¡He estado esperando mucho tiempo por la nueva película de Guillermo del Toro y finalmente está aquí! Parece un momento perfecto para volver a visitar El Frankenstein de Mary Shelley de Kenneth Branagh de 1994, que siempre pensé que era una versión realmente fascinante de la historia. Era una película de terror tan audaz e inusual para un gran estudio de aquel entonces: ¡una película hermosa y dramática que también te asustaba de verdad! Realmente se me quedó grabado.
La película se estrenó en un momento en que las adaptaciones de libros clásicos eran populares y también durante un punto culminante en la carrera del director Kenneth Branagh. La visualmente impactante Drácula de Bram Stoker de Francis Ford Coppola había demostrado recientemente que las historias góticas aún podían tener éxito en los cines. Branagh, conocido por sus bien recibidas versiones de Enrique V y Much Ado About Nothing, parecía el director ideal para dar vida a otro personaje clásico y problemático. Se estaba haciendo conocido en Hollywood por su fuerte estilo teatral, su uso de historias de Shakespeare y su capacidad para rentabilizar esas películas. Con Coppola como productor y Robert De Niro como el Monstruo, Frankenstein parecía destinado a ser parte de la breve tendencia de películas de terror lujosas y maduras. Sin embargo, la versión de Branagh no fue la película sencilla y aclamada por la crítica que probablemente esperaba el estudio. En cambio, presentó una película tremendamente imaginativa e intensamente seria, casi como una ópera.
Frankenstein de Mary Shelley falla en su adaptación de un clásico
La adaptación cinematográfica de Kenneth Branagh de Frankenstein de Mary Shelley parece apresurada, como si el director estuviera luchando por lograr la perfección a un ritmo imposible. Esto hace eco del tema central de la novela: una búsqueda incesante de control que conduce a un desprecio por las consecuencias. Así como Victor Frankenstein se concentra en cómo crear vida en lugar de en lo que realmente está creando, Branagh parece demasiado concentrado en dominar la película en sí, en lugar de capturar verdaderamente el espíritu de la historia.
A diferencia de algunas adaptaciones que crean suspenso gradualmente, la película de Branagh te lanza inmediatamente a un mundo de paisajes helados y agitación. La escena inicial muestra a los exploradores descubriendo a un Victor Frankenstein debilitado, que ya está obsesionado con su propia leyenda y consumido por las dudas. A partir de ese momento, la película se mueve a un ritmo frenético y desigual: la cámara está estática o en movimiento frenético, inclinándose, girando y descendiendo constantemente. Este estilo errático sugiere que Branagh carecía de confianza al dirigir Frankenstein de Mary Shelley, lo que la hacía sentir como una creación defectuosa e inestable, muy parecida al monstruo de Víctor.
El famoso “¡Está vivo!” La escena captura perfectamente el estilo salvaje y enérgico de la película. Lo que comienza como un momento gótico potencialmente sombrío explota en un espectáculo caótico y exagerado, completo con vapor ondulante y aceite que se asemeja al vino religioso. La cámara rodea dramáticamente el evento y el director Kenneth Branagh lo filma todo en cámara lenta, adoptando una sensación de grandeza. El laboratorio de Víctor se convierte en un escenario de intensa acción y efectos visuales. La propia realización de la película refleja la locura de Victor, dejando a los espectadores preguntándose si han presenciado el experimento de Victor o el de Branagh. Ambos están impulsados por una arrogancia similar. Sin embargo, el intenso enfoque de Branagh en la historia –ya sea por respeto u obsesión– eclipsa el núcleo emocional de la narrativa. La película prioriza la búsqueda de la inmortalidad sobre la importancia del duelo, y cada ángulo y movimiento dramático de la cámara impide que esos temas más profundos resuenen realmente. Branagh parece creer que la cercanía emocional equivale a destrucción, lo que da como resultado una película que nunca deja suficiente espacio para que los personajes lamenten sus pérdidas.
La versión del monstruo de DeNiro no puede resucitar a Frankenstein de entre los muertos
Cuando Robert De Niro fue elegido para la película de 1994, fue noticia: un actor dramático muy respetado asumió un papel legendario. Recién salido del éxito de su primera película dirigida, A Bronx Tale, se esperaba que De Niro aportara peso e intensidad al proyecto. Sin embargo, la mayor debilidad de la película radica en su interpretación del Monstruo. A pesar de la impresionante transformación física y maquillaje, la fuerte presencia de De Niro y su voz reconocible eclipsan la criatura que debe ser. La película apunta a una escala épica y riqueza visual, pero el poder estelar de De Niro es simplemente demasiado dominante, lo que impide que el público crea plenamente en la sombría creación nacida del laboratorio de Victor Frankenstein.
