límites.
19. Sucedió una noche (1934)
Las comedias, especialmente las románticas, a menudo pasan desapercibidas en los Premios de la Academia. Sin embargo, una excepción notable es Sucedió una noche, una película clásica protagonizada por Clark Gable y Claudette Colbert como un reportero y una heredera que se enamoran el uno del otro: ¡un tropo común en el género! Sorprendentemente, la película todavía se siente fresca, divertida y encantadora décadas después, a pesar de haber sido imitada por innumerables otras películas.
18. La conexión francesa (1971)
La película The French Connection ofrece una experiencia cruda y emocionante que los Premios de la Academia a menudo pasan por alto. Es conocida por su acción trepidante y su retrato realista de la ciudad de Nueva York, lo que podría explicar su perdurable popularidad entre las listas de grandes ganadoras de Mejor Película. Cuando miras hacia atrás a los ganadores del Oscar, encontrarás muchos musicales, dramas biográficos y películas de guerra a gran escala, pero solo una Conexión francesa.
17. Rebeca (1940)
Alfred Hitchcock llegó a Hollywood a finales de los años 1930 e inmediatamente alcanzó el éxito con su primera película estadounidense, Rebecca, ganando el Premio de la Academia a la Mejor Película. Sorprendentemente, a pesar de haber hecho muchas más películas aclamadas, nunca volvió a ganar ese premio. Pero eso no disminuye Rebecca, que sigue siendo una historia clásica de Hitchcock sobre la obsesión y los recuerdos persistentes de aquellos que hemos perdido.
16. Un americano en París (1951)
Antes de finales de la década de 1960, los musicales eran probablemente el género más premiado en los Premios de la Academia. Durante ese tiempo, varios musicales bastante corrientes (incluso malos) ganaron el Oscar a la Mejor Película, como The Great Ziegfeld, Gigi y Going My Way. Sin embargo, Un americano en París de Vincente Minnelli fue un verdadero destacado. Protagonizada por Gene Kelly en su mejor momento, cuenta la historia de un veterano de la Segunda Guerra Mundial en Europa que se enamora de una mujer francesa (Leslie Caron). La película muestra el increíble baile de Kelly, presenta canciones clásicas de George e Ira Gershwin, incluidas “Embraceable You”, “I Got Rhythm” y “Love Is Here to Stay”, y culmina con una impresionante secuencia de ballet de 17 minutos.
15. El apartamento (1960)
En El apartamento de Billy Wilder, C.C. Baxter (Jack Lemmon) espera que un ascenso resuelva su infelicidad en el trabajo. Permite que sus jefes usen su apartamento para sus aventuras, pero su plan fracasa cuando se enamora de una mujer (Shirley MacLaine) que comienza una relación con su jefe (Fred MacMurray) en su propia casa. La película se destaca por ser una comedia poco común que gana premios importantes en los Premios de la Academia, probablemente porque su humor se mezcla con emoción genuina y verdades identificables.
14. La lista de Schindler (1993)
Steven Spielberg ganó su único Premio de la Academia a la Mejor Película (y uno de sus dos premios al Mejor Director) por este poderoso drama histórico. La película cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que arriesgó todo (su dinero y su vida) para salvar a cientos de judíos empleándolos en sus fábricas durante la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. Ampliamente considerada una de las mejores películas biográficas jamás realizadas, retrata hábilmente la vida de Schindler y al mismo tiempo muestra el inmenso sufrimiento de los afectados por el Holocausto.
13. Luz de luna (2016)
Los Premios de la Academia vivieron un momento inolvidable cuando Moonlight se reveló como la ganadora a Mejor Película, pero no antes de que los presentadores Faye Dunaway y Warren Beatty anunciaran por error La La Land. Este sorprendente giro culminó un viaje increíble para Moonlight, una conmovedora película que pasó de ser una producción independiente poco conocida a una merecida ganadora del Oscar. (Para ser claros, La La Land también fue una película fantástica). Moonlight retrata maravillosamente la vida de un joven negro a medida que alcanza la mayoría de edad, explorando honesta y profundamente su crecimiento y su viaje emocional a través de tres etapas de su vida.
