Reseña de 'Sanatorio bajo el signo del reloj de arena': la fantasía surrealista en stop-motion de los hermanos Quay es un bocado, una mirada y un derretimiento mental

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Como conocedor de lo surrealista y lo extraño, con un profundo aprecio por el mundo esotérico de la animación stop-motion, me siento completamente cautivado por «Sanatorio bajo el signo del reloj de arena». Esta película es un testimonio de la incomparable capacidad de los hermanos Quay para entrelazar el tiempo, el espacio y la mortalidad de una manera que desafía la narración tradicional. Es como entrar en un sueño, uno que persiste mucho después de haber despertado.

En el reino artesanal poco iluminado representado en «Sanatorio bajo el signo del reloj de arena», ni el tiempo, ni el espacio ni la vida se ajustan a los horarios terrenales. En consecuencia, es apropiado que este fascinante viaje en stop-motion parezca respetar sus reglas temporales únicas. Después de casi dos décadas, este primer largometraje de los animadores de culto Quay Brothers dura apenas 76 minutos. Sin embargo, a medida que te sumerges en su enigmática narrativa, al mismo tiempo te sientes como un viaje interminable que termina antes de que te des cuenta, muy parecido a un gran sueño que se desvanece rápidamente al despertar.

La naturaleza compleja y misteriosa de la película «Sanatorio» podría confundir al público que, una vez atraído por su historia intensamente oscura y gótica, se encuentra perdido en una narrativa fluida que presenta múltiples personajes, líneas temporales retorcidas e incluso una muerte que no es definitiva. Los espectadores familiarizados con el trabajo de los Quay, en particular su influyente cortometraje de 1986 «Street of Crocodiles», que también fue adaptado de Schulz, estarán más preparados para las ornamentadas rarezas y enigmas de esta última producción. Esta película, que se estrenó en la barra lateral de los Venice Days este año, está preparada para un amplio recorrido en festivales, una distribución independiente limitada y un seguimiento de culto. Los Quay, que ahora tienen más de setenta años y cuentan con seguidores notables como Christopher Nolan, no muestran ningún interés en el éxito general.

Como cinéfilo, me encuentro atraído por el enigmático mundo del Sanatorio Karpaty, ubicado al pie de los Cárpatos en 1937, un año que se hace eco de la publicación de una novela con título y temas similares. La película se desarrolla dentro de esta atmósfera de misterio, no tanto a través de una narrativa sino a través de temas compartidos con la obra de Kafka. Pero para llegar a este escenario, primero navegamos por una intrincada historia que gira en torno a una casa de subastas cuestionable. Aquí se ponen a subasta artículos raros, como los huesos fosilizados de una mítica sirena marina, el oro líquido de las abejas y, lo más pertinente a la película, una «Maqueta para la tumba de una retina muerta», un intrigante diorama animado. por la luz del sol que se filtra a través del ojo preservado de su antiguo propietario. (El lenguaje grandilocuente de la película parece servir como su propia broma seca, añadiendo una capa de sofisticación).

En la Maqueta, se desarrolla la historia de Joseph, contada en voz baja por Andrzej Kłak, un joven decidido que se embarca en un largo viaje en tren a través de una parte aislada de Europa del Este, en dirección al sanatorio donde reside su padre enfermo o fallecido. El médico responsable, Gotard, revela que esta institución existe en un estado inconexo en el tiempo, atrapada entre la realidad y la existencia onírica; Joseph puede descubrir a su padre vivo en alguna dimensión, pero sólo a través de una exploración insoportable de los intrincados pasillos del sanatorio. Describir Sanatorium como lineal es engañoso, ya que el viaje de Joseph se vuelve cada vez más caótico a medida que lidia con recuerdos, pesadillas y realidad que se confunden, mientras que los elementos narrativos y visuales de la película comienzan a repetirse y superponerse.

Aunque la trama de la película se vuelve cada vez más compleja, todavía provoca un impacto emocional escalofriante. Las intensas emociones de tristeza, miedo y anhelo se representan vívidamente mientras Jozef desciende al abismo, experimentadas a través de una animación de belleza opresiva: figuras de marionetas delicadas y delgadas en tonos envejecidos de peltre y polvo, cada cuadro se asemeja a una antigua exhibición steampunk, reflejada en un espejo empañado. La música y los paisajes sonoros de Timothy Nelson contribuyen a este frágil e inquietante efecto de canción de cuna. La iluminación tenue y la atmósfera similar a una telaraña exigen toda nuestra atención, no sólo en la intrincada trama sino también en la intrincada e inconexa narración. Esto se suma a la calidad inquietante de la película, como si fuera un artefacto misterioso extraído de una época o lugar desconocido.

La animación se entrelaza a la perfección con escenas de acción en vivo, creando una experiencia de otro mundo, ya que están intencionalmente borrosas y distorsionadas, lo que recuerda al cine antiguo o al contenido antiguo para adultos. No está claro dónde encajan estas secuencias dentro de la enigmática estructura narrativa de la película: tal vez los personajes humanos sirvan como fantasías inquietantes y desconectadas para los títeres de madera, arcilla y plumas de «Sanatorio», que parecen maltratados y heridos a pesar de su construcción material. El trabajo más reciente de los Quays es tan desconcertante que la realidad parece un poco más confusa cuando se encienden las luces y salimos del cine a trompicones, entrecerrando los ojos y parpadeando de regreso a nuestro mundo familiar.

2024-09-02 16:46