El maquillaje de la criatura, creado por Daniel Parker, está notablemente bien hecho y muestra un cuerpo minuciosamente reconstruido a partir de piezas. Los trajes de James Acheson (harapos desgastados y desgarrados) insinúan el pasado de dificultades de la criatura y la discriminación que enfrentó. Robert De Niro ofrece una actuación sincera y convincente, lo que facilita que el público simpatice con la criatura mientras aprende acciones humanas básicas como caminar, tocar y hablar. Una escena destacada muestra a la criatura observando tranquilamente a una familia y aprendiendo a hablar, un momento que realmente resalta su humanidad emergente. Por una vez, la cámara del director Kenneth Branagh permanece quieta, permitiendo que los efectos de maquillaje y la actuación física de De Niro se combinen y creen una imagen genuinamente desgarradora.
A pesar del esfuerzo por transformarlo, Robert De Niro sigue siendo innegablemente reconocible. Su voz distintiva y su imponente presencia, construidas a lo largo de años de roles icónicos, siempre se asoman. No es que De Niro no lo intentara; los realizadores le dieron todo lo que necesitaba para encarnar plenamente al personaje. Sin embargo, existe una desconexión fundamental entre el actor y el papel. La dirección exagerada de Branagh necesitaba un intérprete que realmente pudiera desaparecer en el papel, pero en cambio, tenemos a De Niro con un maquillaje impresionante, un problema que ninguna habilidad puede solucionar. Este choque es más obvio durante la confrontación final entre Víctor y su creación, que desemboca en discusiones y violencia. Los diferentes estilos de actuación se vuelven sorprendentemente claros, y el enfoque sutil de De Niro contrasta marcadamente con el estilo dramático de Branagh.
La desesperada Helena Bonham Carter está desafortunada en Frankenstein
A pesar de las buenas actuaciones de Kenneth Branagh y Robert De Niro, la película Frankenstein de Mary Shelley no logra desarrollar sus personajes secundarios ni crear un mundo verdaderamente inmersivo. Si bien Helena Bonham Carter, interpretando a Elizabeth Lavenza, captura perfectamente las cualidades que favorece a Branagh (un personaje femenino clásico, fuerte y trágico), su actuación se ve eclipsada por la energía frenética de la película. Elizabeth comienza como un símbolo de esperanza e inocencia para Víctor, pero su personaje fluctúa entre una seguidora devota y alguien destinado a la tragedia, disminuyendo el impacto emocional. Lo que podría haber sido un momento desgarrador (su muerte y posterior reanimación) parece simplemente otra exhibición dramática. Cuando Victor la devuelve a la vida (una de las muchas veces que desafía a la muerte), Bonham Carter ofrece una actuación físicamente convincente digna de su propia película. Sin embargo, Branagh prioriza el espectáculo sobre la profundidad emocional genuina, creando una experiencia discordante, como una ópera representada durante una emergencia.
Honestamente, por mucho que me guste una gran experiencia cinematográfica, realmente interfirió en la conexión entre Carter y los personajes de Branagh. Cada conversación parecía como si estuvieran actuando para la última fila, no para la cámara. Hubo momentos (un toque suave, una voz temblorosa) en los que podías sentir algo real, pero rápidamente se perdieron en toda la extravagancia visual. Branagh siempre va a lo grande, y aquí dirige y muestra su dolor demasiado. Cuanto más sufría Elizabeth, más dramáticos se volvían los disparos. Y todo culminó con su reducción a una impactante imagen de angustia: un final triste para un personaje que nunca se sintió una persona plenamente realizada, sino más bien un símbolo de alguien perdido en el impulso de otro.
Para bien o para mal: simplemente ya no hacen Frankensteins de Mary Shelley como solían hacerlo
El Frankenstein de Mary Shelley se adelantó a su tiempo y adoptó plenamente su intensidad dramática sin reservas. Lanzado cerca del final de una era, su compromiso inquebrantable con esa intensidad ahora se siente como un reflejo de la apasionada dedicación de Shelley a la historia original. La película, tanto para bien como para mal, captura esto perfectamente: en sus técnicas cinematográficas, sus impresionantes efectos prácticos y la idea de que la ambición pura puede crear algo extraordinario. La actuación de Kenneth Branagh, alguna vez considerada demasiado dramática, ahora parece el resultado de una inmensa presión. Era un director y una estrella completamente consumido por su amor por el material original, casi incapaz de dejarlo respirar. El final de la película, que regresa a un paisaje frío y tranquilo después de dos horas de energía frenética, parece el único momento de respiro que permite. El contraste del fuego y el blanco, con Víctor y su creación finalmente en paz, es casi como si el propio Branagh estuviera dando un suspiro de alivio. La conclusión parece genuinamente poderosa: un testimonio de un esfuerzo real, escenarios tangibles y un nivel de ambición que parece poco común en el cine moderno.
Bien, entonces la versión de Guillermo del Toro de Frankenstein será algo nuevo, lo puedo sentir. Pero ya sabes, el núcleo de la historia, toda esa figura trágica que sufre en el frío, seguirá ahí. Y, sinceramente, ver la versión de Branagh me recordó ese sentimiento: era simplemente… mucho. Exagerado, realmente intenso, pero extrañamente cautivador. Definitivamente dejó una impresión.
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2025-11-09 08:09