12. Amadeo (1984)
Los Oscar suelen favorecer películas sobre personajes famosos, pero Amadeus se destaca porque en realidad no trata sobre el propio Mozart. En cambio, se centra en Salieri, un personaje más identificable que reconoce el extraordinario talento de Mozart y sus propias limitaciones. Si bien la mayoría de nosotros no podemos identificarnos con ser un genio musical, podemos comprender la sensación de no alcanzar nuestras metas. La película no es del todo históricamente precisa en su interpretación de Mozart (interpretado por un animado Tom Hulce) y Salieri (un amargado F. Murray Abraham), pero captura una verdad más profunda, similar a lo que el director Werner Herzog llama “verdad extática”, donde la resonancia emocional de una película es más importante que los hechos históricos estrictos.
11. Términos de cariño (1983)
Si bien el impacto emocional de Terms of Endearment podría disminuir para el público moderno familiarizado con los giros de la trama, sigue siendo una película verdaderamente hermosa, divertida y conmovedora. Se destaca por su retrato realista de relaciones complejas, especialmente el vínculo a menudo difícil entre madre e hija, y las luchas dentro de un matrimonio en problemas, temas rara vez explorados con tanta honestidad en Hollywood. James L. Brooks no es conocido por sus imágenes llamativas, pero tiene un talento notable para dirigir y escribir actuaciones convincentes de sus actores.
10. El aguijón (1973)
A menudo considerada una película clásica de Hollywood, The Sting reunió a Paul Newman y Robert Redford con el director George Roy Hill, basándose en el éxito de Butch Cassidy and the Sundance Kid. Esta vez, interpretan a un dúo de estafadores que buscan venganza contra un gángster despiadado (Robert Shaw) que lastimó a un amigo. La película presenta una trama brillantemente inteligente, una actuación cumbre de Newman y una banda sonora memorable de música ragtime nostálgica. Lo encontré por primera vez cuando era adolescente en PBS y cuando era niño me identifiqué con el personaje de Redford. Ahora me identifico más con Newman, lo cual es una buena señal, siempre y cuando no vea nada del carácter de Shaw en mí.
9. Lawrence de Arabia (1962)
Al crecer como fanático del cine en la década de 1990, mi primera experiencia con Lawrence de Arabia fue verlo en VHS y, sinceramente, no me causó mucha impresión. No fue hasta que lo vi proyectado en una gran pantalla de 70 mm que realmente comprendí su impacto. Si bien los videos caseros pueden ser divertidos, la epopeya de David Lean sobre T.E. Lawrence a menudo se siente decepcionante en pantallas más pequeñas, especialmente cuando recuerdas cómo se veía en cintas VHS viejas y recortadas reproducidas en un televisor de tubo. Sin embargo, verla en la pantalla grande es una experiencia completamente diferente: es inquietante, cautivadora y diferente a casi cualquier otra película.
8. Parásito (2019)
La película Parasite está meticulosamente elaborada y cada elemento (diálogo, ángulo de cámara, giro de la trama y elección de diseño) cumple un propósito. La película comienza con una toma del estrecho apartamento en medio sótano de la familia Kim, destacando su pobreza, que literalmente se acentúa cuando su vecindario se inunda. Luego vemos a los Kim luchar por mejorar sus vidas consiguiendo hábilmente trabajos para una familia adinerada. La toma final de la película se conecta poderosamente con la apertura, enfatizando la crítica del director Bong Joon-ho a la desigualdad social.
7. El silencio de los corderos (1991)
Muchos thrillers presentan criminales perturbados, pero El silencio de los corderos de Jonathan Demme es mucho más complejo y revelador. También es una mirada convincente a la agente Clarice Starling (interpretada por la ganadora del Oscar Jodie Foster) mientras navega por un mundo dominado por hombres poderosos y a menudo peligrosos. Si bien Hannibal Lecter (otro ganador del Oscar, Anthony Hopkins) tiene una presencia significativa, la película lo presenta de manera única desde la perspectiva de Clarice, lo que cambia fundamentalmente cómo lo vemos.
6. Los mejores años de nuestras vidas (1946)
Si bien algunos fanáticos del cine pueden no estar de acuerdo, Los mejores años de nuestras vidas es posiblemente un mejor clásico estadounidense que Es una vida maravillosa. La película cuenta la historia de tres veteranos, interpretados por Frederic March, Dana Andrews y Harold Russell (un veterano de la Segunda Guerra Mundial que perdió ambas manos en el servicio), mientras regresan a su ciudad del Medio Oeste e intentan reconstruir sus vidas. El director William Wyler no celebra la guerra; en cambio, retrata honestamente los difíciles desafíos físicos y emocionales que enfrentan estos hombres, ofreciendo una mirada notablemente perspicaz a las realidades de la guerra que aún resuenan hoy.
5. No es país para viejos (2007)
Los hermanos Coen son conocidos por sus excelentes películas y No es país para viejos es posiblemente la mejor. Explora un tema que retoman a menudo: cómo la búsqueda incesante de dinero puede arruinar vidas. La historia comienza cuando un hombre (Josh Brolin) encuentra una gran suma de dinero en efectivo después de un negocio fallido de drogas, y este descubrimiento desata una ola de violencia brutal e innecesaria. Hábilmente dirigida por los Coen y basada en la novela de Cormac McCarthy, No Country retrata un mundo sombrío e impredecible donde el destino parece tan arbitrario como lanzar una moneda al aire.
4. Rocoso (1976)
Las personas que descartan Rocky como una película de boxeo más probablemente no hayan visto la original desde hace tiempo y la confundan con sus secuelas más débiles. El primer Rocky se parece más a un estudio de personajes realista, similar a las películas neorrealistas italianas, que a una típica película de deportes. Dedica mucho tiempo a mostrar las duras realidades de la vida de Rocky en Filadelfia, donde apenas se las arregla trabajando como cobrador de deudas para la mafia. La película minimiza intencionalmente los grandes momentos, como anunciar el ganador del combate de box, porque la conexión personal de Rocky con Adrian (su amor mutuo) es mucho más significativa. Al igual que Rocky, el propio Sylvester Stallone fue subestimado y etiquetado injustamente como poco inteligente en la década de 1970, y esa percepción todavía existe hoy en día, y algunas personas descartan la primera Rocky simplemente porque ganó Mejor Película sobre películas como Taxi Driver y Network. La verdad es que algunos años producen múltiples películas excepcionales.
3. El Padrino Parte II
Todo el mundo siempre discute sobre si es mejor El Padrino o El Padrino II. Para mí, es definitivamente la primera película que se lleva la corona. Pero la Parte II podría haber sido realmente excepcional si hubieran logrado que Richard Castellano volviera a ser Clemenza; ese era el plan original de Coppola, ¿sabes? Las historias sobre por qué no regresó varían, pero perderlo realmente perjudicó la secuela. El arco de Michael, y toda la idea de honor y traición, habrían sido mucho más fuertes con Clemenza involucrada en lugar del nuevo personaje, Frank Pentangeli, quien se siente completamente desconectado de la primera película. ¿Y esos brillantes paralelismos entre el joven Vito y Michael? Habrían resonado aún más profundamente si Clemenza hubiera estado presente en ambas líneas de tiempo. No me malinterpretes, El Padrino II sigue siendo una película fenomenal: esas primeras escenas del joven Vito llegando a Estados Unidos son simplemente impresionantes. Como alguien con raíces inmigrantes, son increíblemente conmovedores. Es una lástima que algún tipo de desacuerdo (probablemente creativo o financiero) impidiera a Coppola hacer realidad su visión original.
2.Casablanca (1942)
A pesar de estar ambientada durante la Segunda Guerra Mundial y centrarse en una situación muy específica: un estadounidense que vive en el extranjero (Humphrey Bogart) que decide ayudar a un líder de la resistencia (Paul Henreid) que está casado con la mujer que una vez amó (Ingrid Bergman), Casablanca explora temas universales de sacrificio, amor y deber. La relación conmovedora y agridulce entre Rick de Bogart e Ilsa de Bergman, combinada con sus líneas increíblemente memorables, lo han convertido en un clásico querido que continúa resonando en el público de hoy.
1. El padrino (1972)
No necesitamos otra reseña que explique por qué El Padrino es un clásico. En su lugar, considere este momento perfecto que captura el poder y la eficiencia de la película: cuando Michael Corleone (Al Pacino) se entera de que le han disparado a su padre, Vito (Marlon Brando), inmediatamente corre a un teléfono público para llamar a casa. Hasta entonces, Michael afirmó que no quería tener nada que ver con el negocio familiar. Pero la noticia lo cambia y abruptamente deja fuera a su novia, Kay (Diane Keaton), mientras hace la llamada, reflejando cómo Vito hacía negocios en privado, mientras el resto de la familia celebraba sin darse cuenta en una boda. Esta escena también alude a la imagen final de la película. Es una toma simple que muestra brillantemente a Michael comenzando a regañadientes su descenso al peligroso mundo de la empresa criminal de su familia.
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2025-12-17 22:30